Rezensionen

Click, click, tamm, tamm, rumms. Allein dem Schlagzeug auf der neuesten Veröffentlichung von Human Prey zuzuhören, ist eine Freude. Aber auch Gitarren und Gesang machen am Grab der blinden Toten keine Gefangenen, sondern graben tief und stapeln noch tiefer. Musikalisch sind die Leipziger gereifter. Auch wenn man das bei Songtiteln wie »Blood Sucking Undead Zombie Knight Templar from Hell Slaying Victims at Midnight« kaum glauben mag. Dabei geht die 2010 gegründete Combo den vor ein paar Jahren eingeschlagenen Weg zu etwas mehr Verfrickeltheit weiter. Ihrem satten Brutal-Death mit Grind-Drive sind Nuancen von Technical-Death beigemischt. Melodiöse Gitarrenausbrüche, Aus- und Neueinsetzer etwa im Opener können nicht nur Spuren von Dying Fetus enthalten, sondern erinnern in ihrem Blues-Ton sogar daran. Das soll einfach zeigen: Wir können das auch. Um dann wieder ohne Umwege zu ballern. Andere Songs sind typisch kreisende Nackenbrecher für den nächsten Circlepit. Stets treibt der hochpitchende Kreischgesang die Songs voran, aus denen man trotz aller Brutalität heraushört, wie viel Spaß die fünf Musiker beim Spielen haben. Das steckt an. Und ist der beste Soundtrack für eine Runde um den See; natürlich bei Vollmond. Oder einer Wall of Death im Soltmann zur Releaseparty. Tobias Prüwer

»Heimweh Meisterwerke« heißt das kürzlich vom Hamburger Label Tapete veröffentlichte Debüt des Kölner Quartetts um Sänger Andreas Fischer und Gitarrist und Songschreiber Tobias Emmerich. Und wie bei den offensichtlichen Vorbildern wie The Smiths oder The Go-Betweens janglen auch hier die Gitarren – als hätte Emmerich sein Gitarrendiplom bei Johnny Marr höchstpersönlich erworben. So bestechen die neun Songs durch komplexe, hochmelodische Gitarrenpickings, die einen – einmal gehört – pfeifend durch den Tag spazieren lassen. Und auch Fischers Hang zu elegischen Gesangsmelodien erinnert an das schmidtsche Vorbild aus Manchester – wenngleich man einschränken muss, dass Morrisseys Stimmgewalt bei aller Emphase (natürlich) nicht erreicht wird. So überzeugen die etwas nüchterner, weniger pathetisch vorgetragenen Passagen dann auch mehr als die langgezogenen Lines, die gelegentlich etwas arg bemüht erscheinen – etwa in dem ansonsten sehr schönen »Ein kurzer Weg«: »Es war ein kurzer Weg vom Abgrund in mein Herz.« Andererseits ist der Mut zur Emphase und Hingabe in einer überwiegend zwischen Coolness und Depression Pingpong spielenden Indie-Szene ausdrücklich zu goutieren. Auch deshalb ist dieses Debüt so bemerkenswert. Luca Glenzer

Schlagzeug- und Synthie-Fans Leipzigs, lest weiter, fokussiert euch, die Zeit ist gekommen für den nächsten Road-Trip ins Nirgendwo. Ziel eurer künftigen Reise darf nur der obsessive Konsum des Debütalbums der Supergruppe Lol Tolhurst x Budgie x Jacknife Lee sein. »Los Angeles« ist das Ergebnis der vierjährigen Arbeit der Ex-Drummer von The Cure (Lol Tolhurst) und von Siouxsie & The Banshees (Budgie) sowie des Musikproduzenten Garret »Jacknife« Lee (von Neil Diamond über Bloc Party bis Taylor Swift). Im Album sind so viele Kollaborationen mit brillanten Musikerinnen und Musikern, dass ihre Aufzählung nun obszön wirkt. Zu hören sind in den 13 Songs des 55-minütigen elektronischen Power-Projekts unter anderem die Sänger James Murphy (LCD Soundsystem), Bobby Gillespie (Primal Scream), der Gitarrist Mark Bowen (IDLES) und die Harfenistin Mary Lattimore. Die Produktion des Albums ist so tadellos, dass sich das ganze Ding einfach im Kopf einnistet. Die Songs gehen sanft ineinander über, sind vieltönig, gehen von Post-Punk zu Avantgarde-Hiphop, lassen sich einfach nicht klassifizieren und bilden komplexe Klangatmosphären in der Mischung von multiplen Schlagzeugen, verzerrten Gitarren, Vibrafonen, Synthesizern, Keyboards, Trompeten, Marimbas, Geigen, Bässen … Und die Protagonisten der ganzen Geschichte bleiben doch die guten Drums, die nun für Kohäsion und frenetische Energie sorgen. Genau das, was man braucht, um den Winter tanzend zu erschlagen. Libia Caballero Bastidas

Es knistert, vereinzelt schlieren Töne, deftiges Dröhnen löst das subtile Rauschen ab. Die aufblitzenden Synthesizer-Akzente ziehen die Geräusche an, wie magnetisiert ordnet sich die anfängliche Wirrnis allmählich, die krispelnden Klänge schmiegen sich an den Beat. Nahtlos schließt sich der Track »PST« an die geglaubte Ordnung der Klänge an. Und mit der Kraft des Dub marmorieren die triefenden Klänge und strömen die Melodien in den Song. Gesprochene Worte überlagern sich im Hall und treiben durch die suggerierte Weite der Musik von Cloud Management. Der Song »Halbtransparentes« schwirrt als vereinnahmendes, hypnotisches Repetitiv. Die neueste Veröffentlichung des Hamburger Trios Thomas Korf, Sebastian Kokus (Love-Songs) und Ulf Schütte (u. a. Phantom Horse) deutet es mit dem Titel »V.A.« bereits an: Es ist mehr als ein Album, denn gleichwohl sind die neun Songs auch eine Kompilation mit den Künstlern Emma Mbeki Nzioka, Coco Em, No UFOs und Seekers International. Jene unterstützen Cloud Management dabei, die Sounds in triefende Bässe zu tauchen, mit synergetischen Tönen zu färben oder einfach zu bewegen. Wie auch für das Debüt von 2022 übernahm der Leipziger Fritz Brückner (Modus Pitch) das Mastering. Mit vereinter Kraft pumpen sie alle diesen Sound in die Welt. Das Trio verschmilzt auch mit der aktuellen Platte Trip-Hop und Krautrock, um die Genres zu ganz eigenen Klangflüssen zu synthetisieren. Claudia Helmert

Eine Zeile funnyvandannenesken Ausmaßes hat Julius Forster da im Song »Schwedische Gardinen« geschaffen, will sagen: eine aus dem Alltag nicht mehr wegzukriegende. Praktisch überall, wo man ist, und egal, wohin man sieht: »Kompromisse, Kompromisse, Kompromisse«. Und überhaupt, was für ein erstaunliches Debütalbum die Leipziger Band Hotel Rimini da eingespielt hat! Geige, Cello und Kontrabass streichen durch diesen so zeit- wie kompromisslosen Kammer-Pop, der dennoch den Zeitgeist nicht aus den Augen verliert. Da reden junge Menschen über Serien und aneinander vorbei, da hängen die Peugeot-Räder nicht nur an der Wand, sondern werden bei zwei Tassen Espresso gleich noch durch den Kakao gezogen, dass es eine Freude ist. Gut, es könnte manchmal ein bisschen weniger getragen zugehen, aber der Wille zur Kunst ist ja nun nicht das Schlechteste (in Instrumentalstücken, aber auch textlich, wie »Gespenster«). Zumal es der Platte nicht an Groove mangelt. Und »Arbeit und Struktur« ist eins der besten Gute-Laune-Lieder der letzten, sagen wir mal, sechshundert Jahre: Selbst wenn es einem an Arbeit und Struktur wahrlich nicht mangelt im Leben (ich frage für einen Freund), kann man sich nicht wehren, im Refrain inbrünstig »Gib mir Aaarbeit! Gib mir Arbeit und Struktur!« mitzusingen. Vom Video ganz zu schweigen, das vom Ringcafé-Springbrunnen bis zum Luru-Kino zig hübsche kleine Leipziger Orte versammelt, durch die man von nun an mit dem Gedanken, durch ein Musikvideo zu stolpern, geht. Wenn das mal alles nicht mindestens ins Vorprogramm von Element of Crime führt. Benjamin Heine

Wer ein großes Herz für Musik hat, kennt womöglich dieses Phänomen: Der Moment des ersten Hörens von etwas Besonderem brennt sich in Form von Ort und Zeit ins persönliche Gedächtnis ein. Als der Autor dieses Textes eine ebensolche musikalische Begegnung mit Margo Cilker hatte, saß er halbwegs unspektakulär um die Mittagszeit bei trüb-kaltem Wetter in der Leipziger Innenstadt herum und bekam sehr schnell sehr gute Laune. Cilkers Stimme ist so kraftvoll und wehmütig zugleich, dass sie umgehend Spuren hinterlässt. Der Name ihres 2021er Debüts »Pohorylle« ist zwar schwer auszusprechen. Dafür ist das Album ein wahres Fest für alle, die rootsigen Country schätzen. Und auch für den Nachfolger »Valley Of Heart’s Delight« hat Cilker die Crème de la Crème des Neo-Country um sich geschart. Mit von der Partie sind Studiomusikerinnen und -musiker von Beirut, Band of Horses und den Decemberists. Inhaltlich geht es, wie es sich für dieses Genre gehört, um die Themen Entwurzelung, Heimweh und Familie mit all ihren Vorzügen und Nachteilen. Cilker kann alles von sehnsüchtiger Ballade (»With The Middle«) bis hin zu lässigem New-Orleans-Sound (»Keep It On A Burner«). Zusammen mit Charley Crockett ist sie fraglos die Neuentdeckung der zeitgenössischen Country-Musik. Kay Engelhardt

Adam Granduciel, der Mastermind hinter The War On Drugs, liebte es schon immer breitwandig und opulent. Auf seinem Debüt 2008 klang das noch sehr verspielt, psychedelisch und schwer nach The Velvet Underground. Im Lauf der Jahre wurde sein Werk immer zugänglicher, was auch ein größeres Publikum anzog. Seinen Bob-Dylan-inspirierten Gesang hat der Künstler aus Philadelphia stetig perfektioniert, was ihn zu einem grandiosen Erzähler macht. Auch Bruce Springsteen und Tom Petty sind seit jeher wichtige Fixsterne am The-War-On-Drugs-Himmel. Auf dem neuen Album klingt es, als hätte Granduciel beide direkt ins Studio einfliegen lassen. An jeder Ecke dieses Albums lauert die Classic-Rock-Keule. Die jazzigen Elemente der letzten Werke wurden rausgeschmissen und durch offensichtliches Rocken ersetzt. »I Don’t Live Here Anymore« ist das Album der ganz großen Gesten. Dieser Eindruck wird noch durch die äußerst glatte Produktion verstärkt. Mit seinem fünften Album flirtet Granduciel extrem mit dem Mainstream, was den Songs einen beträchtlichen Teil der ursprünglichen Magie raubt. Classic-Rock-Fans werden frohlocken. Anhängerinnen der ersten Stunde wird dieses Album allerdings verschrecken, auch wenn sich zweifellos eine Handvoll toller Songs darauf findet. Kay Engelhardt

Manche Überraschungen erleben wir doch nur zu gern, aktuell durch Brannten Schnüre, die musikalische Zusammenarbeit von Christian Schoppik und Katie Rich. Die Gruppe veröffentlicht einen Großteil ihrer Diskografie erneut. Die zwischen 2015 und 2021 auf verschiedenen Labels erschienenen Alben verharren bis dahin noch in ihren Nischen, wo sie nicht so schnell gefunden werden wollen. Deren hartnäckige Vergriffenheit soll nun kuriert werden. »Erinnerungen an Gesichter«, als Selbstveröffentlichung über Quirlschlängle, das hauseigene Leipziger Label von Brannten Schnüre, spielt bei diesem erneuten Versuch, sich zu erinnern, wohl die wichtigste Rolle. Ihr Handwerk: Unschuldige Verse lugen hier mal hervor hinter Oberflächen aus Ambient und sitzen da mal einem Fundament aus Neo- und Dark-Folk auf, wobei die Grenze zwischen synthetischen und akustischen Klängen nicht mehr gebraucht wird. Brannten Schnüre vollziehen eine eigene Schwerfälligkeit, dieses Behäbige ist nichts für die Eiligen. Mögliches Pathos der Texte wird durch Stimme und Attitüde der Lesenden verwischt: Gebetsartig führen sie durch ohnehin Chorales, Sakrales der Instrumentale. Sich überschlagend erzählen sie innerhalb der mitunter feierlich-getragenen Tonkunst. Im Kontrast zum Hintergrund versucht das Gesprochene nicht noch obendrein zu beeindrucken. Immer wieder stellt sich die Frage, wer hier eigentlich wen begleitet. Geborgenheiten, naive Hoffnungen und Kindlichkeiten gehen Hand in Hand mit wilder Schwermut. Der im Neofolk fast schon obligatorische Hang zu kontroverser Symbolik wird gekonnt ignoriert. Einziger Malus: Live wird man die zwei wohl so schnell nicht mehr erleben dürfen. Sie sollten ohnehin als warmes Andenken nur zu gut taugen. Elias Schulz

Azniv Korkejian aka Bedouine hat die Lockdown-Monate sinnvoll verbracht. Die Isolationszeit nutzte die Künstlerin, um liegen gebliebene Songs der letzten Jahre auszusortieren und die besten Stücke fertigzustellen. Laut eigener Aussage fühlte sich die Arbeit an wie »ein Frühjahrsputz«. Korkejian fügt hinzu: »Ich wollte die unvollendeten Songs nicht einfach wegwerfen, aber auch nicht immer wieder zu ihnen zurückkehren.« Die Flucht nach vorn bestand also im Aufnehmen und Herausbringen der Filetstücke. Und das erstmals ohne die Hilfe eines Labels, also komplett in Eigenregie. »Waysides« entstand in Bedouines neuem Proberaum in Los Angeles und beinhaltet neun eigene Kompositionen und ein grandioses Fleetwood-Mac-Cover namens »Songbird«. Stilistisch gibt es zum Glück keine großen Veränderungen im Vergleich zum letzten regulären Album. Bedouine frönt immer noch dem Folk der Sixties mit modernen Mitteln. Im Zentrum steht wieder ihre wunderbar-sehnsüchtige Stimme. Diese wird delikat in Szene gesetzt durch die gemeinsame Produktion mit ihrem langjährigen Mitstreiter Gus Seyffert. Rückzug, Kontemplation und Neuanfänge sind wichtige Themen auf »Waysides«. Somit ist dieses Album eine höchst willkommene Wärmflasche für die kalte Zeit des Jahres. Kay Engelhardt

Disclaimer: Der Autor hatte 1992 für ein Leipziger Regionalradio vor dem ausverkauften Kool-Konzert im »Easy Auensee« (wie es damals hieß) aufgelegt; er war jung und suchte den Ruhm im Windschatten der Gang, die Jahre später in der dann spärlich besetzten Bühne im Clara-Zetkin-Park noch mal die gleichen Klassiker abspulte. Viele Jahre später: gleich zwei Todesfälle. Ein Jahr nach Ronald Bell starb Dennis Thomas diesen Sommer – das Gründungsmitglied sollte den Release der zehn neuen Songs nicht mehr miterleben. Und die sind auf beachtlichem Level: kein müdes, langweilendes Alterswerk, keine Früher-war-alles-besser-Attitüde, sondern Groove pur: »… it’s a celebration«. Klar, Discofunk ist in die Jahre gekommen, retro ist das von Abba bis Zappa (also von Track eins bis zehn) – aber immerhin bei sich selbst abgeschaut und nicht geklaut wie so vieles andere eingangs der dreißiger Jahre. Achtmal synkopierter Funk für den postpandemischen Samstags-Dancefloor (z. B. »Weekend«, »Good time«), eingefasst von umweltfreundlicher Gospelbotschaft im Opener, der Single »Pursuit of happiness«, die als Rapversion mit Keith Murray das Uptempo-Album schon nach einer guten halben Stunde klammert. Kool und seine Rumpfmannschaft können noch Good-Time-Party-Music der Marke »Ladies night« – auch wenn die ignoranten MP3-Anklicker auf den Ü-30/Ü-40-Partys wohl weiter nur die größten Hits der Achtziger abnudeln werden. Torsten Fuchs

Es ist ruhig geworden um Nigel Kennedy, den Punk unter den klassischen Geigern. Jahrelang hat der Brite als »Enfant terrible« die Szene geprägt und mit rasanten Aufnahmen mehr als nur Staub gewischt in den Regalen der vermeintlich »ernsten Musik«. Nun hat der einst gefeierte Geigenvirtuose seine Lieblingsaufnahmen, die er in seiner über mehrere Dekaden reichenden Diskografie eingespielt hat, auf drei CDs zusammengestellt. Die in diesem Monat erscheinende Sammlung ist so bunt und vielseitig wie das Konzertleben von Nigel Kennedy. Aufnahmen mit großen Orchestern wie den Berliner Philharmonikern über Jazz-Formationen bis hin zum Duo mit Kontrabass finden sich darin. Nicht fehlen darf natürlich auch ein Ausschnitt der berühmten Einspielung von Antonio Vivaldis »Vier Jahreszeiten« – in gewohnter Crossover-Manier neben Jazzimprovisationen gestellt. Auch wenn die Absicht der Kompilation offensichtlich ist (sie soll die aktuelle Tour des einstigen Geigen-Punks bewerben), so ist die Box »Uncensored« doch auch eine gute Gelegenheit, die eine oder andere Lücke im CD-Regal zu schließen. Hagen Kunze

Klassikfans kennen das Phänomen: Da erlebt man ein außergewöhnliches Konzert, freut sich über die Tatsache, dass ein Mitschnitt auf CD gebrannt wurde – und wenn man den Silberling in den Player schiebt, erinnert nichts mehr an die Sternstunde. David Timm hingegen ist mit diesem Verdi- Requiem wohl das Gegenteil geglückt. Live war diese 2018er Aufführung in der Thomaskirche gehobener Durchschnitt, nicht alles passte … Auf der Konserve ist die Aufnahme jedoch eine Überraschung. Sicher: Im Solistenquartett ist immer noch nicht alles Gold, was glänzt. Doch der Rest beeindruckt: Das fängt schon beim präzisen Klangbild an und setzt sich bei der Auswahl an Instrumenten der Entstehungszeit (im Beiheft informativ erläutert!) fort. Kongenial passend zum dezenteren Klang präsentieren sich die silbrig-jungen, aber dennoch kraftvollen Stimmen des Universitätschores. Gerade im Pianissimo ist das ein ums andere Mal atemberaubend – und David Timm tut gut daran, sein gesamtes Konzept diesem Klang anzupassen. So fügt sich Verdis Requiem hier mit flotten 78 Minuten Länge endlich auch mal auf eine einzige CD. Hagen Kunze

Charley Crockett ist ein Phänomen. Lange Zeit lebte der gebürtige Texaner von der Hand in den Mund und am Rande der Legalität. Unter anderem verdingte er sich als Gras-Dealer, was ihm zwei Verurteilungen einbrachte. Die Liebe zur Musik und sein offensichtliches Talent bildeten den idealen Ausweg aus einem halbwegs sumpfigen Leben. Medial pflegt Crockett das Image des leicht mysteriösen Cowboys und nimmermüden Herumtreibers. Wir glauben ihm bereitwillig einen großen Teil davon. Seine unglaubliche Stimme trifft jedenfalls umgehend ins Herz. Gesanglich bewegt er sich galant zwischen Sam Cooke und Johnny Cash. Erfreulicherweise kann er es mit beiden aufnehmen. Crockett baut ohne Anstrengung geniale Brücken zwischen Country, Soul und Blues. Sein zehntes Album »Music City USA« setzt nahtlos am letztjährigen Meisterwerk »Welcome To Hard Times« an. Diesmal mit starkem Fokus auf dem Country der frühen Siebziger. Das Album vereint großartige Balladen und echte Honky-Tonk-Stomper und verspricht zahlreiche erfüllte Kaminstunden. Zur Einstimmung hat der Maestro offenbar ausgiebig Merle Haggard und Tom T. Hall gehört, was wir ihm definitiv nicht verübeln. Kay Engelhardt

Trümmer wollten mal eine neue Jugendbewegung starten. Damals, vor sieben Jahren, als sie ihr selbstbetiteltes Debüt herausbrachten. Nun sind sie gar nicht mehr so ganz jung, sondern stehen sozusagen im Leben, in dem sie wahlweise Theatermusik machen, ein Label betreiben oder als Arzt arbeiten. Und vor allem sind in den letzten Jahren einige bemerkenswerte Bewegungen entstanden, die die Verhältnisse anprangern: Von MeToo über Black Lives Matter bis zu den Fridays for Future. Was machen Trümmer also nun? Musik, ist klar. Denn es ist ja nichts gut oder so. »Ich schau mich um und seh eine Welt / In der nichts stimmt und mir nichts gefällt / Und ich denk: Es ist alles zu spät«, singt Paul Pötsch ganz zu Anfang des Albums »Früher war gestern«: Er wäre gerne Optimist. Denn der Grundgedanke der Hamburger Band, der schon im Namen durchschimmert, bleibt: Wenn alles erst mal kaputt ist, kann man nicht nur auf den Gräbern tanzen, sondern auch was Neues beginnen. Und so ist es ein recht fröhliches Album geworden – so fröhlich man halt klingen kann, wenn die großen Vorbilder The Strokes sind. Über den Indierock-Gitarren Pötschs Stimme, die sich einfach so nett anhört, dass die Wut am Ende doch keine Chance hat. Dafür die Liebe – denn um die gehts natürlich, wie es sich bei einem Rock-Album gehört, auch. Juliane Streich

Es war ein ambitioniertes Projekt, das die Heidelberger Sinfoniker unter Thomas Fey noch vor der Jahrtausendwende begannen. Alle Sinfonien von Joseph Haydn wollte die Truppe einspielen. Zwar gab es schon andere Dirigenten, die diese Mammut-Aufgabe – immerhin hat der Wiener mehr als hundert Sinfonien komponiert – in Angriff genommen hatten. Aber nach wenigen CDs war klar, dass hier Erstaunliches passiert: Selten klang Haydn so frisch, den sprichwörtlichen Zopf hatten ihm die Musiker von vornherein abgeschnitten. Umso tragischer, dass sich Fey nach einem Unfall aus dem Musikleben zurückzog und das Projekt lange unvollendet blieb. Bis im vergangenen Jahr das aus freien Musikern zusammengesetzte Orchester mit Johannes Klumpp einen neuen Chef fand, der die Gesamtaufnahme nun fortführt. Der Anfang macht schon einmal neugierig. Sicher: Ganz so fulminant wie früher donnert Haydn nun nicht mehr über die Bühne und auch die Streicher klingen weniger ruppig-rau. Dennoch scheint hier ein kongenialer Nachfolger gefunden zu sein, der das langjährige Projekt mit großer Ausdauer zu Ende führt. Hagen Kunze

Es war heiß im Juli 1950, als in Leipzig wieder einmal Musikgeschichte geschrieben wurde: In der kühlen Thomaskirche spielte Dmitri Schostakowitsch ein Konzert direkt vor Bachs Grab. Zuvor hatte seine Landsfrau Tatjana Nikolajewa den Bachwettbewerb gewonnen, ihre Interpretation des »Wohltemperierten Klaviers« ließ den Komponisten nicht mehr los: Kaum nach Russland zurückgekehrt, komponierte Schostakowitsch als Verbeugung vor Bach nun selbst »24 Präludien und Fugen« nach dem gleichen Masterplan. So etwas kann man nur am Stück aufnehmen. Und nachdem er 2020 mit Beethovens kompletten Klaviersonaten auf sich aufmerksam machte, ist Igor Levit der Pianist per excellence für solch ein Vorhaben. Mit der CD-Box »On DSCH« aber liefert er nicht nur Schostakowitschs Bach-Reverenz, sondern gleichsam als Spiegel auch die 1960 entstandene »Passacaglia on DSCH« des Schotten Ronald Stevenson. Faszinierend, wie der Pianist damit einen gewaltigen Bogen zwischen zwei Künstlern des Kalten Krieges spannt, die musikalisch ein ähnliches Idiom sprechen. Ohne Frage eine Nominierung für die »CD des Jahres«! Hagen Kunze

Die wunderschöne Revolution geht ein Jahr später weiter, denn Common gehen die Themen nicht aus: andere Finanzkreisläufe, sauberes Wasser, gesundes Essen, mehr Musikerinnen wie Lauryn Hill und keine Studienkreditbelastungen – es ist eine beispielhafte Aufzählung aus »Imagine«, einem Signature-Track dieser Albumfort- setzung, die inhaltlich in der Tradition der gleichnamigen Lennon-Ono-Klavierhymne steht und irgendwie auch 2021er-Wiedervorlage der »Yes we can«-Hoffnung ist, die sich noch längst nicht erfüllt hat. Common zeichnet ein fast schon paradiesisch-utopisches Bild von einem Morgen, das voller Wunder ist. Er hat jetzt eine Vizepräsidentin, (viel zu) lange hat es gedauert, was er durch historische Motown-Anleihen in »Get it right« bebildert. Common will Brücken schlagen und schlägt selbst welche, zum Beispiel vom Hiphop zum Blues in »Poetry«. Ihm gelingt es, ein Rap-Album zu machen, das musikalisch in ausgefranste Bereiche dessen mäandert, was bis vor Kurzem noch mit Black-Music treffend beschrieben war und scheißsturmfrei so genannt werden konnte. Vermutlich werden Kritiker Commons zweitem Revolutionsabschnitt andichten, er sei weiterer Soundtrack zu Black Lives Matter, zur Pandemie etc.; Zuschreibungen, die nicht völlig falsch sind. Unterm Strich ist es aber ein in der Tradition von Gil Scot-Heron und James Brown stehendes positives Street-Gospel-Manifest, in dem der fast 50-Jährige der Invasion dieser ganzen Mumble-Soundclouder und Trap-Besatzer mit edlen Rittern wie Black Thought und Raphael Saadiq gehörig Substanz entgegenhält. Und Common bleibt dabei (und sich treu). Er kommt in friedlicher Absicht. Torsten Fuchs

Wenn gegen Ende von »Billo Boss Bitch« nach dem dritten oder vierten Break innerhalb von zwei Minuten die Loriot-Reverenz fällt, ist das so krass deplatziert, dass man das einfach feiern muss. Haken schlagen, thematisch wie musikalisch, kann Yetundey auf jeden Fall ziemlich gut. In besagtem Track besingt und berappt sie zu Trapdrums und Synthies die Jagd nach dem günstigsten Toastbroat im Penny: Charttaugliche Sounds, charttaugliche Texte, die ihre eigene Charttauglichkeit ums Verrecken nicht wirklich ernst nehmen können, dominieren hier wie auf dem Rest von »Black Friday«. In diesem Modus vergreift sie sich auf »Alles für Elise« am ollen Ludwig Van und seinem ewigen Gassenhauer, um daraus eine Hymne auf die zynische Influencerin von nebenan zu stricken, dreht auf »Sieh mich jetzt an« Raptextklischees ins Gegenteil (»früher AMG, jetzt fahr ich S-Bahn / und ich hör die Leute alle lästern / denn ich sitz ohne Louis in der S-Bahn«) und macht in ihrer unerschrockenen Schamlosigkeit weder vor exzessivem Autotune-Einsatz noch vor der Verwurstung der Prinzen halt (»Alles nur gekauft«). Würde Yetundey zwischendurch zum Saxofon greifen und ein zehnminütiges Free-Jazz-Solo zur Melodie von »Blau blüht der Enzian« improvisieren, man würde sich nicht vollends wundern. Das tut sie hier leider nicht, dafür liefert sie eine EP ab, die in ihren besten Momenten nach unberechenbarem Pop klingt, wie ihn in den USA etwa Doja Cat macht. Und was nicht ist, kann ja noch werden. Kay Schier

Zugegeben: Eine Überraschung ist es auf den ersten Blick nicht gerade, wenn Daniil Trifonow nun mit seinem neuesten Album einen Ausflug in Bachs musikalisches Lebenswerk unternimmt – auch wenn der russische Ausnahmepianist sonst eher ein Experte für Romantik ist. Aber: An Bach kommen sie eben allesamt nicht vorbei, die Tastenvirtuosen der Vergangenheit und Gegenwart. Im Zentrum steht die »Kunst der Fuge«, ein Zyklus, der bis heute Rätsel aufgibt. Denn die dem Stück zugrunde liegende Polyphonie war für Bach ein zentrales Mittel, um seine Umwelt zu deuten – während seine Kollegen schon auf viel moderneren Pfaden wandelten. Doch eben nicht nur der Thomaskantor selbst, sondern auch dessen Nachkommen sind auf der Scheibe verewigt: Jeder der komponierenden Söhne fand seinen individuellen Stil, das von Bach zusammengestellte »Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach« vereint die Familie zu einem wundervoll klingenden Kompendium. Das Ergebnis kann man gar nicht hoch genug loben: Faszinierende Präzision und stilistische Vielfalt kennzeichnen dieses Album vom ersten bis zum letzten Track. Hagen Kunze

Manche Jubiläen werden im Alltagstrubel regelrecht vergessen. Vor 100 Jahren, am 16. Dezember 1921, starb Camille Saint-Saëns. Vielen fällt bei seinem Namen der »Karneval der Tiere« ein, doch der Franzose steht für mehr als nur für diesen Hit. Über 600 Werke hat der Klavier- und Orgelvirtuose komponiert – Kammermusik, Solowerke, Konzerte, Oratorien, Opern. Erstaunlich jedoch, dass nur wenige von ihnen derzeit in Konzerten zu hören sind. Und von Raritäten, die neu entdeckt werden, darf man nicht einmal träumen … Umso besser, dass Warner Classics aktuell eine »Camille Saint-Saëns Edition« auf den Markt gebracht hat: einen Querschnitt aus dem umfangreichen OEuvre des Komponisten. Zwar ist es keine Gesamtaufnahme und einige Lücken (Weihnachtsoratorium!) überraschen sogar. Doch die Box mit sage und schreibe 34 CDs enthält Tonaufnahmen aus einer Zeitspanne von mehr als einem Jahrhundert. Die frühesten gehen auf das Jahr 1904 zurück und präsentieren den Pianisten Saint-Saëns: ein Stück Zeitgeschichte und zudem ein Geschenk mit größtmöglichem Wow-Effekt für Klassik-Liebhaber. Hagen Kunze