Rezensionen

Ángela ist gehörlos. Für sie ist das kein Problem, für die Hörenden in ihrem Alltag schon. Immer wieder muss sie sich behaupten und um Beachtung kämpfen. Mit ihrer Arbeit als Töpferin und ihrem liebevollen Partner Héctor hat sie sich ein Fundament geschaffen. Das gerät allerdings ins Wanken, als sie schwanger wird. Zwar hat sich das Paar bewusst für ein Kind entschieden, doch je näher die Geburt rückt, desto mehr wächst die Sorge, ihre Tochter könnte ebenfalls gehörlos auf die Welt kommen. Und was, wenn sie gesund ist – kann Ángela eine Bindung zu ihrer Tochter aufbauen, wenn sie nicht verbal mit ihr kommunizieren kann? »Sorda« (spanisch für »taub«) fordert heraus, die Welt durch die Wahrnehmung einer Gehörlosen zu erleben. Die Autorin und Regisseurin Eva Libertad sensibilisiert für die Hürden im Alltag und in der Beziehung. Mit Hauptdarstellerin Miriam Garlo hat sie das Thema bereits vor vier Jahren als Kurzfilm erzählt. Ángela ist eine ambivalente Figur, deren Entscheidungen nicht immer vernünftig, aber stets nachvollziehbar sind. Zu verdanken ist das neben der genauen Charakterzeichnung auch Garlos feinsinniger Verkörperung. Bis zum berührenden Schluss und darüber hinaus bietet »Sorda« viel Stoff für angeregte Auseinandersetzungen. Bei der diesjährigen Berlinale wurde der Film dafür mit dem Publikumspreis ausgezeichnet. LARS TUNÇAY

Mit »Hereditary« und »Midsommar« hat sich Ari Aster einen Namen als Horrorregisseur gemacht. Der Erfolg ebnete ihm den Weg, nun seine ganz eigene Art von Filmen zu realisieren. Schon sein letztes Werk »Beau is afraid« – ebenfalls mit Joaquin Phoenix – war eine außergewöhnliche Psycho-Achterbahn. Auch in »Eddington« dringt er nun tief in die verstörende Gedankenwelt seiner Figuren ein und liefert damit einen ätzenden Kommentar zur Gegenwart. Die Handlung spielt an einem ganz bestimmten Zeitpunkt, dem Mai 2020, als die Corona-Pandemie die Welt heimsuchte und alles, was sicher geglaubt war, in Frage stellte. Alternative Fakten und Verschwörungstheorien haben seitdem Hochkonjunktur und auch Luise, die Frau des Sheriffs der Kleinstadt Eddington, verliert sich zunehmend im Kaninchenbau. Ihr Mann Joe setzt sich derweil über die staatlich verordneten Sicherheitsmaßnahmen hinweg und legt sich mit dem örtlichen Bürgermeister Ted Garcia an. Ein ungleiches Duell, das er nicht gewinnen kann. Die Mittel, zu denen Joe greift, um seinen Willen durchzusetzen, werden immer drastischer, ebenso wie die Handlung im letzten Akt dieses irren zweieinhalbstündigen Ritts zunehmend eskaliert. Bis hin zu einem verstörenden Finale, das dann doch wieder den Kreis zum Horror schließt, auch wenn es hier der ganz reale ist. Was bleibt, ist eine weitere fulminante Darstellung von Joaquin Phoenix auf einem etwas überlangen Trip in die menschlichen Abgründe. LARS TUNÇAY

Das wildverliebte Paar Grace und Jack bezieht ein verlassenes Haus inmitten der US-amerikanischen Einöde. Es gibt ein Büro, in dem Grace ihren »großen amerikanischen Roman« schreiben kann, schwärmt Jack. In diesem neuen, an Felder und Wälder grenzenden Zuhause bekommen sie schnell ein Baby. Die Mutterrolle und die Einsamkeit entfremden Grace jedoch zusehends. Es ist heiß und anstatt zu schreiben, jagt sie wie ein Tiger durch die Felder, verbündet sich mit Wildpferden und erlegt im Nachthemd einen Hund mit einer Schrotflinte. »Auf dass wir lange leben und aussterben!«, ruft sie auf einer Familienfeier. Lynne Ramsay porträtiert mit »Die, My Love« eine postnatale Depression am Rande der Realität. Wir werden zu Komplizen von Grace’ Innenleben, die halsbrecherisch von Jennifer Lawrence gespielt wird – ein Spiel mit dem Feuer um Leben und Tod. Robert Pattinson verkörpert hingebungsvoll ihren hilflosen Partner. Die Bildgestaltung von Seamus McGarvey verbündet und verliert sich mit der Protagonistin, während eine präzise Ausstattung jedes Bild lebendig macht. Ramsey ist eine elementare, poetische Adaption des gleichnamigen Romans von Ariana Harwicz gelungen, in der kein Wort zu viel verloren wird und kein Bild zu klein gedacht. Ein großer, amerikanischer Film, den sie mit einer selbst gesungenen, herzzerreißenden A-cappella-Version von Joy Divisions »Love will tear us apart« beschließt. Greta Jebens

Technologieexperte Armando muss 1977 untertauchen und kehrt in seine Geburtsstadt Recife zurück. Dort kommt er bei Donna Sebastiana unter, die etlichen »Flüchtigen« Unterschlupf gewährt. Mit falschem Namen bekommt er einen Job auf einem Amt, freut sich darüber hinaus, endlich seinem kleinen Sohn Fernando wieder näher zu sein, der nach dem Tod der Mutter bei deren Eltern aufwächst. Aber der zwielichtige Ghirotti hat mit Armando noch eine Rechnung offen und setzt zwei Auftragskiller auf ihn an. »The Secret Agent« ist eigentlich ein klassisch aufgebauter Spannungsfilm, der immer mal wieder in den Zeiten hin- und herspringt und nach und nach auch eine Rahmenhandlung im Hier und Heute einführt. Darüber hinaus gibt es aber auch immer wieder Szenen, die man in dieser Form nicht erwarten würde und die Kleber Mendonças skurrilen Sinn für Humor ersichtlich machen. Dazu zählt bereits die Eröffnungssequenz an einer Tankstelle im Nirgendwo, vor allem aber auch eine Szene im letzten Drittel, in der das abgetrennte Bein eines Menschen wie ein comichaftes Filmmonster nachts in einem Park für Gänsehaut sorgt. In diesen Momenten ist der Film völlig unberechenbar und originell, was seinen generellen Unterhaltungsanspruch noch zusätzlich unterstreicht. Die Story und Mendonças Inszenierung überzeugen darüber hinaus – auch die Jury des Filmfestivals in Cannes, wo »The Secret Agent« mit vier Preisen ausgezeichnet wurde. Frank Brenner

Seitdem seine Mutter ins Krankenhaus eingeliefert wurde, lebt der Paketpacker Teddy mit seinem geistig eingeschränkten Cousin Dan allein im Haus. Begeistert von allerlei Verschwörungstheorien zieht Teddy den gutmütigen Dan immer tiefer in seinen Wahn. Teddy ist davon überzeugt, dass Außerirdische vom Planeten Andromeda auf der Erde gelandet sind und unerkannt Experimente an den Menschen vollziehen. Eine von ihnen, da ist sich Teddy sicher, ist Michelle, CEO eines großen Pharmakonzerns. Teddy und Dan entführen sie kurzerhand und ketten sie im Keller ihres Hauses ans Bett. Hier soll sie gestehen, dass sie ein Alien ist und Kontakt mit ihrem Mutterschiff aufnehmen. Der südkoreanische Regisseur Joon-Hwan Jang schuf 2003 mit »Save the green Planet!« eine irrwitzige, tiefschwarze Satire. 22 Jahre später ist der Irrsinn längst von der Realität überholt worden. Der äußerst produktive Lieblings-Weirdo des europäischen Kinos, Yorgos Lanthimos (»Poor Things«), inszenierte nun eine verschärfte Version des Kultklassikers, die eher Anleihen beim Horror findet, vor dem Hintergrund des Post-Corona-Amerika aber durchaus realistische Züge aufweist. Die Story bleibt an jeder Ecke überraschend und abgedreht und ist mit Emma Stone, Jesse Plemons und Aidan Delbis exzellent besetzt. Lanthimos’ Weggefährte, Kameramann Robbie Ryan, setzt sie in gewohnt berauschende Bilder. LARS TUNÇAY

Einer der allenthalben angeführten Eckpfeiler der DDR-Innenpolitik war die Gleichberechtigung von Mann und Frau. Gerd Kroske hat sich für seinen neuen Dokumentarfilm an Archivbestände des alten Leipziger Piratensenders Kanal X gemacht, in denen Frauen in typischen Männerdomänen porträtiert wurden: im Bergbau, an großen Maschinen, in Dampfloks oder Chemiewerken. Mehr als 30 Jahre später hat er sie getroffen, um mit ihnen über damals zu sprechen, natürlich auch über die Verwerfungen, die mit Wiedervereinigung, Treuhand und Privatisierung einhergingen. So entfaltet sich aus den vielen Stimmen keineswegs nur ein romantisch-ostalgisches Bild: Auch in der DDR mussten sich Frauen trotz aller staatlich verordneten Pflicht zur Arbeit (Stichwort Glucke!) gegen ihre männlichen Kollegen behaupten. Tiefe Spuren hat aber vor allem die demütigende Zeit der Wende in ihnen hinterlassen, die für viele Frauen in mehreren Entlassungswellen das Ende ihrer lange ausgeübten Tätigkeiten bedeutete. Über die persönlichen Eindrücke hinaus, die über zwei Stunden auch langatmig und redundant werden können, wären zur kritischen Einordnung indes auch Expertinnen und Experten von Vorteil gewesen, zumindest aber mehr Kontext über die tatsächlichen Begebenheiten, denn: Auch die DDR-Spitzen (fast durchgehend männlich besetzt) haben Gleichberechtigung nicht nur aus Nächstenliebe durchgesetzt. Philipp Mantze

Nach der erfolgreichen Teilnahme an der Fernsehkochshow »Top Chef« will Cécile sich in Paris ihren großen Traum vom eigenen Restaurant erfüllen. Nur eine zündende Idee für ihr »Signature Dish« fehlt noch, ein Gericht, das ihre Küche und Visionen repräsentiert. Mitten in die Vorbereitungen platzt die Nachricht, dass ihr Vater einen erneuten Herzinfarkt hatte. Und so lässt sich Cécile widerwillig überreden, in die Heimat zu fahren. Dort warten nicht nur die bissigen Kommentare ihres Vaters zu ihrem Fernsehauftritt, sondern auch ihre Jugendliebe Raphaël, der alte Gefühle in ihr weckt. Die Rückkehr aus der Großstadt in die Provinz, das Nichtvergessenhaben der ersten großen Liebe, ein Spagat zwischen neuem und altem Leben – das sind beliebte Motive in Büchern und Filmen, weil sie für viele Menschen nachvollziehbar sind. Gerade weil es ein wiederkehrendes Thema ist, überrascht die Auswahl von »Nur für einen Tag« als Eröffnungsfilm der diesjährigen Filmfestspiele in Cannes. Es ist das Langspiel-Debüt der Regisseurin Amélie Bonnin, die die Geschichte eines Kurzfilms wieder aufnimmt, für den sie 2023 mit einem César ausgezeichnet wurde. Viel Neues bietet der Film nicht, bleibt auch in den sozialen Beziehungen recht konservativ. Einzig die mehr oder minder professionellen Musical-Einlagen lockern die ansonsten konventionelle Erzählweise charmant auf. Hanne Biermann

Ein richtig gutes Drehbuch ist Gold wert. Casper hat so eins quasi nebenbei geschrieben: Über einen Virus, der von dem alten Bond-Bösewicht Blofeld stammt und der alle Tiere unfruchtbar macht. Problem: Den unvorhergesehenen Erfolg damit heimst seine Ex-Freundin Justine ein, die sich das Skript offenbar unter den Nagel gerissen hat und zum Beispiel auf dem Filmfestival in Island einen Preis abräumt. Der Film begleitet das lakonische Duo Casper und seinen Kumpel Max auf der Suche nach der Ex mit dem Text und der Wahrheit. Dabei verfolgen die beiden die Spur bis nach Hollywood, geben sich selbst als Journalisten aus, leben bei Justines Tante, treffen Stars, Performance-Künstler und US-Normalos und geraten in eine Mordserie, die mit dem Film zusammenhängt. Die Handlung ist aber (leider) fast Nebensache, das Independent-Drama besticht eher durch seine teils skurrilen Figuren, Ideen und Dialoge, die manchmal wie Karikaturen von Interaktionen anmuten. Da muss auch mal Ponys der Popo geputzt werden. Zu dieser Gesamt-Tonalität, die in vielem leise gegen den Kino-Mainstream anspielt und Seitenhiebe gegen den Zeitgeist austeilt, gesellt sich auch eine ebenso abstrakte, aber passende Filmmusik. Das alles reicht für einen sympathischen, andersartigen Film. Zu einem wirklich herausragenden fehlt dann aber doch: ein richtig gutes Drehbuch. Markus Gärtner

Kafka-Verfilmungen liegen im Trend. Allein letztes Jahr widmeten sich eine ganze Serie sowie der Kinofilm »Die Herrlichkeit des Lebens« dem Ausnahmeschriftsteller. Nun also »Franz K.«, der gerade erst beim Toronto International Film Festival (TIFF) Premiere feierte. So viel gleich vorweg: Für einen Erstkontakt mit Kafka ist der Film eher weniger geeignet. Regisseurin Agnieszka Holland arbeitet voraussetzungsreich. Immer wieder springt sie durch Kafkas Leben. Setzt gewagte Schnitte, nicht nur in der Biografie des Schriftstellers, sondern weit darüber hinaus. Kafka – das sind bei Holland der Autor, seine Texte, aber auch der Nachruhm, seine Familie und die inzwischen legendäre Geschichte, wie Kafkas Freund Max Brod seine Schriften aus dem von Nazis besetzten Prag schmuggelte. »Franz K.« mischt Spielfilmszenen mit dokumentarischen Aufnahmen von heute, etwa aus dem Inneren des Kafka-Museums. Mitunter wenden sich Figuren direkt an das Publikum, erklären ihre Perspektive auf den Freund, den Ehemann, den Sohn. Auch dessen Texte werden bebildert. Manchmal in besonders drastischen Details. Das Ganze ist ein gewaltiges Unterfangen und letztlich bleibt es vieles schuldig. Zu hastig sind die biografischen Szenen inszeniert. Zu überladen wirkt der zeitliche Rahmen. Immerhin die Schauspieler überzeugen. Im Zentrum Idan Weiss als ein bleicher, hochsensibler Kafka und Peter Kurth als sein jähzorniger, verständnisloser Vater. Josef Braun

April 1945: Die Russen stehen vor den Toren Berlins und das Dritte Reich wird bald Geschichte sein. Auch auf Amrum sind viele Menschen insgeheim froh, doch noch haben auf der Nordseeinsel die Hitler-Getreuen die Oberhand und man muss vorsichtig sein, was man sagt. Der 12-jährige Nanning lebt erst seit Kurzem hier, nachdem er mit seiner Mutter Hille und den Geschwistern nach dem Angriff der Alliierten von Hamburg ins alte Familienhaus geflüchtet ist, in dem man nun mit der Tante lebt, während der Nazi-Vater in Gefangenschaft geraten ist. Allmählich werden jedoch die Lebensmittel knapp und als die Nachricht eintrudelt, dass der Führer tot ist, versinkt die schwangere Hille in tiefer Depression. Als sie irgendwann zumindest nach einem Weißbrot mit Butter und Honig verlangt, will Nanning ihr diesen Wunsch mit allerlei Tauschgeschäften erfüllen. Ursprünglich sollte »Amrum« das letzte Werk von Regisseur und Schauspieler Hark Bohm werden. Weil der Über-Achtzigjährige gesundheitlich aber nicht mehr fit genug war, übernahm sein Freund Fatih Akin für ihn die Adaption seiner Jugenderinnerungen. Mit kindlichem Blickwinkel, prallen Inselbildern und trotz des ernsten Hintergrunds manch humorvoller Note ist dem Ersatzmann ein schöner Coming-of-Age-Film geglückt, der es schafft, der im Kino inzwischen doch sehr umfassend behandelten Zweiter-Weltkriegs-Thematik tatsächlich noch neue Nuancen abzugewinnen. Peter Hoch

Michi ist jung gestorben. Seine vier besten Freunde wollen ihm seinen letzten Wunsch erfüllen und seine Asche in den Bergen verstreuen. Auf der Fahrt dorthin haben die vier einen Autounfall – und finden sich im Jenseits wieder. Dieses ist genauso aufgebaut wie jedes andere deutsche Amt. Nummer ziehen, Anmeldevorgang starten und beim entsprechenden Sachbearbeiter vorstellig werden – je nach Glaubensrichtung im Leben. Resi versucht, als Atheistin den Eintritt ins Nichts hinauszuzögern, indem sie sich dem Hausmeister als Praktikantin anbietet, Sophie möchte in den AGBs erst mal das Kleingedruckte lesen und Fipsi wird kurzerhand zum Buddhisten. Mel ist mal da, dann wieder weg, weil man im Diesseits noch verzweifelt versucht, sie wiederzubeleben. Für sein Langfilmdebüt hat sich Julius Grimm eine bitterböse schwarze Komödie ausgedacht, die für alle mit eigenen Behördenerfahrungen jede Menge Wiedererkennungsmomente liefern dürfte. Vielleicht sitzt nicht jeder Gag, und insgesamt ist »Zweigstelle« mehr Schmunzelkomödie als Schenkelklopfer, aber das spielfreudige Ensemble garantiert, dass man sich anderthalb Stunden kurzweilig unterhalten kann. Das Drehbuch ist gleichermaßen originell wie unberechenbar, so dass man mit viel Einfallsreichtum und zahlreichen netten Anspielungen durch dieses absurde Jenseits geleitet wird, in dem altbekannte Abläufe herrlich schwarzhumorig überhöht werden. Frank Brenner

Die Karriere von Dwayne Johnson ist schon ziemlich bemerkenswert. Als »The Rock« stand der Wrestler jahrelang im Ring der WWE. Als Schauspieler ist er seit zwei Jahrzehnten Garant für große Boxoffice-Erfolge – mit Hits wie der »Fast & Furious«-Reihe, »Scorpion King« oder »Jumanji« allerdings ausschließlich im Popcornkino. Unter der Regie von Benny Safdie (»Der schwarze Diamant«), der hier erstmals ohne seinen Bruder Josh antritt, soll nun der Wechsel ins Charakterfach gelingen, und dafür knüpft Johnson, der den Film auch produzierte, dort an, wo er sich heimisch fühlt. Er spielt Mark Kerr, einen der Pioniere der UFC (Ultimate Fighting Championship), die Mixed-Martial-Arts, also unterschiedliche Kampfstile, in einem Ring vereint. In den frühen Neunzigern ist Mark ein aufstrebender Wrestler, der sich in Japan gegen Boxer und Karatekämpfer aus aller Welt behauptet. Der sanftmütige Hüne gilt als der ungeschlagene Champion im Ring, doch er droht zunehmend den Kampf gegen seine Sucht nach Opiaten zu verlieren. Hinzu kommt die komplizierte Beziehung zu Dawn, die ihn irgendwann mit einer Überdosis am Boden ihrer Wohnung findet. Mark macht einen Entzug und versucht sich zurück in den Ring zu kämpfen. Johnson verkörpert das überzeugend und mit beeindruckender physischer Präsenz. Die Geschichte liegt ihm persönlich am Herzen, das ist deutlich. Allerdings ist »The Smashing Machine« abseits der mitreißenden Kampfsequenzen äußerst konventionell erzählt. LARS TUNÇAY

Die 12-jährige Karla taucht mitten in der Nacht in einer Polizeiwache auf und verlangt einen Richter zu sprechen. Sie möchte Anzeige erstatten – gegen ihren Vater. Er soll sich ihr »unsittlich genähert« haben. Heute würde die selbstbewusste Aussage des Mädchens einen Apparat aus Fürsorge und Schutz in Gang setzen. Im Westen Deutschlands des Jahres 1962 sind die Beamten hingegen kurz davor, das Kind wieder zurück zu seinen Eltern zu schicken. Obwohl sein berufliches Ansehen auf dem Spiel steht, übernimmt Richter Lamy schließlich den Fall und hört Karla zu. Was er erfährt, erschüttert nicht nur ihn. Mit Feingefühl inszenieren Regisseurin Christina Tournatzẽs und Autorin Yvonne Görlach in ihrem gemeinsamen Film das Unaussprechliche. Obwohl es sich bei »Karla« um ihr Spielfilmdebüt handelt, erzählen sie die auf wahren Begebenheiten basierende Geschichte eines couragierten Mädchens und eines engagierten Richters versiert und verzichten auf emotional dick aufgetragene Momente. Der intime, einfühlsame Film ist ein konzentriertes Zwei-Personen-Stück, das vom starken Spiel des Charakterdarstellers Rainer Bock und der jungen Elise Krieps lebt. Besonders die junge Hauptdarstellerin, Tochter der Schauspielerin Vicky Krieps und hier in ihrer ersten Hauptrolle vor der Kamera, beeindruckt mit ihrer eindringlichen Stärke. Ein Film, der lange nachwirkt. LARS TUNÇAY

In den 1930ern arbeitet die Dresdnerin Maria Reiche als Lehrerin in Lima. Hier lebt sie fern der missbilligenden Eltern und der im Faschismus versinkenden Heimat mit ihrer amerikanischen Lebensgefährtin Amy, die in Perus Hauptstadt ein Kosmopoliten-Café betreibt. Zufällig gerät sie dort an den Archäologen Paul D’Harcourt, der sie bittet, für ihn in der Wüste nahe der Kleinstadt Nazca Aufzeichnungen eines deutschen Kollegen zu übersetzen, der vor ihm dort geforscht hatte. Im steinigen Boden vermutet der Franzose eine uralte Bewässerungsanlage, wobei er vor allem Interesse daran hat, mögliche Fundstücke an Museen zu verkaufen. Reiche ist jedoch schnell anderweitig interessiert und stellt anhand der verfügbaren Daten fest, dass die riesigen Furchensysteme im Boden mehr sein könnten, als es für alle anderen den Anschein hat. Regisseur Damien Dorsaz hatte die 1998 verstorbene Maria Reiche, die in Peru dank ihrer Bemühungen um die präkolumbianische Kultur heute wie eine Heilige verehrt wird, in den Jahren vor ihrem Tod noch persönlich kennengelernt. 2006 drehte er bereits eine Dokumentation über sie. Mit diesem Spielfilm setzt er ihr nun auch ein (bisweilen etwas zu stark) fiktionalisiertes Denkmal. Das beeindruckt vor allem durch seine von Devrim Lingnau (»Die Kaiserin«) bravourös verkörperte starke Frauenfigur und fördert durchaus Erhellendes über die ebenso monumentalen wie mysteriösen Nazca-Linien zutage. Peter Hoch

Charlotte, Königin von Preußen, sehnt sich nach einem Porträt ihres ehemaligen Lehrers Gottfried Wilhelm Leibniz. Dieser möchte ihrer Bitte gern nachkommen, doch stellt sich schnell heraus, dass stundenlanges Stillstehen zu eintönig für den Leipziger Universalgelehrten ist. Anstatt während der Porträtsitzung andächtig den dargebotenen Flötentönen zu lauschen, entfacht Leibniz eine leidenschaftliche Debatte über Kunst und Abbilder.
In Grund und Boden philosophiert, zieht der Maler Delalandre schon bald frustriert davon. Als Ersatzmalerin wird Aaltje Van De Meer engagiert, die sich zunächst als Mann ausgibt, um das Vertrauen des Denkers zu gewinnen. Eine unnötige Vorsichtsmaßnahme, genießt Leibniz doch den intellektuellen Austausch mit der jungen Künstlerin. In seinem neuen Film ergießt der inzwischen 92-jährige Regisseur Edgar Reitz (in Co-Regie mit Anatol Schuster) eine wahre Flut an Theorien und Gedanken über die Zuschauer, die Edgar Selge als Leibniz beeindruckend nuanciert vorträgt. Während die Kulisse aufs Wesentliche reduziert ist, hat jedes Wort Tiefgang. Sobald man sich auf diese Dialoglastigkeit einlässt, entfaltet der Film einen eigenwilligen Sog, der unweigerlich zum Nachdenken anregt. Nur das zentrale Motiv des verehrten männlichen Genies, dem Frauen vor allem als Stichwortgeberinnen dienen, wirkt am Ende dann doch spürbar überholt. Hanne Biermann

Obwohl Remo die Zügel in der Hand hat, ist er nicht Herr seines eigenen Lebens. Für Mafiaboss Sirena ist der Jockey eine Investition. Er soll das Edelpferd zügig ins Ziel bringen und zwischen den Rennen bestenfalls keinen Ärger machen. Doch Remo wird zunehmend unzuverlässiger und verliert sich im Ketamin- und Alkoholrausch. Das belastet auch seine Beziehung zu Abril, die ebenfalls im Rennstall von Sirena startet. Bei einem Unfall landet Remo auf dem Kopf und im Krankenhaus, das er aber schon bald ebenso wie sein bisheriges Leben hinter sich lässt. Obwohl sich das nicht unbedingt liest wie der Stoff für eine Komödie, ist Luis Ortegas »The Jockey« zunächst genau das: rabenschwarz und unberechenbar. Die absurden Szenen und Ideen, die der argentinische Autor und Regisseur auf den Zuschauer loslässt, sind irrwitzig. In der zweiten Hälfte lässt der Strom der Situationskomik dann nach und gibt einer tieferen Identitätssuche Raum. Auch wenn das nicht gänzlich aufgeht, ist »Kill the Jockey« ein mutiger, visuell aufregender und höchst unterhaltsamer Trip, der sich jeder Einordnung selbstbewusst entzieht. Nahuel Pérez Biscayart (»120 BPM«) als Jockey bringt eine herrlich körperliche Komik in seine Rolle und seine Tanzdarbietung mit Úrsula Corberó (»Haus des Geldes«) ist schon jetzt eine der Szenen des Kinojahres. Lars Tunçay

Es ist nicht lange her, dass Mohammad Rasoulof mit »Die Saat des heiligen Feigenbaums« einen packenden Film über die Proteste im Iran drehte. »The Witness« von Regisseur Nader Saeivar schließt thematisch nahtlos an Rasoulofs Werk an. Wieder geht es um die aktuelle Situation im Iran, um das politische System und den Preis, den Einzelne zahlen, sobald sie versuchen, sich gegen das Mullah-Regime zu stellen. Protagonistin ist Tarlan Ghorbani: Geschichtslehrerin, Gewerkschaftsführerin und Ziehmutter einer jungen Frau namens Zara. Zara besitzt ein Tanzstudio. Doch ihr Ehemann, ein Funktionär in iranischen Regierungskreisen, möchte, dass sie zu Hause bleibt. Immer wieder schlägt er seine Frau. Dann eskaliert die Situation. Zufällig beobachtet Tarlan, wie Zara von ihrem Mann ermordet wird. Was folgt, ist ein Justizthriller. Doch anders als sonst in diesem Genre gibt es hier keine Hoffnung auf Gerechtigkeit. Der Täter gehört zum System. Er ist unantastbar. Die Frage, die die Zuschauenden stattdessen umtreibt, ist, wie weit wird Tarlan gehen? Wie viel kann sie opfern? Cannes-Gewinner Jafar Panahi hat bei »The Witness« am Drehbuch mitgeschrieben. Auch am Schnitt war er beteiligt. Schauspielerin Maryam Boubani liefert in der Hauptrolle eine beeindruckende Performance. Oft genügt ihr ein Blick, ein Senken der Schulter, um die ganze Last ihres Kampfes spürbar zu machen. »The Witness« ist spannendes Kino, moralisch, mit einem sehr überraschenden Schluss. Josef Braun

»Du bist der Allerletzte!« Was man als Mann bei fatalem Fehlverhalten zu hören bekommen kann, ist für den Weltraum-Nuklearmüllfahrer Andriy Melnyk bittere Real(l)ität: Er ist nämlich tatsächlich der letzte Mensch, und dazu noch im All. Die Erde ist explodiert. Der leicht mürrische, aber liebenswerte Astronaut sollte eigentlich radioaktiven Abfall beim Jupitermond Callisto abladen, gerät aber stattdessen in eine wahrlich existenzielle Krise. Die so richtig offenbar wird, als er sich als vermeintlicher Piratensender-Moderator selbst interviewt. Ihm zur Seite steht der lakonische Roboter Maxim, der ihn nervt, aber mit einem überschaubaren Gag-Repertoire auch unterstützt. Die ausweglose Lage erhält plötzlich etwas Sonne, denn – oh, Là là – die französische Meteorologin Catherine ist auch noch da, gleich beim Saturn. Klar, was das neue Ziel ist. So nähern sich die beiden Isolierten über Millionen Kilometer Entfernung und Zeitverzögerung an, bis der Twist gleich mehrfach reinkracht wie ein Meteoritenregen. Regisseur Pavlo Ostrikov fokussiert sich auf das (Zwischen-)Menschliche, auch zwischen Mensch und Maschine, das durch seinen meist einzigen Protagonisten aus Fleisch und Unperfektheit perfekt umgesetzt wird. Ein Film, der in den unendlichen Weiten viele kleine leuchtende Momente schafft – und am Ende auch einen ganz großen. Markus Gärtner

Eine vietnamesische Kohlemine um das Jahr 2000 herum: Viet und Nam arbeiten dort als Bergleute und haben sich ineinander verliebt. Die Arbeitspausen nutzen sie gern, um in den leer stehenden Stollen ein Schäferstündchen abzuhalten. Nam lebt noch bei seiner Mutter Hoa, deren Mann seit dem Vietnamkrieg verschollen ist. Da er ihr zunehmend in Träumen erscheint und sie glaubt, dass er noch am Leben ist, macht sie sich mit den beiden Liebenden und dem Kriegsveteran Ba im Dschungel auf die Suche nach ihm, der seinen Sohn niemals kennengelernt hat. Seit seiner Weltpremiere bei den letztjährigen Filmfestspielen von Cannes hat Truong Minh Quýs (»The Tree House«) dritter Langfilm »Viet und Nam« eine opulente Festivalkarriere hinter sich. Er gewann zahlreiche Preise. Die meditativ-kunstvolle Vergangenheitsbewältigung erinnert atmosphärisch mitunter an die Arbeiten des Thailänders Apichatpong Weerasethakul (»Tropical Malady«) oder die queeren Werke des Mexikaners Julián Hernández (»Dämonen der Dämmerung«). Transzendentale Elemente beeinflussen hier wie dort das Geschehen und prägen das Erzähltempo. Dialoge werden zur Nebensache, stattdessen entfaltet der Regisseur Bilder von unglaublicher Sinnlichkeit und Erotik. Das erfordert eine gewisse Aufgeschlossenheit und Geduld beim Publikum, das sich dann aber von den geschickt konzipierten Szenen verzaubern lassen kann. Frank Brenner

»Miroirs No. 3« wirkt wie ein alter Bekannter. Die Motive und Themen tauchen variierend in beinahe allen von Christian Petzolds Filmen auf: Verlust und das Ausfüllen der Leerstellen, das Leben mit Geheimnissen und die scheinbare Unmöglichkeit harmonischer Beziehungen. Auch hier setzt er auf seine Trademarks und etabliertes Stammpersonal. Der aus Ravels impressionistischem Klavierzyklus entnommene Titel bildet den Rahmen, den Petzold in Bilder rückübersetzt hat. »Une barque sur l’océan« heißt das Stück weiter, das rettende Boot, auf dem Schiffbrüchige Zuflucht finden. Laura und Betty (Paula Beer und Barbara Auer) werden durch das Schicksal zusammengeführt. Die Klavierstudentin Laura ist todunglücklich, beinahe todessehnsüchtig. Und auch über der Familie Bettys liegt ein tiefer Schatten. Auf einer Autofahrt trifft sich ihr Blick zweimal, ungläubig vertraut. Kurz darauf verunglückt das Auto, Lauras Freund stirbt und sie kommt in Bettys Obhut. Die offenkundige Harmonie, die sich zwischen den beiden auftut, sie aufblühen lässt und sich schließlich auch auf das entfremdete Gespann von Vater und Sohn (Matthias Brandt und Enno Trebs) überträgt, überdeckt ein für alle Zuschauer schon früh offensichtliches Geheimnis, um das es Petzold aber gar nicht vordergründig geht. Wichtiger ist, was die Begegnung mit den Leben der Einzelnen auf unausgesprochene, beinahe mystische Weise tut. Philipp Mantze