Rezensionen

Tanzen als Akt der Befreiung und Emanzipation? Na klar! Wer das abstreitet, hat wohl noch nicht zu den Specials getanzt. Oder einfach zu einem Lieblingslied. Für »Palomino«, das fünfte Album von First Aid Kit, ist diese Assoziation schon sehr hoch gehängt. Ich möchte die Latte mal etwas weiter runter hängen und sagen: Es ist ein super Pop-Album. Die Refrains sind auf den Punkt genau, die Synthies schmiegen sich ins Ohr und das Schlagzeug geht direkt in die Füße. Im Vergleich zu den vier Vorgängern legen die beiden Schwestern aus Schweden noch einen drauf: mehr Harmonie, mehr Melodie, mehr Drums, mehr Epik. Mit elf Songs scheinen sie sich tatsächlich freizuspielen. So wie Fleetwood Mac sich dereinst voller Inbrunst in die Keyboard-Harmonien legten. So wie Kate Bush mit aller Energie den Berg hinaufrannte. Eine solche Kraft entdecken auch First Aid Kit auf »Palomino«. Vorbei die Zeiten, in denen zarte Folk-Klänge und reduzierte Songstrukturen ihr Wesensmerkmal waren. Stattdessen eine Hommage an die Tanzflächen der Siebziger und Achtziger mit ihrer hymnischen Epik und den unwiderstehlichen Rhythmen. Und damit erfüllt »Palomino« eine sehr legitime Aufgabe: Es bringt diese Musik in die heutige Zeit. Es macht Spaß und reißt einen aus dem Alltag heraus. Es ist ein unwiderstehlicher Time- Warp. Aber es ist kein neues »Ghost Town« oder »Running Up That Hill«. Ob es ein Befreiungsschlag ist, wie First Aid Kit für sich selbst sagen, muss auf der Tanzfläche jeder und jede für sich entscheiden. See you there! Kerstin Petermann

Stella Sommer hat in den vergangenen zehn Jahren eine erstaunliche künstlerische Entwicklung vollzogen. Will man verstehen, was ich meine, sollte man sich zuerst das Debüt »Herz aus Gold« von Sommers Stammband Die Heiterkeit, dann ihr neues Soloalbum »Silence Wore A Silver Coat« anhören. Kaum zu glauben, dass sich hinter beiden Platten dieselbe Songschreiberin und Sängerin verbirgt! Waren Die Heiterkeit anno 2012 für ihren schrammeligen deutschsprachigen Lofi-Pop bekannt (ein Rezensent des Debüts beklagte dereinst gar verstimmte Gitarren!), präsentiert Sommer auf ihrem neuen Album feingliedrig arrangierten, englischsprachigen Dream-Pop mit deutlicher Folk-Schlagseite. Die neuen Songs kommen dabei so fragil und zerbrechlich daher, dass man meint, jeden Moment von irgendwoher ein Klirren vernehmen zu können – aber nichts! Stattdessen Songs wie »A Single Thunder in November« oder »In My Darkness», die derartige Ruhe und Wärme ausstrahlen, dass einem in einem kurzen Anflug naiver Volltrunkenheit nicht einmal mehr die Aussicht auf ausfallende Heizungen in der kommenden Winterperiode Angst zu verschaffen vermag. Einzig die Länge von 24 Songs wirkt ein wenig überambitioniert und erschlagend. Betrachtet man die beiden Platten des Albums jedoch als zwei getrennte Entitäten mit je eigenem Spannungsbogen, hat sich auch der letzte potenzielle Einwand in Luft aufgelöst. Luca Glenzer

Wenige Alben-Cover schaffen es, mit so banalen Motiven so irritierend unangenehme Gefühle hervorzurufen wie das von »Stumpwork«, der zweiten Platte der britischen Post-Punk-Band Dry Cleaning: Nasse Haare auf einem Stück Seife, argh! Die absurd beunruhigende Abbildung von gleichzeitiger Cleanness und Schmutzigkeit. Das Absurde im Banalen zu entdecken, ist ohnehin eine wesentliche Fähigkeit der Band – und die große Stärke von Sängerin und Texterin Florence Shaw: »I thought I saw a young couple clinging to a round baby, but it was a bundle of trash and food«, um mal den titelgebenden Track »Stumpwork« zu zitieren. Wie schon auf dem Debüt-Album »New Long Leg« zeichnet sich Shaws Gesangsstil auch hier vor allem durch das aus, was sie nicht tut: singen etwa. Stattdessen gibt es mit überragender Lakonie vorgetragenen Spoken-Word-Rock über den Irrwitz des Alltags, der eine erstaunliche Intimität erzeugt; als ob Shaw in einsamen Nächten neben einem sitzt, um einem ihre geheimsten Tagebucheinträge ins Ohr zu flüstern. Die post-punkige Krachigkeit der Vorgängerplatte wurde auf »Stumpwork« etwas zurückgefahren, die Soundpalette dafür um Saxofon, Synthesizer und etwas, das vielleicht ein Akkubohrer sein könnte, erweitert. Eingängige Hits sucht man vergebens, aber die texturreichen Arrangements und die eigentümliche Stream-of-Consciousness-Lyrik machen »Stumpwork« definitiv zu einem der interessantesten Gitarren-Musik-Alben des Jahres! Yannic Köhler

»La Rubina« nennt sich ein Leipziger Barock-Quintett (warum wird die Cembalistin auf dem Cover-Foto unterschlagen?), das endlich einmal nicht die Musik des großen JSB zum 127. Mal erforschen will, sondern sich der weniger bekannten Musik des 17. Jahrhunderts widmet. »Leipziger und venezianische Kammermusik«, schreibt der versierte Beiheftautor und gesellt freizügig den Dresdner Kapellmeister Heinrich Schütz zur Musikhistorie der Messestadt. Wirkliche Verbindungen zwischen Leipzig und Venedig gibt es trotzdem massenhaft – etwa infolge der Flucht des designierten Thomaskantors Johann Rosenmüller, der potenziellen Ruhm in Italien reizvoller fand als die Aussicht auf sächsische Kerkerhaft wegen angeblicher Pädophilie. Das Programm unter dem adventlichen Titel »Rorate Coeli« ist sicher kein dramaturgisch bis ins Detail durchdachtes Konzept – es verbindet 19 unterschiedliche Werke zu einem bunten frühbarocken Blumenstrauß. Dennoch fasziniert die Vielschichtigkeit, mit der die fünf Musiker die Werke umsetzen und dabei auch Adaptionen von Vokalmusik geschickt ins Bouquet einflechten. Hagen Kunze

Jazz und JSB – das ist seit Jahrzehnten eine kongeniale Einheit, die schon unzählige Male beim Open Air des Bachfestes gemixt wurde. Nun wagen das Stuttgarter »Michael Spors Trio« und der Grazer Orgelprofessor Ulrich Walther die Symbiose mit drei Bach-Sonaten – jeweils im Original und als jazzige Bearbeitung. Was es dem Speziallabel Organum Classics immerhin wert ist, das Programm auf eine mit 81 Minuten randvoll gefüllte CD zu pressen. Um es vorwegzunehmen: Puristen werden die Haare zu Berge stehen. Denn Walther schert sich einen feuchten Kehricht darum, was Originalklangexperten zur fein ziselierten Stimmführung der Bach’schen Triosonaten in historischer Aufführungspraxis zu sagen haben. Seine Aufnahmen spiegeln die Interpretationsgeschichte des 18., 19. und 20. Jahrhunderts – anhand eines hochbarocken und eines romantischen Instruments sowie einer lieblich schnarrenden Hammond-Orgel. Auf die Idee, damit BWV 529 zu spielen, muss man erst mal kommen. Und so ist es auch kein Wunder, dass in der sehr freien Jazz-Version von BWV 526 erst einmal »Fly me to the moon« zitiert wird. Hagen Kunze

The Weeknd schreibt seit über zehn Jahren im Prinzip immer wieder denselben Songtext, aber den kann er halt auch: »It’s 5 AM, I’m high again, and you can see that I’m in pain / I’ve fallen into emptiness, I want you ’cause we’re both insane«, heißt es in »Gasoline«, zack, da ist er, der Abgrund, schmalzig schmachtend einem verführungswilligen Gegenüber vorgetragen. Das ist kein Frank Ocean, aber lyrisch sehr effektiv, und allerspätestens seit »Blinding Lights« weiß man, dass Abel Tesfaye kein fancy Kritikerliebling sein, sondern die Halbzeitshow des Super Bowl spielen will, was er mittlerweile auch getan hat. »Dawn FM« unterstreicht diesen Anspruch. Man muss neidlos anerkennen, dass es wohl keinen zweiten Act auf diesem kommerziellen Level gibt, der auf dem Weg dorthin seine eigene Musik so gekonnt und stilbewusst weichgespült hat. Bis auf das makellose Falsett erinnert hier wenig an den experimentellen R’n’B von früher, dafür hat er mit Tracks wie »How Do I Make You Love Me« und »Take My Breath« die Formel für epische Dancefloor-Peitscher geknackt, die den Spagat hinbekommen, gleichzeitig nach Schulterpolstern unter weißen Jacketts im Trockeneisnebel und nach dem Hier und Jetzt zu klingen. Dem gegenüber stehen schamlose Ausflüge in die Niederungen des 80er-Jahre-Yuppie-Pops wie »Out Of Time« oder »Less Than Zero«, bei denen man sich nicht sicher ist, wo er damit hinwill, ob das als eine Art ironischer Metakommentar Assoziationen zu American Psycho bewusst hervorrufen soll oder ob es doch mehr darum geht, dass das im Spotify-Shuffle gut flutscht. Gefühlt ist beides wahr, in jedem Fall ist es konsequent gemacht. Das Album erlaubt sich zudem ein paar sympathische Schrulligkeiten wie einen durch fiktive Radioansagen etablierten konzeptuellen Anstrich, das als Song getarnte experimentelle Kurzhörspiel »Every Angel Is Terrifying« und diverse Spoken-Word-Auftritte von Jim Carrey, der ganz zum Schluss im A-b-a-b-Reimschema über persönliches Wachstum und (...) Kay Schier

Tocotronic – die zarteste Versuchung, seit es Revolution gibt. Klassiker des Graffiti wie »Macht kaputt, was euch kaputt macht« sind bei Tocotronic ein mit Dirk von Lowtzows sonorer Stimme gesungenes »Du weißt, ich muss jetzt gehn. Ich kann nur eine Viertelstunde im Schlund überstehen« (»Ich tauche auf«), mit energisch gezupfter Gitarre und flirrendem Bass untermalt. »Nie wieder Krieg« heißt das 13. Studioalbum des Trios. Es ist so politisch, wie der Titel verspricht, gemäß dem Tocotronic’schen Verständnis von Politik, und schließt Zerrissenheit und Liebe ein. So stellen sie die Frage, wie wir leben wollen, und machen dabei klar, wie sie und wie wir nicht leben wollen: mit Diskriminierung, Ausgrenzung oder Hetze … Feine Sahne Fischfilet mögen mehr Schweiß und mehr »F*ck N*z*s«- T-Shirts auf ihren Konzerten haben. Aber die Kraft, die in »Jugend ohne Gott gegen Faschismus« steckt, ist von einer zarten Wucht. Es braucht eine Band wie Tocotronic: die seit 28 Jahren Stellung bezieht, selbstverständlich und ohne je radikal zu wirken. Mehr noch: die zeigt, dass es neben Faschismus auch andere Baustellen gibt. Denn wie kann man von jemandem Mitgefühl und Anstand erwarten, für den noch nicht mal Anti-Faschismus eine Selbstverständlichkeit ist? Diese sanfte Wucht bei Tocotronic ist mehr wert als jede Interpretation der Texte. Das Rätselhafte ist der Reiz. Die Zweideutigkeit der Zauber. Will ich wirklich wissen, dass Dirk von Lowtzow bei einem Satz ein ganz anderes Bild im Kopf hatte? Eins zu eins ist bei Tocotronic schon seit 20 Jahren vorbei und trotzdem sind sie Meister darin, Themen und Gefühle in den lyrischsten Zeilen unzweifelhaft zu vermitteln. Bis hin zur Revolution. Kerstin Petermann

Was der Traum wäre: eine Welt, in der man sich versteht. In der man sich ohne Vorurteile und voller Toleranz begegnet. In der das Du ebenso eine Bedeutung hat wie das Ich. Die britischen Folk-Tüftler von Alt-J versuchen mit ihrem vierten Album »The Dream«, dem ein Stückchen näher zu kommen. Mit fast schon rührender Naivität erzählt das Trio aus Leeds von den unschuldigen Freuden und Träumen eines unbeschwerten Sommers, Urlaubs oder einfach des Alltags. Die Formel der Glückseligkeit lässt sich offenbar in zwölf Songs packen und beinhaltet als Variablen Sonne, Liebe, Eis, Gesundheit (natürlich auch für die Liebsten) und die richtige Melodie im Ohr. Tatsächlich könnte »The Dream« der Beweis sein, dass die Formel aufgeht. Nur allzu gerne möchte man sich von dem wiegenden, leichten Gesang Joe Neumans davontreiben lassen. Vor allem, wenn flirrende Synthesizer und Gitarren die Richtung vorgeben. Was wir haben: Corona, einen Fast-Krieg in der Ukraine, Tausende von frierenden und hungernden Geflüchteten an der polnischen Grenze, Klimawandel. Dieser Clash zwischen Wunsch und Tagesschau ist das Eindrücklichste an »The Dream« und vielleicht die stärkste Aussage des Albums. Eventuell sogar ein Weckruf, sich aus dem eigenen watteweichen Wohlfühl-Kokon zu schälen und sich zu engagieren. Vielleicht – und das hoffe ich – ist es aber auch das Resümee aus mehreren Monaten Welttour mit unzähligen Begegnungen, Bekanntschaften und freundlich-unbekümmerten Eindrücken. Denn während der Tour rund um die Welt sind die ersten Songs und Aufnahmen entstanden. Kerstin Petermann

Chan Marshall aka Cat Power hat schon seit jeher ein Faible für Cover-Versionen. »Covers« ist bereits die dritte Sammlung von Neuinterpretationen nach »The Covers Record« (2000) und »Jukebox« (2008). Erstere überzeugte durch geniale Reduktion. Letztere spielte sich durch ihre enorme musikalische Vielseitigkeit ins Herz der Hörenden. In dieser Hinsicht ist »Covers« näher an »Jukebox«. Diesmal covert Cat Power elf überwiegend etablierte Künstler:innen sowie einen eigenen Song. Lana Del Rey, Iggy Pop und Nick Cave gehören zu den bekannteren. Von weit entfernt vom Original (»Bad Religion«) bis dicht an der Vorlage (»These Days«) ist alles vorhanden. Glücklicherweise gibt es keine größeren Experimente, dafür jederzeit spannende und intensive Variationen. Marshall gelingt durchgängig das, was gutes Covern auszeichnet: den Songs unbekannte Seiten zu entlocken und sich gleichzeitig vor dem Vorhandenen zu verbeugen. Das feste Gerüst der Originale hilft die ansonsten bisweilen uferlose Melancholie Marshalls perfekt zu kanalisieren. Ihre süchtig machende Stimme sowie die versierte Song-Auswahl machen dieses Album zu einem frühen Lichtblick im neuen Jahr. Kay Engelhardt

Der Deep Throat Choir ist ein Vokalensemble aus London, das komplett aus weiblichen und nicht-binären Mitgliedern besteht. Das Kollektiv mit dem augenzwinkernden Namen fand sich auf Initiative von Luisa Gerstein zusammen. Ursprünglich konzentrierten sich die Künstlerinnen auf Cover-Songs im Chorformat. Ansinnen war es, den Originalen neues Leben einzuhauchen. Hilfreich war dabei die Beschränkung auf die reine Kraft von Stimmen und Schlagzeug. Auftritte fanden vor allem zum eigenen Vergnügen und im kleineren Kreis statt. Mit dem zweiten Album begibt sich das Projekt auf eine neue Reise. »In Order To Know You« wartet komplett mit Eigenkompositionen auf. Unterstützt durch zusätzliche Bläser, Streichersätze, Piano-Passagen und Synthie-Sounds wird die Klangwelt behutsam erweitert. Der neue Sound des Deep Throat Choir schwebt genial zwischen Chamber-Pop, Jazz und Indie-Pop. Das erinnert bisweilen an Artverwandte wie Tune-Yards und This Is The Kit. Wie gehabt wird die geballte Energie und Grazie des weiblichen Gesangs zelebriert. Die neuen Stücke sind luftig, erhebend und verspielt. Und ein extrem kurzweiliges Beispiel für zeitgenössische Chormusik. Kay Engelhardt

Schauspielmusik zu »Peer Gynt« ist nicht gerade eine Neuentdeckung. Im Gegenteil: »In der Halle des Bergkönigs« und »Morgenstimmung« gehören zu den meistgespielten Klassik-Werken – Letzteres auch dank massiver Verwendung in der Werbung. Doch wer die Interpretation der Norwegerin Ragnhild Hemsing hört, die mit den Trondheim Soloists den Klassiker neu aufgenommen hat, der erfährt diese Komposition mit neuen Ohren. Weil Hemsing die Tatsache, dass sich Grieg von skandinavischer Volksmusik inspirieren ließ, ernst nimmt und nicht nur zur gewöhnlichen Geige, sondern auch noch zur Hardanger-Fiedel greift. Die oft gehörten ersten vier Töne der »Morgenstimmung« erklären sich so plötzlich von allein – sie entsprechen den leeren Resonanzsaiten der Fiedel. So wird die Bühnenhandlung endlich einmal verständlich: Aus dem Unterbewusstsein schleichen sich die vertrauten Klänge aus Peer Gynts Heimat in sein Ohr und wecken die Lebensgeister des nach einem Schiffsunglück fast schon toten jungen Mannes aufs Neue. Perfekt: So funktioniert wirkliches Crossover, mehr davon! Hagen Kunze

Endlich: Für dieses sieben Tracks fassende Album hat sich die Band des in Leipzig ansässigen Maximilian Breu Zeit genommen. Dessen Schlagzeug ist der Gruppe Bauleitung und Gerüst, ständig weiterentwickelnd auf- und abbauend. Pausen, in denen man sich vergessen kann, werden zu gefährlichen Gewässern für die unentbehrlichen virtuosen Komplizinnen Breus: Olga Reznichenko an Klavier und Keyboard, Andreas Lang am Kontrabass und Andreas Dombert an der Gitarre. Die Dynamik in jedem Stück wird zur Herausforderung – im Guten. Konzentration ist eine Kunst. Ständig wird aufgebrochen, was sich eben erst zusammenfügte. Aufhorchen. Ereignismusik. Arrangements, in denen passiert und passiert und wieder passiert. Das sind Strecken, die zurückgelegt werden müssen. Vielseitige Strecken, die post-rockend an Stilen vorbeispielen, diese passieren, verschmelzen, wieder auseinandernehmen. Immer mal krautig, wuchernd kommen die Nummern daher. An anderer Stelle sprechen sie eine überaus klare Formsprache. Dass auf Sprache beziehungsweise Gesang verzichtet werden muss: ein bisschen schade. Das Album ist vorerst nur digital verfügbar, doch dabei soll es nicht bleiben und auch sonst hat der Namensgeber gute Absichten. Für dessen Aktivitäten gibt es reichlich Vorsätze zum Jahresstart. Das Wesen des Albums macht es vor: Hängenzubleiben ist nur ein Angebot, sich wieder loszureißen. Elias Schulz

»I think I got a crutch on you« – so einfach und wundervoll macht Ben Bridwell den Crush zu einer Krücke. Offen bleibt, ob sie eine Belastung ist oder eine Stütze. Das ist nur eines der zauberhaften Wortspiele auf dem sechsten Album von Band of Horses, »Things Are Great«. Ganz selbstverständlich jonglieren die Texte wieder mit Widersprüchlichkeiten: Da ist die dritte Single »Lights«. Sie erzählt von Einbruch, Polizei und Scheinwerfern. Für Letztere steht der Titel ebenso wie für das sanfte Licht der Freundschaft und Heimeligkeit, die in dem Song anklingt. Das Bemerkenswerte an dem Quintett aus Seattle ist die Nähe zwischen Songs und Songschreiber Ben Bridwell. Die Szenen, die sich wie ein Puzzle zu einem Songtext zusammensetzen, stammen aus seinem Leben und tragen seinen sympathisch-skurrilen Humor. Die zehn Songs sind in den vergangenen fünf Jahren entstanden und man merkt, dass nach dieser längeren Zeit die Spielfreude die Snares und den Bass noch einmal ordentlich getrieben hat. Sie klingen so rockig wie eine junge Band, die von Band of Horses inspiriert ist. Vielleicht ist es die neu entdeckte Spielfreude, vielleicht der Frühling oder einfach auch der Drive, den die beiden Neuen Matt Gentling und Ian MacDougall in die Band bringen … Sei’s drum: »Things Are Great« ist great und genau das Richtige, um dem Frühling entgegenzutanzen. Und wenn jemand fragt: Das Glas ist halbvoll und die Krücke eine Stütze. Kerstin Petermann

Hinter Beach House verbergen sich Victoria Legrand und Alex Scally, die seit 2005 unter diesem Namen veröffentlichen. »Once Twice Melody« ist bereits das achte Album des Duos aus Baltimore. Schon der letzte Longplayer »7« stand ganz im Zeichen der Neuausrichtung und Weiterentwicklung ihres Sounds. Die große Qualität von Beach House besteht darin, sich sehr geschmeidig und organisch zu transformieren. Auf jeder neuen Platte klingen sie schwer nach Beach House und dennoch geringfügig anders. Damit bleiben ihnen auch Fans der frühen Jahre treu. »Once Twice Melody« ist das erste vollständig in Eigenregie produzierte Album. Zudem enthält es erstmals live eingespielte Streicher- Passagen. Im Laufe der Jahre wurde der Sound des Duos immer opulenter, breitwandiger und melodieverliebter. Artverwandte wie Stereolab, Future Islands und Burning Hearts scheinen durch die eine oder andere Schicht des neuen Albums hindurch. Auch hierauf flirten Beach House noch gelegentlich mit der Melancholie. Im Großen und Ganzen ist es aber ihr mit Abstand unbeschwertestes Werk, was wir hiermit ausdrücklich gutheißen. Kay Engelhardt

Ab wann wird eine Linie zum Kreis und hört auf, eine Linie zu sein, nur weil sie sich biegt? Ab wann wird ein Sandkorn zum Haufen, wann ein Push zum Flow, ein Gestoßenwerden zum Antrieb? Kae Tempest wirft auf dem fünften Studioalbum »The line is a curve« das »T« des Vornamens endgültig über Bord und verhandelt fließende Übergänge, die Widersprüche aufheben. Einer der offensichtlichsten Widersprüche oder Gegensätze ist der von Mann und Frau. Schon das Sachbuch »On Connection« von 2020 ist eine intime Auseinandersetzung mit der eigenen Person. Es fällt zusammen mit der öffentlichen Bekundung, nicht mehr »sie«, Kate, zu sein, sondern »they«, Kae. Ganz logisch knüpfen die Lyrics des aktuellen Albums an diese Verweigerung von Binarität an. Im geliebten Cockney-Englisch reflektiert Kae Tempest über Ungleichheiten in der Gesellschaft: über Privilegien versus Diskriminierung, über Druck versus Freiheit. So persönlich der Ausgangspunkt des Albums ist, so sehr mündet er doch in Gemeinsamkeit und Kommunikation. Auch für dieses Album sucht sich Kae gezielt Menschen zur Kooperation: Fontaines DC-Sänger Grian Chatten, Lianne La Havas oder einfach ausgesucht sympathische Menschen, wie junge Fans oder die Dichterin Bridget Minamore. Diese Gemeinsamkeit ist nur konsequent. Sie macht das Album bunter, sie zeigt, was die Lyrics sagen: Ich kann euch alleine etwas über Ungleichheit erzählen, klar, aber wenn ich etwas verändern möchte, brauch ich auch euch dazu. Müssen wir viele sein. Kerstin Petermann

Beim Hören des neuen Albums »Extreme« der Schwedin Molly Nilsson möchte man rausgehen, losrennen, laut mitsingen. Allerdings sollte man sich nicht auf dem wuchtigen, treibenden 80s-Synthiesound davontragen lassen, ohne auf die Texte zu achten. Denn das zehnte Album der Wahlberlinerin ist ein sehr persönliches Manifest zum Umsturz bestehender Machtstrukturen. Geschickt verpackt sie feministische Botschaften in ihre Texte, wie in »Earth girls«, wo sie sich an die heranwachsende Generation von Frauen mit den Worten wendet: »You ask yourself ›Is it in my head?‹ You turn that finger on the world instead. Women shame themselves. But don’t blame yourselves. ’Cause Women have no place in this world.« Ähnlich ermutigende Botschaften finden sich in »Fearless like a child«. »Intermezzo«, ein schnelles, treibendes, rein instrumentales Lied unterteilt das Album. Auf der zweiten Hälfte geht es weiter mit kapitalismuskritischen Klängen, »fresh young face, king of a lovely place, silicone life, wash your face«, heißt es in »Sweet smell of success«. Nicht nur textlich, auch musikalisch ist »Extreme« dichter und direkter als frühere Alben. Nilsson bleibt ihrer Ästhetik durchaus treu: Es gibt weiterhin den von ihr orchestrierten Plastiksound mit dominantem Keyboard, den man kennt und liebt. Der Synthesizer kommt teils so amplifiziert zum Einsatz, dass die Musik im Synthieschauer verschwimmt. Doch auch schroffe Metal-Riffs finden verstärkt Eingang in die Musik. Der Name ist Programm: Mehr von allem, klarer, stärker – Extreme eben. Sarah Nägele

»Stabat Mater« und Italien – das ist eine kongeniale Kombination. Die eindringliche mittelalterliche Dichtung, die die Schmerzen der Gottesmutter angesichts des Todes ihres Sohnes beschreibt, wurde von Giovanni Battista Pergolesi 1736 derart beispielhaft in Töne gefasst, dass Bach nicht umhinkam, das Stück abzuschreiben und als deutsche Kantate aufzuführen. Kaum weniger expressiv als dieser Meilenstein der Musikgeschichte ist das 25 Jahre ältere »Stabat Mater« aus der Feder von Antonio Vivaldi. Mit der für Barock hervorragend geeigneten Capella Cracoviensis legt der polnische Altus Jakub Józef Orliński hier eine meisterliche Interpretation vor, die als CD-Produktion dennoch eine Unverschämtheit ist. Denn die Scheibe, die im Normalpreisbereich angesiedelt ist, hat lediglich eine Spieldauer von gut 18 Minuten. Kein ergänzendes Werk findet sich auf dem Silberling, stattdessen liefert Orliński ein entbehrliches Musikvideo mit ihm in der Hauptrolle. Mein Tipp: Die hörenswerte Einspielung auf dem Streamingdienst des Vertrauens anhören, die CD aber im Fachgeschäft liegen lassen. Hagen Kunze

Beim Konzert zum Gedenken der Opfer des 11. Septembers erkannte die New York Times 2001 in Kurt Masurs Dirigat »den ungebrochenen Glauben an die Signalwirkung der Musik und ihre Heilkraft«. Dieser Satz ist kennzeichnend für den im Jahr 2015 verstorbenen Dirigenten. Denn stets setzte Masur seine Popularität auch politisch ein – nicht zuletzt, als er am Leipziger Schicksalstag des 9. Oktober 1989 deeskalierend wirkte. Dass Warner den Dirigenten nun mit einer Neu-Edition seiner Einspielungen der Plattenlabels EMI und Teldec ehrt, ist keinesfalls nur eine Marketing-Idee. Die 70-teilige Sammlung umfasst 35 Jahre und zeichnet ein Bild von Masurs facettenreichem Wirken in Leipzig, New York und London. Schwerpunkt der Aufnahmen mit dem Gewandhausorchester ist das große Repertoire: Tschaikowski ließ Masur wunderbar dunkel spielen, während sein Liszt Sinn für überbordende Leidenschaft erkennen lässt. Mendelssohn wiederum ist ein Heimspiel: Ob der »Sommernachtstraum« oder das Violinkonzert mit Maxim Vengerov – beides sind Referenzaufnahmen, die in keinem CD-Schrank fehlen dürfen. Hagen Kunze

Etwas mehr als neun Monate sind vergangen seit seinem ersten Album. Eine neue EP von Carlo Karacho stiftet nun zu Bewegung an und macht mit sechs Tracks und ohne jedweden Drill eingerostete Gelenke wieder locker für den Frühling. Sympathisch stumpfer Reim trifft auf Stimmung, die geringstenfalls wohlwollend nicken lässt. Die mal vom Gameboy, mal dubby übermittelten Signale im Klangbild widersprechen sich nicht. Und mindestens ein Reggae-Verweis sollte auf keinem souveränen NDW-Release fehlen – so weit also alles regelkonform. Eine gesunde Portion Atemgeräusche in der Aufnahme von Vocals steht bekanntlich für Echtheit. Die nicht immer klare Sprache handelt von klassischen und dabei immer aktuell bleibenden Themen wie Urin, Regen, Oberflächlichkeiten, Enttäuschung und Kommunikationshürden. Das klingt alles erst mal potenziell bemitleidenswert oder herausfordernd. Zum Glück wird sich dabei nicht zu ernst genommen: »Eine Qualle ist eben auch nur eine Spinne im Wasser.« Darin steckt der zarte, aber umso erfreulichere Schritt nach vorn im Songwriting. Es wird weniger dick aufgetragen. Konsequent maschinelle Beats tragen kompromisslos durch fast 17 schnelle Minuten. Es bleibt unbedingt zu empfehlen, auf »Repeat« zu drücken. Angenehm unkompliziert brettern die Synthies durch programmierte Träume mit geschultem Blick in Richtung Geschichte. Die Achtziger sind nicht so alt, wie gerne getan wird, und wer erst später zur Welt kam, kann jederzeit noch einsteigen. Elias Schulz

Konstantin Gropper, der Kopf hinter Get Well Soon, hat während der Pandemie mit Schrecken festgestellt, dass er Optimist ist. Und das hört man seinem neuen Album »Amen« an. In der Ouvertüre wird gleich klar, was Gropper vom Versinken in Melancholie und Selbstmitleid neuerdings hält: nämlich nichts. Genervt scheint er vor allem von sich selbst zu sein. In gewohnter Manier singt er sein Klagelied und wird prompt von einem mehrstimmigen Chor abgemahnt: »Stop your whining, you are alright.« Nur konsequent, dass der Song von einer Computerstimme mit: »This is an intervention« angekündigt wird – gegen den Weltschmerz in einer zunehmend düsteren Welt. Im Gegensatz zu früheren Alben fallen Tempo, Rhythmik und Energie der Lieder auf. Mit feuerwerksartig explodierenden Momenten reihen sich wuchtige Indie-Elegien zu einem abwechslungsreichen Kunstwerk aneinander. Mit »I Love Humans« liefert Gropper eine ambivalente Liebeserklärung an die Menschheit mit all ihren Verfehlungen. »One For Your Workout« handelt vom gesellschaftlichen Selbstoptimierungszwang, der schnell in Selbsthass umschlagen kann: »It’s a steep route up to the top shelf / Relax, erring and failing’s fine / just fail your best next time / It’s not good enough / never enough for them.« Auch musikalisch werden neue Pfade zwischen Elektro, Dance und Pop betreten – Arcade Fire trifft Pet Shop Boys und Beatles. Die schnellen 80s-Beats und funky Disco-Ästhetik von »My Home Is My Heart« irritieren nur im ersten Moment. Denn Get Well Soon erfindet sich auf dem neuen Album durch die Überwindung des eigenen Images neu – und es funktioniert. Sarah Nägele