Rezensionen

Rahim Soltani sitzt im Gefängnis, weil er die Schulden bei seinem Gläubiger nicht mehr zurückzahlen konnte. Bei einem Freigang übergibt ihm seine Freundin eine Tasche mit einem guten Dutzend Goldmünzen, die sie an einer Bushaltestelle gefunden hat. Zunächst möchte Rahim damit zumindest die Hälfte seiner Schulden begleichen, entscheidet sich dann aber doch dafür, lieber die rechtmäßige Besitzerin der Münzen ausfindig zu machen. Als die Gefängnisleitung und die Medien von dieser noblen Tat erfahren, spannen sie Herrn Soltani für ihre Zwecke ein und haben dabei ganz eigene Ideen von der »richtigen«, publikumswirksamen Version seiner Geschichte. Der naive Mann beginnt, sich in ein Lügennetz zu verstricken. Asghar Farhadis (»Nader und Simin«) neuer Film erfordert wieder die Geduld und Aufnahmebereitschaft seines Publikums. Doch dann wird man von der Geschichte mit ihren immer abenteuerlicheren Auswüchsen rasch in den Bann geschlagen. »A Hero« entfaltet eine beachtliche Spannung, gerade auch, weil einem der fremdgesteuerte sympathische Protagonist mehr und mehr leidtut. Farhadi nutzt die Vorkommnisse, um geradezu beispielhaft aufzuzeigen, was in seinem iranischen Heimatland so alles schiefläuft – vom Justizsystem über die Gefängnisse, vom Fernsehen bis hin zu den sozialen Medien zeigt uns der Filmemacher, wie wenig deren Selbstverständnis mit moralischen Werten wie Wahrheit oder Gerechtigkeit zu tun hat. Frank Brenner

Als Bankräuber und Ausbrecherkönig ziert Walter Stürm die Gazetten. Charmant und selbstverliebt windet er sich scheinbar aus jeder noch so misslichen Lage heraus. Eine gute Galionsfigur für die Bewegung der jungen Schweizerinnen und Schweizer, die gegen das Establishment protestieren. Der Staat geht mit aller Härte gegen die Aufständischen vor, die Verhältnisse in den Gefängnissen sind desolat. Als Stürm mal wieder geschnappt wird und einsitzt, beschließt die Anwältin und Aktivistin Barbara Hug, sein Mandat zu übernehmen. Zwischen Hug und Stürm entwickelt sich bald mehr als eine »rein geschäftliche Beziehung«. In die stürmischen Zeiten der frühen achtziger Jahre passt ein Querulant wie Walter Stürm perfekt hinein. Oliver Rihs (»Schwarze Schafe«) zeichnet das Bild eines Außenseiters und nimmt sich einige Freiheiten bei der Interpretation der Geschichte. Joel Basman legt viel schauspielerische Energie in seine Verkörperung. Marie Leuenberger spielt die Anwältin zwischen Selbstzweifeln und Kampfeswillen. Hinzu kommt viel Zeitkolorit der wilden Achtziger zwischen Punks und Spontis, das auch kurz die deutsche Szene jener Zeit streift. Doch die Erzählung bleibt trotz zwei Stunden Lauflänge zu oberflächlich. Man bekommt kein Gefühl für den Menschen Stürm und entwickelt folglich wenig Verständnis für dessen Anziehungskraft auf Hug. Der gut ausgewählte Soundtrack und die Atmosphäre einer Ära des Umbruchs lohnen noch am ehesten die Zeitreise. Lars Tunçay

Über die Femizide in Ciudad Juárez wurde seit Beginn der Mordserie Anfang der neunziger Jahre viel berichtet. Aufgeklärt wurden die brutalen Taten nie. Noch heute ist die nordmexikanische Grenzstadt für Frauen einer der gefährlichsten Orte der Welt. Wie ist es, als Frau in einer solchen Stadt zu leben? Davon erzählen Paola Calvo und Patrick Jasim in ihrer Dokumentation aus der Sicht dreier »Luchadoras« – Wrestlerinnen, die dem allgegenwärtigen Machismo auf ihre ganz eigene Art trotzen: Da ist »Lady Candy«, die tagsüber in einem Beerdigungsinstitut arbeitet und um ihre kleinen Töchter kämpft, die von ihrem gewalttätigen Ex entführt wurden. Da ist »Baby Star«, die sich nie ohne ihre Glitzermaske in der Öffentlichkeit zeigt, und da ist »Mini Sirenita«, die gerade zum zweiten Mal Oma wird, aber trotzdem nicht daran denkt, das Wrestling aufzugeben. Und da sind noch viele mehr. Im Zentrum des Films steht die »Sororidad«, die vereinte Schwesternschaft als wehrhafte Bastion gegen die Gewalt und das Patriarchat, das sie ermöglicht. Es geht um Mütter, Töchter und Großmütter, die für sich selbst und für alle anderen aufstehen und in den Ring steigen. Doch der wahre Gegner ist überall, gesichtslos. Nur indirekt zeigt er sich, was das Grauen noch potenziert. Wir sehen Fotos unzähliger vermisster Frauen auf verwitternden Aushängen an den Mauern der Stadt, die liebevoll geschmückten Gräber – starke Kontraste, die Calvo und Jasim in elektrisierenden Bildkompositionen einfangen. Karin Jirsak

Die Fotografin Janis lernt während eines Shootings den forensischen Archäologen Arturo kennen. Beide verstehen sich gut und Janis bringt ein Anliegen zur Sprache: Vor ihrem Heimatdorf soll sich ein Massengrab befinden, in dem sie die Gebeine ihres Urgroßvaters vermutet, neben denen vieler anderer Menschen, die im spanischen Bürgerkrieg ermordet wurden. Die Organisation, für die Arturo arbeitet, hätte die Mittel, die Toten zu bergen, so dass sie würdevoll bestattet werden und die Angehörigen einen Abschluss finden könnten. Arturo will sich darum kümmern, die beiden verbringen die Nacht miteinander – und Janis wird schwanger. Neun Monate später teilt die Mittvierzigerin das Krankenhauszimmer mit der deutlich jüngeren Ana, die ebenfalls ein Baby erwartet. Nach der Geburt der Kinder schläft die Bekanntschaft zunächst ein, bis Janis etwas erfährt, das ihre Welt auf den Kopf stellt. Kaum ein Regisseur beherrscht die Kunst des Melodrams besser als Pedro Almodóvar. Diesmal verknüpft er sein Leib-und-Magen-Genre mit einem historischen Nebenplot, was bisweilen etwas zu viel auf einmal ist. Da der Fokus aber auf der Handlung um die gewohnt starken Frauenfiguren liegt, grandios verkörpert von Stammschauspielerin Penélope Cruz und Newcomerin Milena Smit, ist der jüngste Almodóvar zwar nicht der beste, aber immer noch ein gelungener, zutiefst menschlicher Film, in dem vieles anders kommt, als man denkt. Peter Hoch

In den Filmen von Mike Mills sind Männer meist das schwache Geschlecht. Sein Spielfilmdebüt »Thumbsucker« ist eine bittersüße Coming-of-Age-Story, in »Beginners« muss sich Ewan McGregor mit dem Coming-out und dem nahenden Tod seines Vaters Christopher Plummer auseinandersetzen und »20th Century Women« schließlich stellt die Frauen als Vorbild für einen heranwachsenden Jungen in den Siebzigern in den Mittelpunkt. In »Come on, come on« gibt Joaquin Phoenix, dessen diabolische Darbietung in »Joker« ihm zuletzt einen Oscar einbrachte, den verletzten Einzelgänger Johnny, der sich um Jesse, den Sohn seiner Schwester kümmern muss. Die beiden verbringen einige Tage in New York, an denen beide wachsen und sich einander nähern. Währenddessen muss sich Viv um ihren geisteskranken Ehemann Paul kümmern. Das Verhalten des Vaters und die Abwesenheit der Mutter haben tiefe Spuren bei Jesse hinterlassen, als er Johnny kennenlernt. Der Teenager lässt sich nur zögernd auf seinen Onkel ein, bis sie eine Reise nach New York unternehmen, wo Johnny für ein Dokumentarfilmprojekt Kinder interviewen muss, die ihm von ihrem Leben erzählen. In den Tagen im Big Apple lernen sich die beiden kennen, Johnny erfährt, was es heißt, Verantwortung für ein Kind zu übernehmen, und Jesse lernt, wie es ist, ein Erwachsener zu sein und ein eigenes Leben zu wählen. Mills erzählt in ruhigen Dialogen und wunderschönen Schwarz-Weiß-Bildern von einer keimenden Freundschaft und von der Schönheit, am Leben zu sein. Lars Tunçay

Ganz selten gibt es Filme, die melancholisch und sehnsüchtig machen, ohne dass man je in der Zeit oder an dem Ort der Handlung gelebt haben muss. Regisseur und Drehbuchautor Paul Thomas Anderson (»Magnolia«, »There Will Be Blood«) bringt mit seinem neuen Coming-Of-Age-Drama eine Liebeserklärung zur eigenen Jugend im Kalifornien der siebziger Jahre auf die Leinwand. Er begleitet den 15-jährigen Gary und die 25-jährige Alana auf ihrem schweren Weg zum Erwachsenwerden, dem Finden und Lösen von Vorbildern, der wahren Liebe und dem Drang nach Bedeutung. Eine weiche Farbgebung, das wunderschöne Szenenbild und ein körniges Bild helfen ihm dabei, die Zuschauer in die diffuse, von politischen, kulturellen und gesellschaftlichen Veränderungen geprägte Welt der US-amerikanischen Siebziger mitzunehmen. Anderson lässt die Zuschauer über 134 Minuten mit seinen verschrobenen und doch irgendwie immer liebenswürdigen Figuren mitlachen und mitfühlen und wer drauf achtet, wird sich fast dauerhaft mit einem breiten Grinsen im eigenen Gesicht erwischen. Mit der Musik von Radiohead-Gitarrist Jonny Greenwood, die unter weiten Teilen der Handlung liegt, wirken viele Szenen melodisch und rhythmisch. So entsteht ein insgesamt locker-leichtes Feeling, das den Problemen und Emotionen der Figuren allerdings nie entgegensteht. Der Film mag eine leichte Länge im letzten Drittel haben und – genregegeben – werden die Randfiguren nur auf einem Stück ihres Weges begleitet und eben nicht in einen abgeschlossenen Handlungs- und Spannungsbogen gezwängt. Trotzdem (oder gerade deshalb) bleibt ein zutiefst persönliches und authentisches Werk, was sich den Lebensrealitäten junger Menschen in gewissenhafter Weise annimmt. »Licorice Pizza« dürfte damit schon jetzt einer der emotionalsten und trotzdem lustigsten Filme des Jahres sein. KAI REMEN

Seit einem Jahr trägt Mina Trauer. Ihr Ehemann wurde nach Scharia-Rechtsprechung hingerichtet und nur mit Mühe bringt sie sich und ihre gehörlose Tochter mit einem Job in einer Teheraner Flaschenfabrik über die Runden. Kurz nachdem sie eine weitere schockierende Nachricht erhalten hat, steht Reza vor ihrer Tür, der angibt, ihrem getöteten Mann noch Geld geschuldet zu haben. Zumindest die finanzielle Not ist nun nicht mehr ganz so groß und Reza hilft Mina auch dabei, eine neue Wohnung zu finden. Die »weiße Kuh« steht im Quran für eine unschuldige Person, die dem Tod geweiht ist. Selbst wenn das Publikum ähnlich aufgebaute Filme, wie den mit dem Goldenen Bären auf der Berlinale 2020 ausgezeichneten »Doch das Böse gibt es nicht« oder Asghar Farhadis »The Salesman«, nicht gesehen hat, dürfte es schnell erahnen, worauf vieles hier hinausläuft. Trotzdem gelingt es dem Regieduo Alireza Sanifar und Maryam Moghaddam – Letztere spielt auch die Rolle der Mina – gelegentlich, den gängigen Themenkomplexen rund um das iranische Gesellschafts- und Justizsystem neue Aspekte abzugewinnen, und ihr Film punktet insbesondere mit seinem ambivalenten Ende. Peter Hoch

Eine trostlose chinesische Trabantenstadt in der flirrenden Hitze des Sommers. Ming Xue wandelt durch die Nacht wie ein Untoter. Seit er auf dem Heimweg einen Mann angefahren hat, kann er nicht mehr schlafen. Die Schuld verfolgt ihn. Er provoziert Schlägereien, um sich selbst zu bestrafen, findet aber keine Vergebung. Als der Installateur für Klimaanlagen der Witwe des Verstorbenen begegnet, kann er ihr nicht die Wahrheit gestehen. Zu Ming Xues Überraschung scheint die Frau auch keine Trauer zu empfinden über den Verlust des Ehemanns. In dem Fremden findet sie eine Schulter zum Anlehnen. Was als Drama über Schuld und Verlust beginnt, wandelt sich zum düsteren Thriller. Regisseur Wen Shipei jongliert in seinem eindrucksvollen Regiedebüt virtuos mit Genres und Stilmitteln. Seine Inspiration findet er im deutschen Expressionismus. Die langen Schatten der Verfolger, das fahle Neonlicht, die rot gefärbten Bilder der Nacht erinnern an das europäische Kino und die Meister des Film noir wie Polanski und Hitchcock. Die fiebrige Atmosphäre, der mächtige Monsunregen in den hünenhaften Bambuswäldern, Leichen in verlassenen Industrieruinen und Shoot-outs in dunklen Gassen sind zugleich deutliche Verweise an das Hongkong-Kino von Johnny To oder John Woo. Die atmosphärischen Bilder von Kameramann Andreas Thalhammer (»Wilde Maus«) und die disharmonischen Klänge von Hank Lee schrauben zusätzlich am Suspense-Meter. Lars Tunçay

Richard Williams überlässt nichts dem Zufall. Die Tennis-Karriere seiner beiden Töchter Venus und Serena hat der engagierte Familienvater Schritt für Schritt durchgeplant. Für die Kinder sieht er das als einzige Chance, aus der Armut rauszukommen und es in der weißen Gesellschaft zu etwas zu bringen. Er selbst hat sich in seinem Leben stets behaupten müssen und will ein besseres Leben für seine Kinder. Dafür stehen sie allerdings auch Tag und Nacht auf dem improvisierten Feld im von Bandenkriegen geprägten Compton. Während die Nachbarn Richard für verrückt erklären und schon mal das Jugendamt informieren, hält seine Frau Brandy zu ihrem Mann. Und tatsächlich zahlt sich die Mühe und Beharrlichkeit irgendwann aus: Venus und Serena werden zum Vorspiel eingeladen und gewinnen ihre ersten Turniere. Doch Richard will die Kontrolle über das Schicksal seiner Kinder nur ungern abgeben und hat seine ganz eigenen Vorstellungen, mit denen er im Ballsport der reichen weißen Oberschicht aneckt. Reinaldo Marcus Green (»Joe Bell«) hat ein Herz für »King Richard« und dessen unerschütterlichen Glauben an den amerikanischen Traum. Die Botschaft mag einfach sein, Green transportiert sie aufrichtig und mit viel Humor. Will Smith glänzt mit der besten Leistung seiner Schauspielerkarriere und kann sich nach zwei Nominierungen Hoffnungen auf seinen ersten Oscar machen. Lars Tunçay

Sam Ali ist im Jahr 2011 in Syrien lautstark für Freiheit eingetreten und deshalb ins Fadenkreuz der Regierung geraten. Er flieht in den Libanon, seine Freundin Abeer nutzt die Bekanntschaft zu einem Diplomaten, um nach Belgien zu gelangen. Auch Sam hätte nun die Chance, ein Visum für Belgien zu erhalten, wenn er dem Künstler Jeffrey Godefroy als lebende Leinwand dient. Er lässt sich darauf ein und bekommt von Godefroy ein Schengen-Visum auf den Rücken tätowiert, ein politisches Statement, das in Europa schließlich das Interesse von Menschenrechtsverbänden, aber auch das von Kunstliebhabern weckt. Der zweite Langspielfilm der tunesischen Regisseurin Kaouther Ben Hania wurde im vergangenen Jahr für den Auslands-Oscar nominiert und in Venedig ausgezeichnet. Er enthält einige wirklich starke Aussagen und Szenen, wenn er seinem Publikum vor Augen führt, was es bedeutet, »im richtigen Teil der Welt geboren« zu sein, oder dass Handelsobjekte in unserer Zeit viel freier in der Welt zirkulieren können als Menschen. Angelehnt ist die Geschichte an die Rückentätowierung des Künstlers Wim Delvoye (der hier einen kurzen Gastauftritt hat), dessen lebendes Objekt Tim im Jahr 2008 an einen Privatsammler verkauft wurde. Gegen Ende steigert sich die Filmhandlung zunehmend ins Absurde und kann das Niveau nicht immer halten. Was bleibt, ist ein wichtiges Statement zum Thema Unterdrückung. Frank Brenner

Haruki Murakami ist ein meisterhafter Beobachter menschlicher Gefühle und Verhaltensweisen. Seine Geschichten sind melancholisch, verschmitzt, erotisch und zutiefst menschlich. Immer wieder steht die Kunst selbst im Mittelpunkt der Handlung. Dabei ist es für Filmemacher oft schwer, die inneren Monologe und Reflexionen der Figuren in einem Drehbuch einzufangen. Bei Ryûsuke Hamaguchis »Drive My Car« läuft all das zusammen und vermischt sich zu einem traumgleichen Fluss. Basierend auf Murakamis gleichnamiger Kurzgeschichte erzählt das stille Drama von einer dysfunktionalen, aber liebevollen Beziehung, von Verlust und Neuanfang. Jede der Figuren in dem fast dreistündigen Kaleidoskop bringt ihre eigene Geschichte mit und ergänzt die der anderen. Nur in der Gemeinschaft gelingt es, über Traumata hinwegzukommen. Ruhig und ohne übermäßige emotionale Ausbrüche erzählt Hamaguchi die Geschichte von einem Theaterautor, dessen Schicksal sich im Werk von Tschechows »Onkel Wanja« spiegelt – ein Stück, das er in der Provinz Hiroshima inszenieren soll. Seine Frau, Drehbuchautorin beim Fernsehen, begleitet ihn mit ihrer Stimme. Liebe, Schmerz und Sehnsucht subsumieren sich in den Tagen am Meer. Eine meisterhafte Adaption von einem Filmemacher, den man sich merken sollte. Gelang Ryûsuke Hamaguchi doch das Kunststück, mit zwei wundervollen Filmen in diesem Jahr sowohl den Drehbuchpreis in Cannes als auch den Großen Preis der Jury bei der Berlinale zu gewinnen. Lars Tunçay

Erst vor wenigen Wochen erzählten die Brüder Ron und Russell Mael in Edgar Wrights virtuoser Bandbio »The Sparks Brothers« vom gescheiterten Traum, ein Musical für die Leinwand zu inszenieren. Nun ist dieser Traum Jahre später doch noch wahr geworden. Unter der Regie des französischen Exzentrikers Leos Carax (»Holy Motors«) entstand klassisches Musiktheater mit Gesang und Tanzeinlagen. Doch statt einer strahlenden Hollywood-Revue ist »Annette« vielmehr ein Abgesang aufs Showbiz. Die Liebenden im Mittelpunkt sind die Opernsängerin Ann (Marion Cotillard) und der Stand-up Comedian Henry (Adam Driver). Trotz des permanenten Scheinwerferlichts, das auf ihre Beziehung gerichtet ist, lieben sie sich und aus dieser Liebe entsteht ein Kind. Doch Annette ist kein gewöhnlicher Nachwuchs. Vielmehr kommt sie mit einem instinktiven Gesangstalent zur Welt, das die Aufmerksamkeit der Massen auf sie zieht und die Beziehung zwischen Ann und Henry auf die Probe stellt. Inmitten von aufwändigen Theaterkulissen spielt sich eine Tragödie ab. Die Inszenierung durchbricht dabei immer wieder die vierte Wand und zieht den Zuschauer in die Handlung. »Annette« eröffnete die Filmfestspiele in Cannes, wo er mit dem Preis für die beste Regie ausgezeichnet wurde. Doch die Welt der Sparks ist kein »La La Land«, vielmehr ist ihr Musical bewusst verstörend naiv erzählt und eindeutig Geschmacksache. Lars Tunçay

Ausgerechnet ein Törtchen aus Kartoffeln serviert der ebenso geniale wie eigensinnige Manceron (magnifique: Grégory Gadebois), Küchenchef am Hof des Herzogs von Chamfort, zum großen Festbankett. Ein Essen für (allemannische) Schweine, da ist sich die dekadente Gesellschaft einig. Folge der Schmach: Manceron landet auf der Straße. Zusammen mit seinem Sohn Benjamin (wunderbar: Lorenzo Lefèbvre) quartiert er sich auf dem Bauernhof seines verstorbenen Vaters ein. Mitten im Nirgendwo muss der Maître nun ganz kleine Brötchen backen. Dann drängt sich dem Verstoßenen auch noch die resolute Louise (eine Wucht: Isabelle Carré) als Lehrling auf. Dabei haben Frauen zum Kochen nun wirklich kein Talent! Nicht die einzige verstaubte Vorstellung, von der Manceron sich bald verabschieden wird. Frankreich am Vorabend der Französischen Revolution: Beseelt vom Geist der Freiheit und Veränderung bewegt sich dieser Feelgood-Foodie-Film von Éric Besnard (»Birnenkuchen mit Lavendel«) fernab vom Einheitsbrei, den dieses Genre allzu oft auftischt. Markige Typen, überraschende Wendungen, herrlich trockener Humor, wunderschöne Kulissen und jede Menge Herz und Hirn – das sind die Zutaten dieses Geheimtipps für Fans der lockerleichten Kinoküche mit Substanz. Und das Essen? Rustikale Wald- und Wiesen-Cuisine mit Haltung und ohne Chichi, arrangiert in Tableaus, die zum Sattsehen einladen. Der Originaltitel bringt es am besten auf den Punkt: Délicieux! Karin Jirsak

Anfang der 1980er Jahre werden die Teenager-Kumpel Giulio und Paolo bei einer Demonstration in Rom Zeuge davon, wie der gleichaltrige Riccardo verletzt wird. Sie bringen ihn in ein Krankenhaus. Es entsteht eine Freundschaft zwischen den dreien. Auch Gemma, in die Paolo sich unsterblich verliebt, stößt wenig später zu der Clique – ein Quartett, das jede Menge Veränderun¬gen erfahren wird und dessen Lebenswege sich immer wieder annähern, entfernen und kreuzen werden. Gabriele Muccino macht erneut das, was er am besten kann, und lie¬fert eine Tragikomödie ganz im Stile seines zwanzig Jahre alten Erfolgsfilms »Ein letzter Kuss« ab, in dem er einst ein emotionales Beziehungsgeflecht aufdröselte. Diesmal erzählt er in einer wesentlich größeren Zeit¬spanne. In vierzig Jahren lässt der Regisseur die italienische Geschichte des ausgehenden zwanzigsten Jahrhunderts Revue passieren. In satten, warmen Farben, flankiert von je¬weils zur Ära passender Musik und vor his¬torischen Fixpunkten erschafft er eine nicht allzu tiefschürfende, aber unwiderstehliche Ode an die Freundschaft, an das Verrinnen der Zeit und das Leben, die mit Pierfran-cesco Favino, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaria und Micaela Ramazzotti perfekt besetzt ist. Dazu zitiert der Italiener große Vorbilder wie Ettore Scolas »Wir hatten uns so geliebt« oder Federico Fellinis »Das süße Leben« und variiert deren erzählerische An¬sätze ebenso beschwingt wie melancholisch für ein aktuelles Publikum. Peter Hoch

Samar und Lohan sind tolle Protagonistinnen für einen Dokumentarfilm. Sie funkeln und tragen mit ihrer Ausstrahlung jede Szene. Drei Jahre lang haben die Filmemacher Laurentia Genske und Robin Humboldt die syrischen Trans-Schwestern mit der Kamera begleitet. Einfühlsam erzählt ihr Film von den Konflikten in ihrem Leben, die zunehmen, je weiter sie sich ihrem eigentlichen Geschlecht annähern, auch körperlich zu Frauen werden. Vor allem ihre konservativen muslimischen Eltern haben große Schwierigkeiten mit den Veränderungen. In einer erschütternden Szene erklärt der Vater, dass seine Töchter in Syrien in Lebensgefahr schwebten. Die Verachtung anderer Familien für die beiden verfolgt ihn und seine Frau bis in die deutsche Geflüchtetenunterkunft am Rand von Stuttgart. Wie sie dennoch versuchen zu verstehen, was mit ihren Kindern geschieht, gehört zu den berührenden Stellen in Genskes und Humboldts Dokumentarfilm. Vielleicht gerade auch, weil hier nicht alles harmonisch aufgelöst wird. Weil offen bleibt, was für Eltern und Kinder unvereinbar ist: die Religion und der eigene Körper. Die Eltern können nicht anders, als die geschlechtsangleichende Operation ihrer Kinder als Sünde zu sehen. Gleichzeitig bedeutet das eben nicht, dass sie aufhören, mit Samar und Lohan zu reden. Visuell konventionell inszeniert, liefert »Zuhurs Töchter« auf inhaltlicher Ebene wichtige Denkanstöße. Josef Braun

Nach vielen entbehrungsreichen Jahren ist Anja endlich dort angekommen, wo sie hinwollte. Ihre Tanzinszenierung feiert eine umjubelte Premiere, ein Jahr nachdem der Lungenkrebs sie aufzufressen drohte. Das jüngste ihrer drei Kinder ist zehn, die Kinder ihres Lebensgefährten Tomas haben sie akzeptiert, die Partnerschaft mit dem angesehenen Regisseur ist geprägt von gegenseitigem Respekt – es herrscht scheinbar Harmonie im Haus, so kurz vor Weihnachten. Doch dann bricht eine erschütternde Diagnose in ihr Leben: Der Krebs hat gestreut, ihr bleiben nur noch wenige Monate. Wie soll sie damit umgehen? Es den Kindern sagen, so kurz vor dem Weihnachtsfest, oder lieber schweigen? Soll sie aufgeben und die letzten Tage genießen oder den vielleicht aussichtslosen Kampf aufnehmen? Diesen Fragen sah sich auch Regisseurin Maria Sødahl ausgesetzt. In »Hope« erzählt sie ihre Geschichte. Dass sie überlebt hat, nimmt allerdings weniger das Ende ihres erschütternden Dramas vorweg. Sie schildert vielmehr, welchen Preis die Krankheit ihr und ihrer Familie abverlangte. Der Hirntumor hat direkte Auswirkungen auf ihr Verhalten, die Medikamente tun ihr Übriges, der Schlafentzug droht Anja endgültig zu zermürben. Über allem schwebt die Angst des nahenden Abschieds von denen, die sie liebt. Ein emotionales, essenzielles Drama, getragen von den großartigen Leistungen der Norwegerin Andrea Bræin Hovig und des Schweden Stellan Skarsgård. Lars Tunçay

Es gefällt Kelly Reichardt wahrlich nicht, irgendwelche Erwartungen zu erfüllen. Wer auf »First Cow« beim Kramen in der Westernschublade stößt, bekommt sicherlich nicht das, wonach er sucht – mit Sicherheit aber wesentlich mehr. Das deutet sich schon beim Prolog an, beginnt ihr Film doch in der Gegenwart, wo eine Frau beim Spaziergang mit ihrem Hund auf die Gerippe zweier Menschen stößt. Die Erzählung geht zurück in die Zeit der Pioniere, die das Land erschlossen und an vereinzelten Orten Handel trieben, aus denen einmal Städte entstehen sollten. Doch noch ist das Ziel von Cookie und King Lu im Staate Oregon nur eine Ansammlung von Matsch und Hütten. Die beiden Einzelgänger freunden sich an und träumen davon, ihr eigenes Geschäft aufzumachen. Mit Cookies Backkünsten und King Lus Geschäftssinn und der Ankunft der ersten Kuh in Oregon bauen sie sich schon bald ein florierendes Geschäft auf, das auch die Aufmerksamkeit des Chief Factor erregt, den der Geschmack der Backwaren an das heimische Königreich erinnert. Das Problem ist nur, dass die Kuh eigentlich ihm gehört und er nichts davon ahnt, dass Cookie und King Lu nachts auf seine Weide schleichen. Mit dem klassischen Western hat »First Cow« wahrlich nur das Setting gemein. Reichardts Film erzählt die Geschichte von einer Freundschaft zwischen zwei Männern, die in die falsche Zeit hineingeboren wurden, ruhig, einfühlsam und stets überraschend. Lars Tunçay

Die Wellen peitschen an die kalkweißen Klippen in Dorset in den 1840ern. Die raue Küste im Südwesten Englands hat Mary Anning geprägt. Tagsüber streift die verschlossene Frau den Strand entlang auf der Suche nach Fossilien. Abends kümmert sie sich um ihre betagte Mutter. Ihre Fundstücke ermöglichen den beiden ein kärgliches Auskommen. Während sie sich vor den wohlhabenden Frauen im Ort versteckt, werden ihre prähistorischen Fundstücke im British Museum in London zur Schau gestellt. Doch die Lorbeeren ernten andere. Ihr Leben ändert sich, als der Geschäftsmann Roderick Murchison sie aufsucht und sie bittet, sich um seine Gemahlin Charlotte zu kümmern. Die schüchterne junge Frau leidet unter Depressionen. Die Seeluft soll ihr guttun. Und tatsächlich setzt die Begegnung der beiden Frauen Gefühle frei, deren sie sich bald nicht mehr erwehren können. Bereits in seinem vielfach preisgekrönten Film »God’s Own Country« erzählte Regisseur Francis Lee von einer unverhofften homosexuellen Liebe. Für seinen zweiten Langfilm kann er auf zwei Charakterdarstellerinnen bauen: Kate Winslet spielt die Forscherin mit Zurückhaltung und Würde, Saoirse Ronan entwickelt Charlotte vom leblosen Anhängsel zu einer strahlenden, selbstbewussten Frau. Nicht zuletzt rückt Lee auch eine einflussreiche Paläontologin in den Fokus, die bis heute weitgehend auf ihre Rolle als Inspirationsquelle für einen englischen Zungenbrecher reduziert ist (»She sells seashells by the sea shore«). Lars Tunçay

Mia Hansen-Løves Filme werfen stets einen persönlichen Blick auf die Geschichte. Sei es die Entstehung der French-House-Szene in den frühen Neunzigern mit dem Blick ihres Bruders in »Eden« oder der Verlust der Mutter in »Alles was kommt«. Ihr neues Werk »Bergman Island« geht noch einen Schritt weiter. Die Französin, die mit dem deutlich älteren Filmemacher Olivier Assayas (»Personal Shopper«) verheiratet ist, erzählt von der Beziehung der jungen Autorin Chris und des deutlich älteren Regisseurs Tony, die gemeinsam auf die Insel Fårö reisen. Das entlegene Eiland, das auch Hansen-Løve und Assayas oft bereisten, war die Wirkungsstätte Ingmar Bergmans und ist heute Pilgerstätte unzähliger Bergman-Fans. Chris und Tony sind Künstler und der Neid auf den Erfolg des anderen lässt sich in einer solchen Beziehung wohl nie ganz ausblenden. Während Tony die idyllische Natur kreativ beflügelt, steckt Chris in ihrer Handlung fest. Die Realitätsebenen zerfließen und über allem schwebt der Geist von Bergman. Man muss sein Werk nicht kennen, aber es hilft, um sich Mia Hansen-Løves Film zu erschließen. Schicht um Schicht verdichtet sie fast unbemerkt ihren Plot, der einem eigentümlichen Rhythmus folgt. Nicht zuletzt ist »Bergman Island« auch ein Film über das Filmemachen, oszillierend zwischen Wahrheit und Fiktion und wunderbar getragen von Vicky Krieps (»Der seidene Faden«) und Tim Roth. Lars Tunçay

Pierre ist 25, als er aus Wyoming zurück nach Frankreich kommt, um den Hof des Vaters zu übernehmen. Er möchte sich eine Zukunft mit Claire aufbauen, doch von seinem Vater wird ihm nichts geschenkt. Selbst nachdem er das Gehöft erworben hat, gehört es nicht ihm. Monatlich drückt er eine Pacht an den Vater ab. Auch wenn das Geld knapp ist, setzt der Alte die Forderungen nicht aus. Und das ist es meistens, denn um mithalten zu können, muss Pierre investieren – und um zu investieren, muss er immer höhere Kredite aufnehmen. Ein Teufelskreis, der den Familienvater 17 Jahre später immer tiefer in einen Abwärtsstrudel zieht, unter dem auch seine Frau und die Kinder zu leiden haben. »Das Land meines Vaters« ist ein zutiefst persönlicher Film. Regisseur Edouard Bergeon erzählt darin schonungslos die Geschichte seiner eigenen Familie. Mit Charakterdarsteller Guillaume Canet (»Liebe mich, wenn du dich traust«) und der starken Veerle Baetens (»The Broken Circle Breakdown«) exzellent besetzt, schildert sein mitreißendes Spielfilmdebüt ein stellvertretendes Schicksal hinter den immer wiederkehrenden Protesten der französischen Bauern. Bergeons Film zeigt eine schwerwiegende, lang anhaltende Krise der französischen Agrarwirtschaft auf. Ein schmerzhaftes Mahnmal für die Tatsache, dass sich in Frankreich jeden Tag ein Landwirt das Leben nimmt, weil er keinen Ausweg mehr sieht. Lars Tunçay