Rezensionen

»My working Mindset for this Album was: Your favourite Indie Rock Album is not as cool as any Dinosaur«, gab Nate Amos von Water from your Eyes dem Guardian zu Protokoll. Schon hier kann man erahnen, worum es der New Yorker Band geht: ums große Ganze. Man sollte zwar nicht gerade intergalaktisch-existenzialistische Meditationen über den Menschen und seine Stellung im Kosmos erwarten, aber ein Punkt sollte klar werden: Der Mensch ist ein kurzweiliger Gast auf Mutter Erde. Wer sich davon eingeschüchtert fühlt, sollte sich ins Gedächtnis rufen: It’s a beautiful Place. Das mittlerweile – man muss sich festhalten – achte Album seit 2016 ist bis zum Bersten vollgepackt mit Ideen, Stilen, Stimmungen und Sounds, die genau dem Rechnung tragen wollen. Die Gruppe um Nate Amos und Rachel Brown ist seit jeher keiner spezifischen Schule zuzurechnen, waren die bisherigen Alben doch meist weniger ein kohärentes Ganzes als ein überforderndes Experimentierfeld. Zwischen kitschigem Pathos, augenzwinkernder Ironie und mal mehr, mal weniger um Verständnis buhlenden Zeilen ist die Band absolut in der Jetztzeit zu verorten. Unverhohlen zum Tanz zwingende Pastiche-Songs wie »Playing Classics« (in Anspielung an Charlie XCX) oder der von Gitarre beherrschte »Life Song« mit Moshpit-Potenzial stecken das Feld in etwa ab. Folkige, bittersüße Nummern wie »Blood on the Dollar« reichen sich die Klinke mit lauten My-bloody-Valentine-Reminiszenzen wie »Born 2«. Und so schafft es die Band trotz mangelnder Festlegung, nie ins Beliebige, Willkürliche abzudriften. Philipp Mantze

Beton ist als allgegenwärtiger Baustoff unserer Zeit in Sachen Effizienz und Stabilität zwar ungeschlagen, trotzdem haftet ihm ein eher ambivalentes Image an: kalt, grau und trist, von steriler Funktionalität und ohne menschliche Wärme. Gleichzeitig verströmt Beton aber auch Urbanität und steht für eine gewisse Bodenständigkeit und rohe Ehrlichkeit. »Beton ist ein schweres Thema«, sang Peter Licht folgerichtig in seinem gleichnamigen Song von 2021. Naheliegend also, dass Alexander Pehlemann dieses Stück zum Opener der Compilation »Beton-Pop – Variations on Concrete« gewählt hat, die im Rahmen des Chemnitzer Kulturhauptstadt-Programms vom Label Edition Iron Curtain Radio zusammengestellt worden ist: eine Sammlung von Songs, die einen thematischen Bezug zu Beton haben, neu arrangiert als Coverversionen, Remixe, Edits oder Dub-Interpretationen. So hören wir den anfangs erwähnten Track von Peter Licht hier in einer Dub-Version des Hamburger Produzenten und DJs Viktor Marek, die mit ihrer reduzierten Schroffheit die betonschen Qualitäten des Songs hervorhebt. Als weitere Schmankerl finden sich etwa eine treibende, aber doch eher kühle Neu-Interpretation des Trettmann-Hits »Grauer Beton« sowie eine beinahe brutalistisch anmutende Cover-Version des The-Slits-Songs »Newtown«, den die sonst eher für ihren dreamy Indie-Pop bekannte Chemnitzer Gruppe Power Plush beisteuert. Das Stück »Zurück zum Beton« der Punk-Ur-Gesteine S.Y.P.H. ist elektronisch verfremdet sogar gleich zweimal vertreten. Obwohl das Ursprungsmaterial genre- und epochenmäßig weit gefächert ist, gelingt der Compilation eine angemessene ästhetische Geschlossenheit, die dem popmusikalischen Nischen-Thema Beton ein würdiges Denkmal setzt. Yannic Köhler

Dev Hynes lebt und arbeitet zwar in New York und ist weit über die USA hinaus bekannt, aufgewachsen ist er aber im britischen Essex. Auf seinem fünften Studioalbum reflektiert er seine Kindheit und den Verlust seiner Mutter in 14 Pop-Hörspielen, die stets überraschen. Ein wundervoll intimes Album, das zwischen amerikanischem R’n’B und britischer Melancholie changiert und im Synthpop der Achtziger badet, Saxofonsolo und Stevie-Wonder-Harmonica inklusive. Seit er im Big Apple Fuß gefasst hat, ist Dev Hynes, der früher in der Hardcore-Punk-Band Test Icicles spielte, ein gefragter Produzent. Zwischen Pop (Kylie Minogue, Britney Spears) und Avantgarde (Philipp Glass, FKA Twigs) wollen alle mit ihm arbeiten. Seine Soloalben, von denen er zwei als Lightspeed Champion herausbrachte, bevor er den Namen Blood Orange annahm, lassen sich ebenso wenig in eine Schublade stecken wie seine musikalischen Interessen. So ist auch »Essex Honey« ein Kaleidoskop aus Erinnerungen, versehen mit Samples und plötzlichen Cello-Einlagen und zahlreichen Gästen, die sich nie in den Vordergrund spielen, sondern vielmehr in den Sound fügen. Zu hören sind dabei auf der stimmlichen Ebene etwa Caroline Polachek und Lorde, Brendan Yates (Turnstile), der sudanesische Dichter Mustafa the Poet und Schriftstellerin Zadie Smith. Herausgekommen ist ein enorm spannendes Album, das sich immer wieder entzieht, im nächsten Moment aber berührt und umarmt. Lars Tunçay

Nach über zehn Jahren als Band und drei EPs haben Maruja endlich ihr Debütalbum veröffentlicht: »Pain to Power«. Mit ausschließlich neuem Material stellt sich die Frage: Wurde der Maruja-Sound perfektioniert? Verändert wurde er auf jeden Fall: Thematisch kreist das Album um die Demaskierung des vermeintlichen Technofeudalismus unserer Gegenwart. In diesem Sinne schreit Sänger Harry Wilkinson: »When it’s Money over Mind / there will never be a Truce«. Die vierköpfige Band aus Manchester ist bekannt für ihre progressive Jazz-Punk-Hard-Rock-Fusion mit Saxofon und hochenergetischen Live-Auftritten. Auf der Platte kommt eine neue Zutat hinzu: Noise-Rap. Außerdem treiben Maruja ihren Hang zum Jammen auf die Spitze, wodurch sie einen spirituellen Exorzismus der Zuhörerinnen und Zuhörer vollziehen. Acht Songs in 50 Minuten: Ja, sie sind lang, einige dauern zehn Minuten. Die Spannweite reicht vom viszeralen Industrial-Rap-Punk in »Bloodsport« und »Look down on Us« bis zu tranceartigen Soundteppichen wie in »Soairse« oder »Born to die«. Doch so charakteristisch das Saxofon für Maruja ist, manchmal wünscht man sich, jemand würde ein Tuch in die Öffnung stopfen: Seine lieblichen Melodien wiederholen sich über mehrere Stücke hinweg, wodurch der Mittelteil austauschbar wirkt. Trotzdem hält der Kontrast aus nachdenklichem Jammen und aggressiver Energie – getragen vom rasenden Schlagzeug – die Spannung hoch. Nur die PR könnte Feinschliff vertragen: Bitte gebt dem Sänger ein T-Shirt – das ist eine Band und kein Action-Blockbuster! Libia Caballero Bastidas

Baxter Dury, nebenbei erwähnt der Sohn von Ian Dury, hat auf seinen bisher acht Alben das Image des wortgewandten Außenseiters, Dandys und Lebenskünstlers gekonnt etabliert und gepflegt. In seinen pointierten und bitterbösen Texten beschäftigt er sich ausgiebig mit den zahlreichen Schattenseiten des Kapitalismus – inklusive dessen Auswirkungen auf seine Akteure, die von simpler Charakterschwäche bis zu ausgewachsenen Persönlichkeitsstörungen reichen. Auch Freud und Leid von mehr oder minder toxischen Beziehungen kommt nie zu kurz in seinen Songs. Musikalisch untermalt er seinen prägnanten Sprechgesang mit einer zurückgelehnten Mischung aus Indie-Pop, Easy Listening und Chamber-Pop, die ihren Groove aus dem Hip-Hop speist. Das verflixte neunte Album hat er nun mit dem Produzenten Paul Epworth eingespielt, der für seine Zusammenarbeit mit Charts-Größen wie Adele oder Florence + The Machine bekannt ist. Epworth hat aber auch beispielsweise das geniale Debüt »A certain Trigger« von Maxïmo Park produziert. Leider ist das Ergebnis dieser Kollaboration mit Baxter Dury wenig berauschend. Dury wirkt seltsam verloren inmitten kalter, brachialer Mainstream-Disco-Beats. Sein eigentlich einnehmender Spoken-Word-Gesang spielt auf seltsame Weise die Nebenrolle im eigenen Film. Wir vermissen sehnlichst die galante Subtilität und das Organische der bisherigen Alben. »Allbarone« fehlt offensichtlich etwa die Vielseitigkeit des Meisterwerks »Prince of Tears«. Umso merkwürdiger erscheint dieses Album, da Dury 2018 gemeinsam mit Étienne de Crécy und Delilah Holliday mit »B.E.D.« bereits eine geniale moderne Disco-Platte vorgelegt hat. Kay Engelhardt

Wenn man auf Deutsch singt, hat man mit dem Verstehen zu kämpfen. Entweder ist man dann überschlau und verkopft. Oder man gibt sich dem gepflegt-kindischen Dadaismus hin. Und wenn das nicht passt, hilft noch die Resignation und man setzt komplett auf die Musik und lässt die Texte Texte sein. Ganz so einfach ist es natürlich nicht, aber Florian Sievers aka Das Paradies schafft es auf dem dritten Album »Überall, wo Menschen sind«, alle drei Aspekte gut zu verbinden. Seine Texte sind klug, aber nie belehrend, wieder durchzogen von Sprachspielen, die manchmal verspielt, manchmal albern wirken, aber immer eine zweite Ebene andeuten. In »An einem Kirschbaum in einem Sommer« etwa klingt das wie ein innerer Monolog auf der Terrasse, irgendwo zwischen Träumerei und Lebensbeobachtung. Und musikalisch ist dieses Album allemal mitreißend-poppig. Dabei bewegt sich Das Paradies diesmal deutlich näher an klassischem Indie-Pop – weniger Elektronik, mehr Bandfeeling. Gitarren, Bass, Schlagzeug, sparsam eingesetzte Streicher und eine warme Orgel ergeben einen weichen, leicht nostalgischen Sound, der an die Hamburger Schule denken lässt. »Bei den Regendrops« zeigt, wie mitreißend das klingen kann: verspielt, poppig, aber nie beliebig. Man hört: Hier geht es nicht um Pose, sondern um Inhalte, die sich immer um Menschen drehen – und es geht um einen sehr eigenen Ton. Die Herausforderung, diesen auch in deutscher Sprache zu finden, hat Florian Sievers damit klar gemeistert. Kerstin Petermann

Erste Akkorde des Pianos senden Signale aus, ihnen folgt ein Schweif von leuch- tenden Synthesizerklängen. Gleichwohl rappelt sich der Rhythmus auf, um mit »KH I (getragen)« in die neue gemeinsame Veröffentlichung von Elias Stemeseder (Klavier, Spinett, Synthesizer) und Christian Lillinger (Schlagzeug, Perkussion, Synthesizer, Electronics) zu starten. Obgleich Lillingers Spiel – wenn man ihn live erlebt – einer Maschine gleichkommt, entlockt er dem Schlagzeug auch bedachte, zarte und an die Melodie angeschmiegte Klänge und lässt kaum Repetitive aufkommen. Währenddessen flirren, funkeln und sausen die Tonfolgen des Klaviers hinreißend. Besonders sind jedoch die Synthesizer, die wunderbar glühen, raunen, zucken, funkeln und leuchten. So türmen die beiden Musiker mit dem Stück »EL (betraechtlich)« geräuschvolle Impulse auf, die mal an fast vergessene PC-Sounds vergangener Jahre erinnern und mal eine außerweltliche Weite suggerieren. Die auf Platte gebannte Improvisation »Penumbra II« der Musiker fasziniert durchgehend, ist unglaublich kurzweilig und gibt eine herrliche Energie frei. Zudem entziehen sich Stemeseder und Lillinger mit jener Veröffentlichung den Streamingdiensten – insbesondere jenem, der immer wieder damit auf sich aufmerksam macht, Künstlerinnen und Künstler unangemessen zu entlohnen sowie mit KI-generierter Musik zu wirtschaften. Daher kann »Penumbra II« nur über Lillingers Label Plaist Music und dessen Bandcampseite bezogen werden. Claudia Helmert

Das Quartett aus Texas schafft auf seinem zweiten Album »Magic of the Sale« 14 wundervolle Soundminiaturen, verspielt, verträumt, umarmend. Über verschiedene Bandprojekte fanden die vier Ende der Zehner in der Band Crisman zusammen und bildeten Teethe, um neue Dinge zu probieren. Gleichberechtigt schreiben sie alle Stücke gemeinsam und teilen sich auch den Gesang. Das Debüt, 2020 im Eigenvertrieb veröffentlicht, war ein roher, ungeschliffener Diamant und erhielt viel Aufmerksamkeit und Anerkennung von anderen Künstlerinnen und Künstlern. Das schwierige zweite Album ist anders als der Vorgänger, ruhiger, elegischer, wärmer und doch eine logische Fortführung. Teethe bewegen sich im Schmelztiegel von Bands wie Low, Beach House oder den Red House Painters, mäandernd und Schlieren ziehend zwischen Slowcore, Americana und Lo-Fi-Pop. Eingängig, aber nicht unterkomplex. Einfach, aber nicht simpel. Der perfekte Soundtrack zu einem Sommer der Unzufriedenheit. Inhaltlich sind die Texte ein Kommentar zum existenziellen Kampf, dem wir uns als Menschen täglich stellen, insbesondere in diesen unruhigen Zeiten. Dabei kommen weniger die Wut und Verzweiflung zum Ausdruck als vielmehr die Hoffnung auf bessere Zeiten. Teethe nehmen uns in den Arm und mit in Richtung Ausweg. Lars Tunçay

»A cappella is dead« hörte man seit dem traurigen Niedergang der legendären Backstreet Boys ob ihrer einst herzerwärmenden Live-Einlagen durch die Straßen raunen. 2020 durfte die Welt beziehungsweise ein mikroskopischer Ausschnitt davon dann nach Björks famosem Zwischenspiel »Medulla« einen weiteren unerwarteten Wiederbeatmungsversuch des Genres bezeugen. Er hörte auf den Namen »Fountain«, kam in Gestalt von Lyra Pramuks Debütalbum daher und fand seine Signatur in umherschwirrenden und bedarfsgerecht aufgeschichteten Stimmfragmenten. Auch auf dem Nachfolger »Hymnal« setzt Pramuk ihre Stimme als zentrales Instrument ein, während auf Lyrics wiederum quasi gänzlich verzichtet wird; Form schlägt bedeutsamkeitsfixierten Authentizitismus. Im Kernstück »Oracle« werden so zum Beispiel zur Unkenntlichkeit verzerrte Laute auf Repeat und voll in den Dienst seiner auratischen Qualitäten gesetzt. Das folgende »Babel« erinnert in seiner humanoid röhrenden Bassatmosphäre an Fever Ray, bevor es im chamberesken »Meridian« plötzlich aufklart und Pramuk die einzig wirklich verständlichen Worte des Albums in die allgemeine Bläser- und Streichergemengelage haucht: »Licking the sun / Licking the soil«. Nur um diese Sonne in »Gravity« prompt wieder in ein schwarzes Nichts zu versenken und fast schon Endzeitstimmung heraufzubeschwören. »Hymnal« lässt gekonnt verschiedene Soundsensibilitäten ineinanderfließen und präsentiert sich als beeindruckende Fortführung der hoffentlich noch um einige Kapitel zu erweiternden Diskografie Pramuks. Peter Zeipert

Über die Aufnahmen zu diesem Werk gab Powell zu Protokoll: »Es hat sich angefühlt wie im Ferienlager. Wir haben alle zusammen im Studio geschlafen. Und immer, wenn uns die Arbeit genervt hat, sind wir im Fluss baden gegangen und haben dann irgendwann am Album weitergearbeitet.« Diese offenkundige Entspannung ist der Platte anzuhören. »Making Room For The Light« ist der zweite Longplayer der Künstlerin, die in der San Francisco Bay Area lebt. Neu war, dass die Songs diesmal in echter Bandarbeit entstanden. Das Einspielen des vielversprechenden Debüts hingegen ähnelte eher dem Zusammenfügen von Puzzle-Teilen. Jenes entstand während der Covid-Pandemie und die Schlagzeug-Spuren etwa trudelten per E-Mail im Studio ein. Diesmal dienten als Inspiration unter anderem Bob Dylans »Nashville Skyline« und »Watch What Happens« von Chris Montez. Passend dazu gelingt Powell in den elf Songs ein galanter Spagat zwischen Folk, Country und Easy Listening. Stimmlich und auch musikalisch bewegt sich Powell in ähnlichen Gefilden wie Katy J. Pearson, Alice Phoebe Lou und Kacey Johansing. Wer ein Herz für diese Musikerinnen hat, sollte sich das Album nicht entgehen lassen. Kay Engelhardt

Ja, wir wissen es alle: Der Name ist weird, und man kann ihn sich nicht einfach merken. Aber die Musik macht so viel Spaß, dass es keinen Ausweg gibt, außer sich dieses Pseudonym einzuprägen und in Dauerschleife zu sagen: Nourished by Time hat ein neues Album rausgebracht! (und das bitte mal zehn). Nach der Perle seines Debüts von 2023, das Produzent und Singer/Songwriter Marcus Brown einen Deal mit XL Recordings bescherte, warteten R&B-Enthusiastinnen und Enthusiasten gespannt auf Album Nummer zwei. Mit »The Passionate Ones« führt Brown seinen Stil fort: Vintage-Texturen zwischen späten Achtzigern und frühen Neunzigern (SWVs »It’s All About Time« lässt grüßen), gespickt mit New Wave, R&B, Elektrofunk, Dreampop und House im DIY-Mantel. Die Platte startet mit melancholischen, souligen Balladen und steigert sich zu tanzbaren Momenten, getragen von Baltimore-Club-Beats und Browns beiläufiger Rap-Delivery. Der Kontrast zwischen hochgepitchten Vocals und Browns dunklem, heißem Bariton – mal à la D’Angelo, aber auch mal à la Prince – erzeugt soulige Wärme und sommerliche Euphorie. So erzählt er zugänglich von der Schattenseite des »American Dream«: von belastenden Bürojobs (»925«) und Existenzangst (»Max Potential«) – mit Liebe und Leidenschaft als Rettungsanker. Ein Album, das nicht überrascht, aber zwischen Melancholie, Euphorie und Dancefloor der Arbeiterklasse treu bleibt. Libia Caballero Bastidas

Die schönsten Geschichten schreibt das Leben selbst. Zum Beispiel diese: Eine Schülerband namens Saitenweise gründet sich Anfang der 2000er im schwäbischen Sigmaringen. Der Bandname legt ebenso wie die Musik nahe, dass Begriffe wie »Tocotronic« oder »Blumfeld« mutmaßlich keine Fremdwörter für das junge Quartett sind. Doch bevor es zu einer ersten Veröffentlichung kommt, verlieren sich die Spuren der Band im Sand. Es folgen Studium, Jobs, Karriere. Nun, gut zwanzig Jahre später, ist die Band unter neuem Namen (Hallo Volte) und mit ihrer Debüt-EP zurück. Und was soll man sagen: »Anderswo« ist seit, sagen wir: Kettcars »Ich vs. Wir« das stärkste Comeback im Bereich des deutschsprachigen Indie-Pop. Nicht nur deshalb, weil die Band in den fünf Songs mindestens fünfzig tolle Melodien eingearbeitet hat (Kettcar haben in 25 Jahren bekanntlich keine einzige zustande gebracht); sondern auch – und für Epigonen der Hamburger Schule nicht ganz unwichtig –, weil Sänger Jörn Dege (der nebenbei bemerkt Geschäftsführer des Literaturinstituts Leipzig ist und einst die Edit mit herausgab) Texte für die Ewigkeit, wenn nicht sogar für den Moment schreibt. Kaum zu glauben, aber wahr: Dank Songs wie »Deko für den Flur« oder »Ein Versuch« fängt man an zu vergessen, dass man Kante je vermisst hat. Luca Glenzer

Zwischen warmem Dreampop und aufgeladenem Indie-Rock formt das Chemnitzer Quartett Power Plush mit seinem neuen Album »Love Language« einen Sound, der direkt ins Herz geht – und einen dabei fast dazu bringt, selbst mal wieder Liebesbriefe zu schreiben. Power Plush, das sind Drummer Nino sowie die Sängerinnen Anja, Maria und Svenja, die mit drei völlig unterschiedlichen Gesangsstimmen jedem Song des Albums eine neue Farbe verleihen. Ob Retro-Vibes in »Blue«, moderne Dreampop-Balladen wie »Date Me Once« oder »U Deserve Better« oder für Power-Plush-Verhältnisse ungewohnt rockige Indietracks wie »Crush« und »Better Luck Next Time«: »Love Language« schmiegt sich in die knallbunte, glitzernde Welt von Power Plush ein und überzeugt mit ausladenden wie unaufdringlichen Melodien und vielschichtigen Gitarren. Lyrisch verarbeitet die Band ein ganzes Feuerwerk an emotionalen Ausbrüchen und innersten Gefühlen. Im Kern: die Liebe, in all ihren Facetten und Ausschweifungen; laut oder leise, verzweifelt oder glücklich, anbahnend oder beständig, herzerwärmend oder missglückt. Als Grande Finale der titelgebende Song »Love Language«: ein gebührender, energiegeladener Abschlusstrack, bei dem sich Anja, Maria und Svenja mit ihren Gesangsparts harmonisch abwechseln. Nächsten Monat touren Power Plush mit ihrem neuen Album »Love Language« durch Deutschland und Österreich, vom Auftakt in Dresden am 2.10. bis zum Heimspiel in Chemnitz am 24.10. Celina Riedl

Die Trommel wirbelt und treibt den stolpernden Bass voran. Es folgen die Bewusstseinsströme von Jorinde Minna Markert, deren Assoziationen nur so sprudeln und Hörerinnen und Hörer allzu leicht mitreißen. Mit ihren Texten baut sie Kulissen, Kostüme, Dialoge und Stimmungen, formt so ganze Szenen, um die titelgebende »Real Authentic Berlin Street Love« zu beleben. Der Vergleich kommt nicht von ungefähr, denn Markert arbeitete als Schauspielerin, schreibt nun fürs Theater und ist frische Absolventin des Deutschen Literaturinstituts in Leipzig. Die Stücke erzählen beispielsweise davon, wie es ist, eine Liebesbeziehung neu auszuloten: »Du so Negation, du Postpostrevolution / Du so Kaffee aus Gerste und Milch ungeschäumt / Du so ungesüßt, du so ungeträumt / Ich so: Hab dich so gern! / Du so: Du hast mich nicht / Haben hat nur der Konzern«. Die verbalen Eindrücke sausen in einer bemerkenswerten Geschwindigkeit vorbei, passen ganz gut zur Schnelllebigkeit unserer Zeit. So grenzt sich die Wirkung der Spoken-Word-Kunst deutlich von namhaften Personen aus dem Genre ab, wie etwa Kae Tempest oder Mira Mann, die sich mehr darauf besinnen, ihre Worte atmen, wachsen und viel gediegener wirken zu lassen. Zu den Texten hieven Hypochondrische Ängste mittels Gitarre, Vibrafon, Bass und Drums zumeist hektische, bisweilen auch ruhig flirrende Klanggefilde ihren Hörerinnen und Hörern über – und das beeindruckt durchgehend. Claudia Helmert

Die Geschichte begann vor rund zwanzig Jahren. Der irische Singer-Songwriter Glen Hansard, Frontmann der auf der Insel enorm populären Band The Frames, und die junge tschechische Pianistin Markéta Irglová sind seit vielen Jahren befreundet. Auf musikalischer Ebene treffen sie sich mit dem Projekt The Swell Season. Als Hansards Freund, Regisseur John Carney, die beiden Hauptdarsteller für seinen Film »Once« sucht, eine Liebesgeschichte zwischen zwei Musikern, übernimmt der Sänger kurzerhand den männlichen Part und empfiehlt Irglová für den weiblichen. Der Rest ist eine Erfolgsgeschichte, wie sie die Tabloids lieben. Sie erhalten den Oscar für »Falling Slowly« und verlieben sich ineinander. Der nachfolgende Ruhm, die gemeinsame Tour und die Trennung behandelt der Dokumentarfilm »The Swell Season« und nach dem Break-up-Album »Strict Joy« ist 2009 erst mal Schluss. Hansard und Irglová beginnen erfolgreiche Solokarrieren, finden neue Partner und ein neues Zuhause. 14 Jahre später ist die Zeit nun reif für ein neues Album. Die neun Stücke von »Forward« zeigen beide in songschreiberischer Bestform und ergeben ein harmonisches Ganzes, trotz ihrer unterschiedlichen Ausdrucksformen. Hansards kraftvolle Folksongs strahlen ebenso wie Irglovás gefühlvolle Balladen und zu großen Pop-Songs finden beide Stile wunderbar zusammen. Lars Tunçay

KI als Bedrohung für die Kulturszene? Maurice Summen und Tom Hessler scheinen unbesorgt zu sein. Zumindest könnte man das denken, wenn man das Debütalbum der beiden Musiker hört, das dieser Tage unter dem superben Alias Superspace veröffentlicht wurde. Denn so düster das Gros der gegenwärtig diskutierten Zukunftsszenarien erscheint, so zuversichtlich und unbekümmert groovet das selbstbetitelte Werk des Duos, das sich musikalisch irgendwo zwischen House, Dub, Minimal Techno und Ambient bewegt. Entstanden ist es an der Schnittstelle von Mensch und Maschine, im Zusammenspiel von Vintage-Equipment und KI-Anwendungen. Damit werfen Summen und Hessler bewusst Fragen nach Urheberschaft und der Einzigartigkeit künstlerischen Ausdrucks auf. Doch auch fernab philosophisch-ethischer Fragestellungen bieten Stücke wie »Superspace Heaven«, »Superspace Feeling« oder »Superspace Business« feinste Electronica-Tunes, die wahlweise an Gruppen wie Nightmares on Wax, Air, Thievery Corporation oder Massive Attack erinnern. Das ist zwar musikalisch nicht durchgehend begeisternd, doch stellt das Album im Wechselspiel mit der thematischen Meta-Ebene eine längst überfällige künstlerische Intervention dar. Wer also über die wahlweise utopischen oder dystopischen Potenziale der KI im Kontext künstlerischer Arbeit nachdenkt, hört dabei zukünftig am besten Superspace. Luca Glenzer

Mit »Bright Nights« veröffentlicht das britisch-australische Quartett nach ganzen elf Jahren Pause leicht unerwartet ein neues Werk. Immerhin klang die Auflösung im Jahr 2016 nach drei Alben und ausgiebigem Touren recht endgültig. Die Veröffentlichung kommt aber eben nur leicht überraschend, da die Mitglieder von Anfang an freundschaftlich eng miteinander verbandelt waren. Das rückblickend temporäre Ende erfolgte nicht aufgrund eines Zerwürfnisses, sondern war viel eher das Resultat der zum damaligen Zeitpunkt unterschiedlichen Lebenspläne. In der Zwischenzeit widmeten sich Sängerin Morris und Bassist Botting jeweils ihren Solo-Projekten. Das vorliegende Allo-Darlin’-Album schließt quasi nahtlos an ihr letztes vor der Pause an. Die Band klingt so vertraut, als ob sie nie weg gewesen wäre. Musikalisch gibt es die bewährte Mischung aus Country, Folk und Twee-Pop. Album Nummer vier ist ein Spiegel der letzten Jahre, in denen sich die Mitglieder insbesondere während der Corona-Pandemie regelmäßig via Zoom trafen. Die Texte der zehn Songs behandeln mit Liebe, Geburt und Tod klassische Erwachsenen-Themen. Botting steuert erstmals auf einem Album von Allo Darlin’ einen Song mit seinem Leadgesang bei. Morris singt so wunderbar nahbar und samtig wie eh und je und versüßt uns damit den Sommer. Alles in allem ist »Bright Nights« ein gleichermaßen reflektiertes wie frisches Album, das die Band in ihrer Kontinuität bestätigt. Kay Engelhardt

Wenn etwas Selbstverständliches wie Milch dir Gänsehaut macht, dann wird’s gruselig. In »Clockwork Orange« schafft Gang-Leader Alex das unter anderem mit dem immer wieder süffisant verlangten »Moloko«, dem gar nicht so harmlosen milchhaltigen Cocktail, und einem zynischen Blick. »I know what You like« singt Izzy B. Phillips in »Dead« und diese unschuldige Textzeile kriecht genauso direkt unter die Haut wie der »Moloko«. Der leichte Gesang täuscht nicht darüber hinweg, wie die Zeile weitergeht: »Just press on the Knife« und dann noch weiter: »You can’t kill me now / Cause I’m already dead«. Die einfache Gitarren-Melodie verdichtet sich zu einem drohenden Gewitter. Und das Schlagzeug stampft unbeirrt im monotonen Rhythmus weiter, während Izzy von existenziellen Krisen und schreienden Stimmen im Kopf singt. Das ist also die zweite Single von »Soak«, dem vierten Studioalbum des britischen Indie-Vierers Black Honey. Die zwölf Songs des Albums atmen Stanley Kubricks Geist: Da ist keine brachiale Gewalt, sondern kriechende, leise Spannung. »Insulin« zum Beispiel beschreibt fast poetisch den Tod durch eine Überdosis Insulin. Und wieder der leichte, aber auch süffisante Gesang, begleitet vom reduzierten, sich langsam aufbauenden Schlagzeug. Es ist aber nicht nur die Stimmung, die an Stanley Kubrick denken lässt, sondern auch die Ästhetik der Videos bis hin zum Albumcover: Immer wieder taucht vor allem eines auf: die durch Klammern weit aufgerissenen Augen. In »Clockwork Orange« ist das die zentrale Szene, in der Alex psychologisch umprogrammiert werden soll. Bei Black Honey ist es der Trigger eines schleichenden, unguten Gefühls. Es erinnert uns daran, dass etwas nicht stimmt und dass sich ein Unheil zusammenbraut. Vielleicht in der Welt, in der Gesellschaft oder in der Natur … »Soak« ist der Appell, nicht wegzuschauen und es zu ignorieren, sondern vorbereitet zu sein. Kerstin Petermann

»Lotus« steht für Reinheit, Wiedergeburt, Reinigung. Klingt nach Zen – ist es vielleicht auch. Aber eben auch zornig. Die Rede ist von Little Simz’ sechstem Album, benannt nach der Blume. Es ist ihr erstes ohne Kindheitsfreund und Stammproduzent Inflo (Sault). Der Grund für den Bruch ist skandalös und öffentlich: Im Dezember 2023 verklagte Simz ihn wegen des Diebstahls von 1,7 Millionen Pfund. Drama genug für ein Konzeptalbum – so let’s go! Mit dem neuen Produzenten Miles Clinton James entwirft Simz eine 50-minütige Klanglandschaft aus Rap, R&B, Afrobeat, Post-Punk, Jazz und Rock – voller Features (u. a. Michael Kiwanuka, Yussef Dayes, Wretch 32), wie man es aus ihrer Diskografie kennt, was natürlich die klangliche Vielfalt des Albums verstärkt. Schon die ersten Tracks sind eine offene Abrechnung, mit zwischen Wut und Enttäuschung oszillierenden Zeilen wie: »Thief / And you know what it means / Selling Lies / Selling Dreams«. Doch mit dem Song »Young« kippt die Stimmung: Simz klingt plötzlich verspielt, kindlich, punkig. Ab hier wird’s weicher: Bossa Nova, dreamy Keys, Streicher (viele Streicher), R&B-Gesang von Sampha und Obongjayar, Tropicalia und sogar Dance-Punk à la ESG. Das Album mäandert also zwischen Zorn, Tanzfläche, spielerischer Indifferenz und Traurigkeit. Vielleicht etwas zu breit für echte Kohärenz – aber trotzdem stark. Vielschichtig, eigenwillig, königlich gerappt. Simz bleibt: Rapping King und Rapping Queen. Libia Caballero Bastidas

Sechzehn Jahre ist es her, seit die Gebrüder Thornton – Pusha T und Malice – ihr letztes Album als Clipse veröffentlicht haben. Die beiden Rapper aus Virginia machten um die Jahrtausendwende von sich reden – mit Songs über den Handel mit Kokain und Beobachtungen aus dem Milieu, die der alten Trope neues Leben einhauchten. Über die wegweisenden Beats des Produzentenduos Neptunes, die sich nicht vor Synthie-Elementen scheuten, flogen ikonische Kokain-Vergleiche, die gleichermaßen schmunzeln wie staunen ließen. Nach drei Alben war 2009 Schluss: Genervt von Labelquerelen und persönlichen Differenzen gaben die Brüder bekannt, sich auf Solokarrieren zu fokussieren. Pusha T fand Gefallen daran, den Bogeyman der Szene zu spielen, Malice zu Jesus. 2025 nun das große Reunion-Album: produziert von Ex-Neptune Pharrell Williams, die Erwartungen hoch an das spektakulärste Release des Jahres. Mit 48 (Pusha T) und 52 (Malice) sind die beiden im jungen Rapgame graue Eminenz. It’s a young Man’s game? Keine Spur. Kalte Sprüche dafür en masse, die erste Veröffentlichung »So be it« schaffte Tatsachen. Über ein geniales Sample saudi-arabischer Volksmusik rappt Pusha T: »Your Soul don’t like your Body, we’ll help you free it« und in der letzten Strophe wird Travis Scott gedisst, als wäre es nichts. Die Beats von Pharrell haben immer noch die Tiefe und die einzigartigen Drums, »All Things considered« klingt wie ein finsteres Schachspiel um Leben und Tod während Clipse über Macht und ihre Implikationen rappen, als wären es Cäsar-Zitate. Ein Sample zieht sich durch das Album, auf dem eine KI-Frauenstimme emotionslos »This is culturally inappropriate« sagt. Hip-Hop im Jahr 2025 braucht das. Jan Müller