Rezensionen

Seit fast 20 Jahren sind sie untrennbar: Das dynamische Duo aus dem spitzohrigen Lombax Ratchet und dem melancholischen Roboter Clank war seit seinem ersten Auftritt als intergalaktische Weltenretter wider Willen auf der Playstation 2 in mehr als 14 Episoden unterwegs. Das letzte Abenteuer liegt allerdings schon fünf Jahre zurück. Entwickler Insomniac kümmerte sich derweil um die »Spider-Man« Episoden auf der PS4 und ist als jahrelanger Exklusiventwickler auch seit 2019 offiziell unter dem Dach von Sony. So durften sie jetzt den ersten Vorzeigetitel für die Playstation 5 entwickeln, der von den Vorteilen der neuen Konsolengeneration profitiert. Das ist, neben der detailreichen Grafik und den unzähligen Objekten, die den Bildschirm mit Leben erfüllen, vor allem der Wegfall von Ladezeiten. Die eingebaute SSD erlaubt den nahtlosen Wechsel zwischen den Welten. So geht es pfeilschnell aus dem arktischen Eis auf einen prähistorischen Planeten, die Helden gleiten auf Monoschienen vorbei an einem gigantischen Roboter, während um sie herum die Projektile sirren. »Ratchet & Clank« ist auch heute vor allem ein Actionspiel mit Geschicklichkeitseinlagen, bei dem sich nach einer Weile ein wunderbarer Flow einstellt, dem nur die eigene Fingerfertigkeit im Weg stehen könnte. Ausgangspunkt ist eigentlich eine prächtige Parade für den galaktischen Helden Ratchet. An deren Ende wollte ihm sein Freund Clank eine Maschine überreichen, mit der man Dimensionstore öffnen kann, um Ratchet die Suche nach seinen Artgenossen zu erleichtern. Doch ihr Erzfeind Dr. Nefarious sprengt die Feierlichkeiten, greift sich kurzerhand den Apparat und stellt das Universum auf den Kopf. Jetzt ist es also erneut an Ratchet und Clank, alles wieder geradezubiegen. Unerwartete Hilfe bekommen sie durch die schlagkräftige Lombax-Lady Rivet. Sie steuert sich kaum anders als Ratchet, bereichert aber die solide Storyline. (...) Lars Tunçay

Wenn einsam Synthesizer pfeifen, dann ist es Science-Fiction. Heutzutage wird der Weltraum im Fernsehen mit Blockflöten und Symphonieorchestern untermalt, aber dieses verhallte Klingeln haben Genrefans seit 2007 im Ohr: das Thema von »Mass Effect«. Es klang schon damals wie eine Rückbesinnung, weg von Laserschwertern und Special Effects, hin zum Weltraum an sich. Er ist still, groß und geheimnisvoll. An Bord schnittiger Raumschiffe und monumentaler Raumstationen stehen nachdenkliche Aliens am Fenster und blicken in die Sterne. Millionen von Menschen haben sich in diesen Weltraum (und die Aliens) verliebt. »Mass Effect« erschien als Trilogie aus drei Rollenspielen zwischen 2007 und 2012. Das Entwicklerstudio Bioware war bereits bekannt für tiefgründige Geschichten. Doch mit »Mass Effect« kam cineastische Bildsprache dazu. Die Grafikleistung reichte nicht nur für tolle Sternentapeten, sondern für Charaktere in Nahaufnahme. Mit Mimik! Plötzlich waren ellenlange Multiple-Choice-Gespräche nicht mehr nur eine Vorlesestunde. Sie öffneten einen Raum für das Anschmachten. Hat der forsche Turianer auch einen weichen Kern? Was verbirgt sich unter der Maske der Quarianerin? Die Trilogie durchlief Aufs und Abs; Teil zwei wurde noch ekstatischer gefeiert, Teil drei fast von einem Shitstorm enttäuschter Fan-Erwartungen begraben. Aber dieses Niveau bleibt unerreicht. Ein viertes »Mass Effect«-Spiel mit neuem Setting floppte. Jetzt erscheinen die ersten drei Spiele als »Mass Effect: Legendary Edition«. Im Paket sind nicht einfach die drei Spiele von früher, sondern eine behutsam restaurierte Version. Die Spiele sehen immer noch erkennbar alt aus, sind aber wieder schön. Sie laufen runder und schneller. Vor allem die neuen, lebensechten Gesichter machen einen Unterschied. Beim Spielen fühlt sich »Mass Effect« auch heute noch modern, aber eigensinnig an. Es bietet viel Action, aber auch viel dazwischen. (...) Jan Bojaryn

Ein paar Kakteen, einen Cowboyhut und einen »Saloon«-Schriftzug. Mehr brauchte es lange Zeit nicht, um in Computerspielen ein überzeugendes Western-Szenario zu zimmern. Weil im »Wilden Westen« vor allem herumgeschossen wird, war es in den neunziger Jahren nur eine Frage der Zeit, bis sich das neue Ego-Shooter-Genre dem Setting widmen würde. Nach Dutzenden Science-Fiction-Ballereien war es Zeit für etwas Neues. Und so veröffentlichte die berühmte Spieleschmiede LucasArts 1997 »Outlaws«. Der Shooter orientierte sich stark an den Anti-Western-Filmen der sechziger Jahre. Ein rücksichtsloser Eisenbahnmagnat ließ die Frau des Protagonisten töten, weshalb der Spieler einen Rachefeldzug antrat. In typischen Western-Szenarien – einer Stadt, einer Mine mitsamt rasanter Lorenfahrt und einem Canyon – pflügte man sich mit Pistolen, Schrotflinten und Dynamitstangen durch Gegnerhorden. Anders als etwa bei »Quake« mussten Patronen für die Waffen einzeln nachgeladen werden. In den weitläufigen Levels war auch das in Spielen neuartige Zielfernrohr eine Hilfe, um Gegner aus der Distanz auszuknipsen. »Outlaws« war schon beim Erscheinen grafisch veraltet, so schnell entwickelte sich damals die 3-D-Grafik weiter. Erst neun Jahre später sollte ein neuer Westernshooter erscheinen: »Call of Juarez«. Denis Gießler

Ziele zu erreichen, ist schwer. Hier setzen Videospiele an: Sie pflastern ihre Welten mit erreichbaren Zielen. Alles ist schaffbar. Damit sind sie ein schöner Urlaub vom restlichen Leben. Aber sie setzen den Erfolgsdruck mit einiger Selbstverständlichkeit fort. Der anhaltende Produktivitätsterror wird selten hinterfragt. In dem kleinen und kurzen Indie-Adventure »Minute of Islands« passiert genau das; es handelt von einer psychisch kranken Heldin, die sich mit aller Kraft gegen den Untergang einer Inselwelt stemmt. Doch die Welt ist schon verloren. Das ist beim Spielen so hart, wie es klingt. So schön die handgezeichneten Inseln auch vermodern, es geht deutlich bergab. Eigentlich weiß es auch die Heldin. Doch »Minute of Islands« ist nicht einfach ein Depri-Spiel, denn es erzählt seine Geschichte mitfühlend und klug. Und es sieht bei allem Ekel hinreißend aus. Pilze wuchern, Wale verwesen, einbeinige Möwen picken im Aas, und die Heldin Mo stapft in ihrem signalgelben Mantelkleid durch das Elend. Automatisch wächst sie ihren Spielern ans Herz. Auch wenn Mo alles schwarz sieht, bleibt die Welt auf eine schwer greifbare Art schön. Der tödliche Schimmel strahlt in bunten, raumgreifenden Fruchtkörpern über die authentisch verrottenden Zivilisationsreste. Jeder Bildschirm steckt so voller fantastisch gezeichneter Details, dass es das Spiel hoffentlich bald auch als Bildband geben wird. Jan Bojaryn

Dass »Solasta« vom einstigen Mitbegründer der französischen Amplitude Studios entwickelt wurde, sieht man am Design des Interface und der Spielmenüs. Schlicht, elegant und funktional sind die – und was bei Strategiespielen wie »Endless Legend« funktioniert hat, schadet auch einem Rollenspiel nicht. Überraschend gut ist es geworden, das Debüt von Mathieu Girards neuem Studio Tactical Adventures: ein klassisches Rollenspiel im Stil von »Baldur’s Gate«, in dem am Anfang ganz klassisch die Charaktererschaffung steht. Dabei gelingt es »Solasta«, der Ansammlung von Zahlenwerten, die so ein Rollenspiel-Charakter ist, durch gutes Voice-Acting und schön geschriebene Dialoge eine Stimme und ein Gesicht zu geben. Die Party entwickelt ein ganz spezielles Eigenleben, weil die Charakterwerte beeinflussen, wie die Spielfiguren sich im Verlauf der Geschichte verhalten, was sie sagen und wie sie es sagen. Auch in anderen Bereichen wurde geschickt an den Schrauben der bekannten Formel gedreht. Höhenunterschiede und Lichtverhältnisse spielen in den rundenbasierten Kämpfen eine wichtige Rolle, ein Zauberspruch ermöglicht sogar das Fliegen. Weniger originell ist der Plot, man rettet wieder einmal die Welt, die aber immerhin mit einer extra für »Solasta« geschriebenen Hintergrundgeschichte aufwarten kann. »Solasta« ist ein bugfreies, komplexes D&D-Rollenspiel, das mit gutem Loot und einer brauchbaren Story belohnt. Alexander Praxl

Vor 25 Jahren zog das Grauen auf der Playstation ein. Das Genre wurde zwar schon einige Jahre zuvor mit »Alone in the Dark« begründet, bekam aber mit der Aufforderung »Enter the Survival Horror …« im ersten »Resident Evil« nicht nur seinen Namen. Auch sonst prägte die Reihe über die Jahre das Genre maßgeblich. Rund 30 Titel erschienen seitdem, rechnet man die zahlreichen Umsetzungen und Neuauflagen mit ein. Bezog die Serie zunächst noch ihren Nervenkitzel aus der starren Kameraperspektive, vollzog »Resident Evil 4« 2005 in mehrfacher Hinsicht einen Perspektivwechsel. Fortan hing die Kamera über der Schulter des Protagonisten und statt eines gruseligen Herrenhauses war nun das spanische Hinterland Schauplatz des Grauens, statt Zombies setzten sich nun Anhänger eines Sektenkults zur Wehr. Gleichzeitig verschob sich der Schwerpunkt, dem allgemeinen Spieletrend geschuldet, immer mehr in Richtung Action. Mit dem 2017 erschienenen »Resident Evil VII« besann man sich wieder auf alte Gruseltugenden, verschob jedoch ein weiteres Mal die Perspektive. Aus der Ego-Ansicht wirkt das Grauen so intensiv wie nie zuvor, erst recht in der vollwertigen VR-Version des Spiels. Die bekam der nun frisch zum Jubiläum erschienene Teil acht, »Resident Evil Village«, nicht spendiert. Dafür profitiert er nicht nur grafisch von der Hardwareleistung der neuen Konsolen. Daneben bietet der achte Teil weitgehend, was die Serie groß machte, und schließt nahtlos an den Vorgänger an. Protagonist ist ein weiteres Mal Ethan Winters, der nach den grausamen Ereignissen in den Sümpfen von Louisiana mit seiner Frau Mia in Osteuropa Zuflucht gesucht hat. Bis ein alter Bekannter in sein Haus einbricht, Mia tötet und ihr Baby kidnappt: Chris Redfield. Als S.T.A.R.S.-Agent gehört er eigentlich zu denen, die seit Teil eins gegen den Umbrella-Konzern kämpfen, der mithilfe von biochemischen Experimenten die Weltherrschaft anstrebt. (...) Lars Tunçay

Es war schon ein ziemlich ausgeklügeltes System, das sich Richard Garriott für »Ultima Online« einfallen ließ. In dem ersten modernen Online-Rollenspiel interagierten tausende Spieler miteinander über das damals noch sehr junge World Wide Web. Um eine glaubwürdige Welt zu simulieren, erschuf Garriot mit seinem Team von Origin Systems eine »virtuelle Ökologie«: Pflanzen wuchsen wie in der echten Welt und produzierten Nahrung für Pflanzenfresser, die sich untereinander vermehrten und wiederum von Fleischfressern verputzt wurden. In der Theorie war das eine gute Idee – bis die Spieler auf die Server kamen. Denn alles, einfach alles, was sich auf der Karte bewegte, wurde von ihnen massakriert. Als eine Heuschreckenplage bezeichnet Garriot sie in einem Interview mit dem Tech-Blog Ars Technica. Die liebevoll gebaute virtuelle Ökologie starb in dem Moment, als die Server ächzend online gingen. Zu groß war die Freude der Spieler, sich über das Web durch eine digitale Welt mit okayer Grafik zu bewegen. Weil sich Spieler damals noch via Modem in das Web einwählten, beliefen sich die Telefonrechnungen bei manchen auf mehrere hundert D-Mark pro Monat. Im August 2021 war das Spiel immer noch live und bietet sogar einen kostenlosen Spielmodus an. Na dann, auf nach Britannia! Denis Gießler

Electronic Arts (EA) holt sich die Pole Position: Mit dem Erwerb von Codemasters ist der Publisher nun nahezu konkurrenzlos auf jeder Piste. Rund 1,2 Millionen US-Dollar ließ der Konzern für den traditionsreichen britischen Entwickler springen. Neben den erfolgreichen Serien »Grid«, »Project Cars« und dem Rallye-Renner »Dirt« erwirbt EA damit auch die Exklusivrechte an der Formel 1 und das Entwicklerteam, das deren größte Rennspiel-Serie zum Sieg führte. Für Fans der Reihe hat das zunächst keine spürbaren Auswirkungen. »F1 2021« ist ein gewohnt gutes Erlebnis, technisch auf der Höhe und mit einigen neuen Ideen. So kann man jetzt im Story-Modus »Breaking Point« den Rookie Aiden Jackson bei seinem Einstieg in die F1 begleiten. Dabei steigt man nach dramatisch inszenierten Cutscenes immer am entscheidenden Punkt eines Rennens ein. Vorteilhaft, wenn man den langen Weg aus Vorbereitung, Qualifying und Renntag abkürzen will. Allerdings sind die Aufgaben ganz schön fordernd. Gut, dass man den Realitätsgrad der Steuerung nach eigenem Ermessen einstellen kann. Wer den langen Weg nicht scheut, findet in »My Team« das volle Paket aus Management, Forschung, Sponsoring und Rennsimulation und hat dabei alle Entscheidungen in der Hand. Hinzu kommen die Rennen der F2-Saison, Zeit- und Einzelherausforderungen. Alles in allem ist »F1 2021« also mehr als nur ein jährliches Update. Es bleibt abzuwarten, ob sich das unter dem neuen Geldgeber zukünftig ändern wird. Lars Tunçay

Mit dieser »Zone« stimmt etwas ganz und gar nicht, das wissen Leser des Romans »Picknick am Wegesrand« gleich nach den ersten Seiten. Im sowjetischen SciFi-Klassiker der Brüder Strugatzki aus dem Jahr 1971 entsteht durch eine außerirdische Kraft die sogenannte Zone, in der allerlei seltsame Dinge geschehen. Abenteurer und Schatzjäger, die Stalker, wagen sich hinein und suchen nach wertvollen Artefakten. Hätten die Strugatzki-Brüder ihre Idee im 21. Jahrhundert in einem Computerspiel umgesetzt, es hätte wie »Chernobylite« aussehen können. In dem Survival-Spiel existiert die Zone um den havarierten Atomreaktor von Tschernobyl. Anders als im Spiel »Stalker« (2004) ist »Chernobylite« ein SciFi-Game. Das namensgebende Material ermöglicht uns, Wurmlöcher zu erzeugen, durch die wir reisen. Das ist praktisch, weil wir als Physiker in der Zone nach unserer Frau suchen, die im April 1986 spurlos verschwand. Unterwegs gründen wir eine Basis, bauen ein Team auf, suchen in kleineren Level-Gebieten nach Krimskrams und merken schnell: Das ist alles ganz schön öde. Auf der ständigen Suche nach »craftbarem« Material werden die fast fotorealistischen Level zur Staffage, sind nicht mehr als ein Vorwand für die immer gleiche Spielmechanik. »Chernobylite« wäre ein besserer »Walking Simulator« geworden. Hätten die Brüder Strugatzki das Spiel gesehen, sie hätten den Titel geändert in: »Sammelwahn am Wegesrand«. Alexander Praxl

Im Vorspann: Versuch’s mal mit Gemütlichkeit! Sekunden später: Game over. In diesem Spannungsverhältnis lebt »Das Dschungelbuch«. Das Spiel kommt aus einer Zeit, in der es ganz normal war, Kindern knüppelschwere Unterhaltung zwischen die Beine zu werfen. Fast 30 Jahre nach dem Disney-Film erschien die offizielle Umsetzung für das Sega-Mega-Drive und andere Konsolen. Sie löste vor allem optisch alles ein, worauf Disney-Fans zu hoffen wagten. Lebendig schwang Mogli seine schlaksigen Glieder durch den Dschungel, tanzte, schlug Salti und jonglierte mit Bananen. Die Etagen des Dschungels schichteten sich dicht übereinander. Jedes Level bot eine neue Welt, viele lehnten sich an legendäre Filmszenen an: Mit Elefanten marschieren! Oder planschen und sich fragen, wo Balu steckt. Doch vor allem gab es in jedem Level zahllose Affen auf Bäumen, die mit irgendwelchen Steinfrüchten warfen. Auf Mogli. All die Schlangen, Warzenschweine, Papageien und Skorpione waren in dieser Welt nicht etwa Moglis Freunde. Sie wollten ihn umbringen. Er musste sie besiegen. Das passte nicht zur Geschichte, aber irgendwoher müssen die Gegner in einem Jump’n’Run ja kommen. Bis heute gelten die Disney-Plattformer als technischer Höhepunkt des Sega-Mega-Drive. Und bis heute erinnern sich die Kinder von damals an den Frust hinter der Schönheit. Jan Bojaryn

Der Sand der Zeit ist lang verronnen: Fast 15 Jahre mussten die Fans des Prinzen auf einen legitimen Nachfolger warten. Vom lauwarmen Einspielergebnis der Verfilmung mit Jake Gyllenhaal musste man sich wohl erst mal erholen und den Glauben an die altgediente Serie wiedergewinnen. 2020 kündigte man ein aufwendiges Remake vom Glanzstück der Serie an, »Sands of Time«. Das lässt seitdem aber auf sich warten. Da ist ein 2-D-Intermezzo so willkommen wie kühles Nass in der endlosen Wüste. Noch dazu, wenn es so clever konstruiert ist: »The Lost Crown« ist ein schön verschachteltes Metroidvania in stilsicherer Comic-Optik. Die Kämpfe und Sprungpassagen gehen so geschmeidig von der Hand wie eh und je und immer, wenn Routine einsetzt, überraschen neue Fähigkeiten, die bisher unzugängliche Areale öffnen. Besonders lobenswert: In übersichtlichen Menüs lässt sich die Spielerfahrung dem eigenen Geschmack anpassen. Die Sprungpassagen leichter, die Kämpfe schwerer, die Wegführung einfacher – und wer dann immer noch scheitert, hat die Option, sich hinter der Passage aus einem Wurmloch ausspucken zu lassen. So bleibt der Prinz immer fair und trotzdem fordernd. Wobei, eigentlich ist der namensgebende Blaublüter ja diesmal gar nicht der Held des Abenteuers, sondern muss vielmehr gerettet werden. Den Job übernimmt Sargon, Teil der persischen Avengers. Macht aber nix, spielt sich trotzdem wie gewohnt und gewohnt gut. Lars Tunçay

Diese Science-Fiction-Satire klingt wie eine Verlängerung aktueller Nachrichten: In »The Cub« hat der Mensch die Erde unbewohnbar gemacht und die Reichsten sind auf eine Marssiedlung abgehauen. Der titelgebende Welpe ist ein Menschenkind im Urwald der sich selbst überlassenen Erde. Das Kind ist mutiert und kann deswegen die Luft atmen, durch die sich Menschen vom Mars nur mit Schutzhelm bewegen können. In einem früheren Spiel desselben Studios sind reiche Marsianer schon einmal zu den Ruinen der Erde geflogen, um dort als Touristen an ihrem Handicap zu arbeiten (»Golf Club Wasteland«). Nun machen sie Jagd auf das von Wölfen adoptierte Dschungelkind mit der wertvollen Mutation. Die Hintergrundgeschichte bleibt im Hintergrund, wird durch Kulissen, Radiosender und Fundstücke erzählt. Gespielt wird nur das akrobatische Menschenkind. Es ist auf der Flucht vor Keschern und Betäubungspfeilen. Sofort tödlich sind allerdings auch Dorngestrüpp, wütende Insekten, hungrige Krokodile, Säurebecken, herabfallende Bahnwaggons und alte Stromleitungen. Der Bezug auf brutale Jump’n’Run-Klassiker der Neunziger ist beabsichtigt (s. unten). Etwas weniger nervig ist »The Cub«, weil es den Fortschritt öfter abspeichert. Doch nervig bleibt es! Es ist fast unmöglich, die Geschichte zu durchqueren, ohne das Kind zu ersäufen, zu braten und zu zerquetschen. Ein Happy End ist möglich – aber extrem unwahrscheinlich. Jan Bojaryn

Auch in einem Trip kann man sich verlaufen. In »Ultros« erwacht die Protagonistin im »Sarcophagus« – das ist der Name eines »kosmischen Uterus«, der im Weltall umhertreibt und ein uraltes, dämonisches Wesen beherbergt. Der Sarkophag ist eine Falle, und wer hineintappt, wird in einer Zeitschleife gefangen. Langsam, aber sicher werden alle hier wahnsinnig. Die abgefahrene Prämisse klingt nicht nur verdächtig nach irgendeinem jahrzehntealten, drogenschwangeren Comicalbum aus Frankreich – genau so sieht »Ultros« auch aus. Der in Indie-Kreisen hochverehrte Künstler El Huervo hat einen unfassbaren, überbordenden und überfordernden Look geschaffen. Alle Farben sind jederzeit auf dem Bildschirm zu sehen. Alles wuchert und schmatzt. Die Welt ist lebendig; die Heldin isst zur Heilung Körperteile und Innereien, die sie anderen Kreaturen aus dem Leib schneidet. Sie pflanzt Alienbäume und pflückt Obst, das wie Augäpfel aussieht. Auch Spielefans müssen das visuell erst einmal verarbeiten. Aber dann erkennen sie, dass »Ultros« ein Metroidvania ist, und sind angefixt. Denn hier fühlen sie sich zu Hause; dieses Genre lieben in der Szene wirklich fast alle. Metrowaniwas? Aus den Spieleklassikern »Metroid« und »Castlevania« wurde ein Kofferwort-Genre. In diesen Spielen geht es darum, sich in einer Welt zurechtzufinden, sie nach und nach zu erschließen. Die Heldin oder der Held hüpft und prügelt sich durch eine Welt, die sich zu einem Labyrinth verzweigt. Anfangs bleiben viele Wege hinter verschlossenen Türen oder Hindernissen unpassierbar. Erst mit neuen Werkzeugen und Kräften lassen sich die neuen Routen im Lauf des Spiels erkunden. Genau so funktioniert auch »Ultros«. Anfangs kann die Protagonistin beispielsweise nicht so weit springen. Dann findet sie einen merkwürdigen Apparat, mit dem sie doppelt so weit kommt. In den Jahrzehnten seit seiner Erfindung haben sich Konventionen entwickelt, wie so ein Metroidvania funktioniert. »Ultros« greift viele davon auf. (...) Jan Bojaryn

Hier ein paar Pixel, dort Farbkleckse. Mehr brauchte der Entwickler Lucas Pope nicht, um Spielerinnen und Spieler mit sich selbst zu konfrontieren. Die Sucht nach Belohnungen, nach schnellen Erfolgen wird ihnen in »Papers Please« zum Verhängnis. Gewinnen? Gibt’s in dem Indie-Spiel nicht. Stattdessen sitzt man in einer muffigen Einwanderungsstube. Der fiktive totalitäre Staat Arstotzka traut seinen Untergebenen nicht, und auch Immigration findet er verdächtig. Deshalb gibt er Spielerinnen und Spielern Anweisungen, wer alles einreisen darf und wer nicht. Menschen abfertigen ist dann schon das ganze Spiel: je mehr, desto besser, und umso mehr Kohle gibt es. Das Geld braucht man, um die eigene Familie durchzubringen. »Papers Please« erzeugt einen eigenartigen Flow, der beim Spielen irgendwo tief drinnen sticht. Es geht um den ermüdenden Balanceakt auf einem schmalen Grat: Nimmt man Schmiergelder an, schießt man auf Grenzverletzer, um dem eigenen Kind endlich die teuren Medikamente kaufen zu können? Eines jener kleinen Rädchen im Getriebe ist man, die noch die schlimmsten Diktaturen am Laufen halten. »Papers Please« besitzt 20 verschiedene Enden und feierte kürzlich sein 10-Jähriges. Ein einzelner Entwickler und minimale Technik hinterlassen mehr als die Großen des Mediums. Denis Gießler

Man nehme ein Pfund »Mad TV«, füge eine Prise »Little Britain« hinzu und drehe das Ganze auf zwölf: »Not for Broadcast« sorgte mit seiner pythonesken Mischung aus beißender Satire und Trash-TV-Sim vor drei Jahren für Aufmerksamkeit. Der dystopische Propagandasimulator wirkt wie eine groteske Fortführung des Indie-Klassikers »Papers Please« (s. u.). Die Entwickler Alex Paterson und Jason Orbaum setzen uns Spielende in den Schaltraum einer nationalen News-Sendung. Der Protagonist Alex Winston ist eigentlich Klempner und landet unfreiwillig hinterm Mischpult. Jetzt ist es an ihm, die Kameras im Blick zu halten, Schimpfwörter zu zensieren und Werbung abzufahren. Dabei muss er die Stromzufuhr in dem maroden Sender ständig im Blick behalten und schließlich kommt noch eine Invasion amoklaufender Kuscheltiere hinzu, die den Kanal übernehmen wollen. Fast schon zu viel Stress, um die irren Szenen auf den Monitoren zu verfolgen und die moralisch richtige Wahl zu treffen, die über die Geschicke in diesem doch sehr deutlich ans Brexit-Britannien angelehnten Staat entscheidet. Die frisch erschienene VR-Version lässt die Spielenden selbst Hand anlegen und integriert die bisher erschienenen Zusatzepisoden – die unter anderem den Lockdown aufgreifen – in die Handlung. Die wird zwischendurch auch immer mal durch Texttafeln vorangetrieben, die in VR etwas ermüden. Aber die nächsten irren Videosequenzen mit selbstverliebten Gästen und herrlich inkompetenten Moderatoren sind nicht weit. Lars Tunçay

Wer dieses Spiel verstehen will, muss zuerst den ersten Teil durchleben: »Turnip Boy commits Tax Evasion« ist die kurze Geschichte eines freundlichen Rübenjungen, der von einer bösen Chefzwiebel dazu genötigt wird, plötzlich auftretende Steuerschulden mit allerlei Kurzarbeit abzugelten. Die Satire über Unterdrückung und Auflehnung sah aus wie ein verpixeltes Ur-Zelda und wurde getragen von witzigen Dialogen. Nach dem Ausbruch aus den Spielregeln des Systems macht Turnip Boy nun gemeinsame Sache mit einer verbrecherischen Gewürzgurke. Und raubt in der Fortsetzung eine Bank aus. Immer wieder. Vielleicht eher nicht den eigenen Kindern schenken – »Turnip Boy robs a Bank« steckt voller Witze über Waffen und Kriminalität. Und es besteht im Prinzip nur aus Bankraub, immer wieder an derselben Adresse, wo ein verwunschener Fahrstuhl immer auf neue, überraschende Etagen fährt. Der Rübenjunge kämpft gegen störende Cops und Securitys, plündert herumlungerndes Gemüse, sammelt Ausrüstung und Geld ein. Das braucht er alles, um beim nächsten Einbruch etwas erfolgreicher zu sein. Zwischen den Runden erholt er sich im Hauptquartier, trainiert und kauft neues Werkzeug. Jeder Bruch dauert nur ein paar Minuten. Und wäre nur milde amüsant, wenn da nicht die Welt wäre: Auch »Turnip Boy robs a Bank« lebt von zahlreichen Nebencharakteren, die alle etwas Witziges zu sagen haben. Das Ergebnis ist schlicht, aber gut. Jan Bojaryn

Es ist das Jahr 2002 und meine DVD ist futsch. Zu oft hatte ich die Gamestar-Scheibe abgespielt, denn ich musste diesen neuen Trailer von »GTA: Vice City« sehen. Unzählige Male liefen diese Szenen: Ein Helikopter schwebt knapp übers türkisfarbene Wasser, ein Hochstart auf dem Motorrad. Neonfarbene Balken fliegen ins Bild, dazu startet der Track »I ran (so far away)« von der New-Wave-Band A Flock of Seagulls. Ich war so was von hin und weg. Noch mehr als »GTA 3« war »Vice City« der Durchbruch. Auf der Playstation 2 war die Technik endlich so weit, dass Rockstar-Games zumindest seinen großen Zeh in die Vision einer glaubwürdigen Stadt tauchen durfte. Spielfigur Tommy Vercetti auswar ein ganz wunderbares Arschloch, ganz anders als der stumme Claude aus dem Vorgänger. Nun gab es »Miami Vice« zum Nachspielen: mit Wasserflugzeugen, Motorrädern und schmierigen Koksern. Und dann war da natürlich noch die Musik. Zwischen neun Radiosendern konnte man sich nicht entscheiden und bei Blondies »Atomic« mit flatterndem Hawaiihemd über den Ocean Drive heizen. Musikgeschmäcker wurden hier geprägt. 21 Jahre später bringt der Trailer von »GTA 6« das Internet zum Explodieren. Mit dem Titelsong von Tom Petty entdecken nun auch 12-Jährige den Künstler. Nun heißt es, auf das Spiel zu warten. Oder mit Pettys Worten: »The waiting is the hardest part«. Denis Gießler

»It’s not a lake, it’s an ocean« – Mit dieser kryptischen Botschaft verabschiedete sich Alan Wake vor 13 Jahren aus der Dunkelheit. Es war klar, dass da noch was kommen musste. Aber dass es am Ende so lange dauern würde, bis er seinen Weg fortsetzt, daran war nicht zu denken. Gut, es gab noch ein weiteres Kapitel per Download und Wakes Geschichte kreuzte sich mit der von »Control«, aber viele hatten die Hoffnung schon aufgegeben, jemals nach Bright Falls zurückzukehren. Was das finnische Studio Remedy nun vorlegt, ist purer Wahnsinn. Die Designer und Storyteller ließen ihre Kreativität von der Leine und schufen einen irren Ritt durch einen endlosen Albtraum. Geschickt verknüpft Teil zwei die Geschichte der FBI-Agentin Saga Anderson mit dem Schicksal des Horror-Autors. Saga ermittelt rund um den Cauldron Lake und wird immer tiefer in die dunkle Welt hineingezogen, aus der Alan Wake zu entkommen versucht. Die Verquickung von Spielsequenzen in High-End-Grafik mit Filmszenen geschieht dabei nahtlos und erinnert an die Full-Motion-Video-Spiele der Neunziger. Schauspieler und Spielfiguren verschmelzen hier aber wirklich miteinander. Die vierte Wand fällt vollends, wenn Spieldesigner Sam Lake (der schon in Remedys »Max Payne« die Hauptrolle mimte) als Sagas Partner Alex Casey auftritt, gesprochen von Max-Stimme James McCaffrey. Nur einer der selbstironischen Kommentare in diesem selbstbewussten finnischen Wahnsinn. Was sich Remedy hier leistet, setzt nicht nur im Mainstream Maßstäbe. Lars Tunçay

Mitten in der Nacht, nach zwei Stunden Regelkunde und viereinhalb Stunden Spielzeit, sinken wir erschöpft, aber glücklich in unsere Stühle zurück – wir haben unsere erste Runde »Nukleum« erfolgreich absolviert. Das Prädikat »Expertenspiel« hat es sich definitiv verdient. Die Hürde vor diesem Brettspiel ist hoch, doch das Thema ist spannend. Es geht nach Sachsen zur Zeit der Industrialisierung – allerdings auf einer alternativen Zeitachse. Die Nutzung von Atomenergie wurde hier früher erfunden, sie versorgt bereits Städte mit Elektrizität. Ein bis vier Spielerinnen und Spieler müssen mit Arbeitskräften und Talern planen und kalkulieren. Spielbrett und Material sind liebevoll gestaltet, allerdings ist die Farbauswahl problematisch für Farbenblinde. Das Thema ist schlüssig eingebunden: Der sächsische König Friedrich August II. erteilt uns Aufträge, die Orte sind realitätsnah gewählt. Leipzig dient als Standort für den Gebäudebau, Joachimsthal hingegen liefert das begehrte Uran. Lediglich der spielinterne Import von Kohle aus dem Rheinland wirft Fragen auf, hatte Sachsen davon doch selbst genug. An einigen Stellen könnte die Anleitung klarer sein, zum Beispiel bei den allgemein gut durchdachten Regelanpassungen für das Spiel mit 1–3 Personen. Alles in allem macht es viel Spaß, Sachsens Fortschritt mitzugestalten. Das Spiel lohnt sich aber vor allem, wenn man Herausforderungen auf dem Spieltisch sucht. Joachim Kern

Also, dieser Kaffee ist wirklich sehr schwarz. Und solche schwimmenden Pixelbrocken gab’s zuletzt auf der Playstation 1 – willkommen in »Twin Peaks: Into the Night«. Darin bauen zwei französische Hobbyentwickler die heimelig-gruselige Welt der TV-Serie nach, die seltsamerweise noch nie als Spiel erschienen ist. Und wie ihr Vorbild ist auch die kostenlose Demoversion auf Anhieb ein Klassiker geworden. »Twin Peaks: Into the Night« ist ein klassisches Demake, also ein neues Spiel für alte Technik. Es pfeift auf knackscharfe Texturen und glatte Kanten, stattdessen ist es stolz auf seine matschigen Grafiken und Treppeneffekte. Es ist die perfekte Symbiose einer diffusen TV-Nostalgie und früher 3-D-Grafik. Derart detailverliebt ist die Demo, sie könnte offizielles Begleitspiel sein, das aus irgendwelchen Gründen aber 30 Jahre zurückgehalten wurde. Als FBI-Agent Dale Cooper reist man in die US-Kleinstadt, besucht das örtliche Krankenhaus, gerät in die Black Lodge und staunt dabei, wie detailverliebt das alles ist. Nicht länger als 30 Minuten braucht man für die Demo, die Teile der ersten Episode nachstellt. Nicht länger als 2 Minuten braucht man, um in diese Welt gesogen zu werden. Zusammen mit dem neuen »Alan Wake 2« bekommen Fans dieses Jahr sehr viel Twin Peaks. Da schmeckt der Kaffee gleich noch viel besser. Denis Gießler