Rezensionen

Rastlos ist der Rhythmus, elektronische Blitze zucken auf. Unaufhaltsam winden sich Gitarrenklänge in den Schallrausch. Joachim »Jo« Wespel aka Beatdenker (u. a. Zur Schönen Aussicht), Christian Weber (u. a. schon Teil des Michael-Wollny-Trios gewesen) und Alfred Vogel (u. a. How Noisy are the Rooms?) wuchten nach ihrer ersten gemeinsamen Improvisation, »Oh Yeah!!!«, nun den gut 43-minütigen Track »Oh No!!!« in die Welt. Das Trio aus Deutschland, Österreich und der Schweiz überzeugt mit einer durchgehenden Strahlkraft, einer nicht zu bändigenden Energie, die (auch) durch die Aufnahme pulsiert. Webers Bass ist unberechenbar, Vogels Schlagzeug ganz ungestüm und dazu rauschen Wespels elektronische Samples – mal Floskeln aus Lauten oder Melodien. Insbesondere Letztere schweben über dem Zusammenspiel, sie wandeln sich von geräuschvoller Wirrnis zur eindringlichen Tonfolge und umgekehrt. Letztlich sind Satt die Summe ihrer drei Einzelteile, die sich immer wieder neu aneinandermorphen. Fasziniert, vielleicht manchmal verdutzt, hört man sich so in das bewegende Klangkaleidoskop ein. Ein besseres Fazit gibt die warme Stimme eines der Samples, das an dieser Stelle fast schon gespenstisch wirkt, zwischen den reibenden und treibenden Tönen: »A-A-Amazing!« Claudia Helmert

Bei einem Auftritt von Dk.dando an einem wunderschönen Spätsommertag in der Kolonnadenstraße bohrte sich die Hook von »Alles Touristen« in mein Gedächtnis. Mittlerweile befinden wir uns im tiefsten Winter, der Ohrwurm ist nach wie vor da – und die Erwartungen an das elfte Release der beiden Leipziger wurden noch übertroffen: Das Album wird mit dem besagten Dancetrack und der titelgebenden Thematik des Tourists im eigenen Leben eröffnet. Von Anfang an sind die verkopften Texte von Dando sowie die Distanz zum geliebten Leipzig auffällig. So wird auf einem dystopischen Lofi-Beat Klein-Paris zu Babylon, dann kopfnickend über bösartige menschliche Wesenszüge »Am besten gelacht« und mal schwermütig, mal beschwingt über die überlastete Leistungsgesellschaft, die Umstände in den neuen Bundesländern, den zerstörerischen Kapitalismus und wie man sich darin wiederfindet, berichtet. Dass das Album mit der Geschichte einer Freundschaft sowie dem einzigen Feature – M der Ninja – endet, gleicht der Befreiung aus dieser belastenden Welt. Musikalisch fehlt es dem ausschließlich von D.K.denz produzierten Album an nichts. Die experimentierfreudigen Beats resultieren mithilfe von tiefen Cello-Melodien, eingesprochenen Nietzsche-Aphorismen, einem Kinderchor und den zum Nachdenken anregenden Lyrics in ein einzigartiges Album, in dem man sich leicht verlieren kann. Christian Boeddener

»There is no Yin without Yang and no Yang without Yin.« – Das niederländische Quartett Yīn Yīn eröffnet sein neues Album mit fernöstlicher Philosophie. Das Sprachsample und die einsetzenden Grooves erinnern an Public Service Broadcasting – und das soll nicht die letzte Referenz des zitatreichen Sounds ihres vierten Albums sein. In gerade mal sechs Jahren hat sich die Formation aus Maastricht einen bemerkenswerten Referenzspielraum erschlossen. Es mag abgegriffen klingen, das Klischee des Angekommenseins, und Yīn Yīn sind sicher nicht die erste Band, die ihr neuestes Werk als ihr bestes bezeichnet. Aber der Name »Yatta!« (japanisch für »Wir haben es geschafft«) passt. Die vier nehmen sich selbst zum ersten Mal als professionelle Band wahr. Als solche gingen sie gemeinsam ins Studio und spielten die elf Stücke live ein. Das Ergebnis ist pure Spielfreude. Gerade bei dem Groovemonster »Spirit Adapter«, das als einziges Stück durch den entrückten Falsettgesang von Bassist Remy Scheren bereichert wird, könnte man fast denken, dass Daft Punk in meinem Haus spielen. »Lecker Song« wiederum dreht die Wahrnehmung dann kurz darauf in Richtung Spaghetti-Western. Dann klingt »Night in Taipei« wieder wie die Musik zu einem chinesischen Technicolor-Film der Goldenen Sechziger. Als Soundtrack für einen Edgar-Wallace-Streifen würde die Musik von Yīn Yīn auch gut taugen. Neben fernöstlicher Psychedelik erinnert das Ganze sehr an Khruangbin. Die Gitarre übernimmt die Lead-Stimme, ist aber nicht so dominant wie bei den Texanern. Das Zusammenspiel ist tight, der Groove sitzt. Lars Tunçay

Ein hektisch ausschlagender, dabei genauso diszipliniert punk-funky zuckender wie Zeitklangzonen durchschneidender No-Wave-Blitz trifft mich direkt ins vergnügt springende Herz und reißt (zumindest potenziell) den Körper mit. So erlebt zuletzt im Hitness Club und nun nachklingend nachvollziehbar auf Tonträgern, deren Magnetband-Version beim Leipziger Kassettenlabel U-Bac erschien. Atol Atol Atol aus Wrocław sind dabei jedoch nicht die Summe zerhackter und verquirlter Referenzen, sondern ein elektrisierender Eigensoundbastard, der dynamisch drängt und teils sogar dubby den Raum auslotet. Als Favoriten meines Hier und Jetzt können sie aber zudem anregen, Post-Punk-Sedimente aufzuwirbeln, vor Ort von Klaus Mitffoch bis Kurws, wo es personell Bezug gibt, sowie im Keller der Subkultur-Historie: James Chance, Devo, The Ex, Dog Faced Hermans ... Eine Leitlinie der Lieblinge, die hoffentlich verleitet. Alexander Pehlemann

Jacob Allen aka Puma Blue legt mit »Croak Dream« bereits sein zweites Album innerhalb eines Jahres vor. Bei der neuen Platte sei es ihm ein Anliegen gewesen, ausgetretene Pfade zu verlassen und auszuloten, wie weit er sich von seinem etablierten Sound lösen könne. Abhilfe schaffen sollen dabei Jungle-Drum-Beats und verschleppte, mit warmen Bässen angereicherte Trip-Hop-Grundgerüste. Die Zusammenführung der Stile geht in Anbetracht des einnehmenden Sounds auf, wie beispielsweise auf dem Highlight »Heaven above, Hell below« und im atmosphärisch beeindruckenden Finale von »(Fool)«. Das Saxofon, das sich im letzten Drittel zart an den Gesang anschmiegt, verleiht dem Song mit nur wenigen Tönen emotionale Tiefe. Am deutlichsten sind die elektronischen Einflüsse auf »Jaded« zu hören, das sich voll und ganz auf seinen treibenden Beat konzentriert. Auch hier überzeugt der Sound des Titels, nichts klingt gekünstelt, aber da sich der Song noch mal einen Schritt weiter von Puma Blues warmem Downtempo-Pop entfernt, wirkt er verloren unter den restlichen Songs. Der Titeltrack ist eine ausgewalzte Radiohead-Hommage und völlig überflüssig, weil Puma Blue es gar nicht nötig hat, sich derart offensichtlich anzubiedern. An und für sich bieten fast alle Titel genug Anreize, sich eingehend mit ihnen zu beschäftigen, im Albumkontext sind sie aber gleichzeitig in ihrer Struktur zu uniform und in ihren Klangexperimenten zu uneinheitlich, um ein großes Ganzes zu ergeben. Der Drang zum Experimentieren steht Puma Blue aber gut und lässt auf einen großen Wurf beim nächsten Album hoffen. Jakob Semmer

Die Musikgeschichte hat uns schon so manches gelehrt. Etwa, dass sogenannte Supergroups längst nicht immer Supermusik spielen. Das musste das geneigte Publikum in den vergangenen Jahrzehnten anhand der Veröffentlichungen von Bands wie Rock Star Supernova, Asia oder Hollywood Vampires auf mitunter schmerzvolle Weise erfahren. Nun schickt sich anno 2026 mit The Morning Stars eine neue Formation an, den ramponierten Ruf der Supergroup wieder in Ordnung zu bringen. Teil des Quartetts sind neben Sängerin und Keyboarderin Barbara Morgenstern Felix Müller Wrobel (Kante, Sport), Alex Paulick (Kreidler) und Sebastian Vogel (Britta, Kante). Musikalisch bewegen sich The Morning Stars im sphärischen Post-Rock-Bereich. Manchmal werden dabei Erinnerungen wach an die Schotten von Mogwai, in anderen Momenten grüßen Bands wie Stereolab oder The Sea and Cake – beileibe also nicht die schlechtesten Referenzen! Doch anders als den genannten Bands fehlt es der Berliner Band an guten Songs. Dass ihre Mitglieder imstande sind, diese zu schreiben, haben sie mit ihren anderen Projekten zur Genüge bewiesen. So drängt sich der Verdacht auf, dass The Morning Stars als Resterampe annehmbarer, aber eben nicht zwingender Songs herhalten musste. Früher hätte man Stücke wie »Can’t stand up«, »Like this« oder »Chainsaw Fiddle« mutmaßlich als B-Seite einer Single verwurschtet. Aber B-Seiten braucht in Zeiten digitaler Musikfluten nun wirklich keiner mehr. Luca Glenzer

Sie hätten auch eine Platte voller gefälliger Hits schreiben können. Man hört es während des Openers »Es bringt mir nichts«, glasklar wird es spätestens bei Track vier, »Mit mir schläfst du«. Nach dessen bitter-wahren Strophen – die auf simplen, repetitiven Riffs genug Raum kriegen, um wehzutun – möchte man sich in die Katharsis des Refrains fallen lassen: »Du kumpelst ab mit allen, aber mit mir schläfst du!«, wird anklagend und befreiend gerufen, aber dann kommt diese experimentell-jazzige Einlage, kurz vor Schluss. Die Band hat offensichtlich kein Problem damit, ein bisschen sperrig zu werden, und »Immer alles gleichzeitig« klingt, als hätten sie diesbezüglich mit Moses Schneider den idealen Produzenten gefunden. Angeblich galt während der Aufnahmen striktes Hall- und Overdubverbot, weswegen das Album deutlich trockener, nahbarer und organischer klingt als sein Vorgänger »Es schmeckt nicht«. Inhaltlich gibt »Immer alles gleichzeitig« einen soliden Überblick über das, was gerade so los ist. Leistungsdruck im Spätkapitalismus, Klimakrise, Rechtsruck und daneben noch die privaten Baustellen. Alle Bandmitglieder haben eigene Textanteile geschrieben und eingesungen, was zur gefühlten Nähe der Titel beiträgt und gleichzeitig der hart besungenen Realität den Fatalismus nimmt. Deswegen, und wegen der schlagkräftigen Keyboard-Bass-Kombi, kann man trotz allem gut zu »Immer alles gleichzeitig« tanzen. Laura Gerlach

Das starke Summen durchdringt, flirrt und schliert mit der Violinenmelodie bis in höchste Höhen. Zartfüßig lockt das erste Stück »Of Years Past« ins neue Album von Kaja Drakslers Oktett. Dieses Mal inspirierte die gebürtige Slowenin die Poesie des japanischen Haikumeisters Matsuo Bashō (1644–1694). Wie auch seine Worte besticht die Musik mit vermeintlich klaren, einfachen Versen und bisweilen rätselhaften Beobachtungen. Es ist eine Leichtigkeit, in die komplexen Klangdimensionen abzutauchen, sich in dem herrlichen und durchgehend von Energie triefenden Zusammenspiel des Ensembles zu verlieren. Neben der Pianistin, Komponistin und Improvisatorin betören so insbesondere Laura Polence und Björk Nielsdóttir mit ihren erfüllenden Stimmen. Ihnen gelingen sowohl die besonders fragilen Gesangsparts als auch der hypnotisch repetitive Sprechgesang, wie etwa im Stück »Autumn Eve« – stets wohnt den beiden ein Zauber inne. Gemeinsam mit Ab Baars (Tenorsaxofon, Klarinette und Shakuhachi, eine japanische Flöte), Ada Rave (Tenorsaxofon und Klarinette), George Dumitriu (Violine und Viola), Lennart Heyndels (Kontrabass) sowie Onno Govaert (Drums und Perkussion) schmelzen Gedanken an traditionelle japanische Musik und zerfließen in hinreißender Pracht barocker Lieder, wie etwa in dem starken Stück »Flimsy Curtain«. Mit kühlen, melancholischen Klangfarben erschüttert auch das letzte Stück »Has it returned« auf eine besondere Weise. Auch die dritte Veröffentlichung des Oktetts ist ganz und gar umwerfend! Claudia Helmert

Seit 35 Jahren schraubt und schreddert die deutsche Indie-Institution um die Brüder Micha und Markus Acher nun schon an immer neuen Songideen. Dabei haben sie diesen ganz eigenen Notwist-Sound geprägt, eine Mischung aus Elektronik und Melancholie, die in den 13 Tracks auf »Magnificent Fall« allgegenwärtig ist. Hinzu kommen Jazz-Grooves und Spurenelemente des Krautrock, Anleihen an frühe kosmische Musik. Der gitarrenverstärkte Noiserock bleibt hier außen vor. In einigen Momenten ist die Handschrift von Martin »Console« Gretschmann unüberhörbar, der die Band 2014 verlassen hat – die Compilation besteht aus verschiedenen Sonderveröffentlichungen, darunter EPs, Splits und limitierte Singles seit 2002, sowie einigen bisher unveröffentlichten Stücken. Hinzu kommen drei Remixe der Wegbegleiter Odd Nostam (»13 & God«) sowie von Ada und Grizzly Bear. Das könnte als ideenlose Resteverwertung einer Band, der nichts mehr einfällt, verstanden werden, aber nicht hier: The Notwist begreifen »Magnificent Fall« als »Schatten-Album«, eine alternative Realität, und bei allen Einzelteilen lässt sich dieses Herbstalbum auch wunderbar als Gesamtwerk hören. Zudem kann von Ideenmangel nicht die Rede sein – The Notwist sind quicklebendig: Für März steht mit »News from Planet Zombie« bereits das nächste, zehnte Studioalbum an. Lars Tunçay

Für alle Partymäuse der Welt, die im Irrtum leben, am 23. Januar 2026 ein Fest voller treibender Tracks von PVA in Vinylform in die Ohren eingespritzt zu bekommen, sage ich nur: Achtung, träumt nicht zu tanzlustig! Drei Jahre nach »Blush«, dem Debütalbum des Londoner Trios, das der Welt zeigte, wie Acid mit Disco, viszeralen Synthesizern und postpunkigem Sprechgesang klingt, hofften viele, auf dem nächsten Album eine höhere Stufe der Elektroexplosion zu erleben. Die Realität sieht jedoch anders aus. PVA sind offensichtlich des Raves müde. Schließlich tourt die Band seit mindestens vier Jahren mit »Blush« um die Welt. Auch vom Label Ninja Tune hat sie sich getrennt, um nun eine Platte zu veröffentlichen, die mehr über ihren inneren Zustand preisgibt. Auf dem zweiten Langspieler verewigen PVA eigenständig einen sphärischeren, dunkleren und eher intimen Sound. Die zehn Songs sind näher an Pop oder Trip-Hop als am Dancefloor. Sie erinnern an Musik von Tricky oder Massive Attack – voller sinnlicher weiblicher Gesänge, umgeben von synthetischen und verzerrten Klangteppichen. Sie tragen eine Stille in sich, die viel Raum für den Gesang von Ella Harris schafft. Ihre Stimme surft auf Reverb- und Delay-Wellen und flüstert Zeilen wie: »My Jaw drops / Your Claws hit / To the Fat of my Cheek / You take a Bite.« Sensuell, schwermütig und somatisch klingt sie zu hypnotischen Synthesizern und gedämpften perkussiven Elementen, die die Party auf dem fernen Dancefloor erahnen lassen – und in Tracks wie »Send« kurz in den Vordergrund rücken, um dann wieder zu verschwinden. Es ist klar: PVA leben jetzt im Afterparty-Modus. Sind etwa die fetten Jahre schon vorbei? Libia Caballero Bastidas

Auf dem dritten Langspieler des Quartetts aus Südlondon setzen sich Überforderung, Angst und gesellschaftlicher Druck unmittelbar im eigenen Körper fest. Stress bleibt hier nicht abstrakt, sondern schlägt direkt auf Haut, Gliedmaßen und Organe durch. Die Augen werden bei einem Bootstrip verbrannt, Blut taucht auf Haut, in den Augen und unter den Nägeln auf (»Blood«). »I constantly think there are Spiders on me and around me«, resümiert Frontfrau Florence Shaw in »Let me grow and You’ll see the Fruit«. »Evil Evil Idiot« zeigt einen Körper, der vorzeitig verbraucht ist. Der Genuss von verbranntem Essen steht hier neben Verfall und Kontaminationsangst. Der Körper schwankt zwischen Lust und Zersetzung, zwischen Kontrolle und Kontrollverlust. Daneben verhandelt das Album vermeintlich leichter zugängliche Themen wie die Unmöglichkeit echter Nähe und Zuneigung (»Secret Love«, »The cute Things«), Leistungsdruck und Machismus. In einigen sehr gelungenen Zeilen – die im bekannt monoton-lethargischen Spoken-Word-Vortrag von Shaw gelegentlich untergehen – plädiert »Secret Love« jedoch für Sanftheit, das Eingestehen der eigenen Schwäche und Überforderung in einer dauererhitzten Zeit. Getragen wird all das von groovigen, eingängigen Riffs, die stellenweise an The Fall erinnern und dem Album trotz seiner Schwere eine erstaunliche Zugänglichkeit verleihen. Ein Muss bei der nächsten Augenspülung. Jonas Fritzsche

Totgesagte leben länger. Das gilt auch und gerade für Die Sterne. Nach dem Ausstieg der beiden Urmitglieder Thomas Wenzel und Christoph Leich war die Veröffentlichung des ersten Albums mit neuer Besetzung vor fünf Jahren ein erstes Achtungszeichen. »Hallo Euphoria« aus dem Jahr 2022 konnte die hohe Qualität halten. Und jetzt? Setzt die Band noch einen drauf! Ja, Sie haben richtig gelesen: Die Band. Denn dass Die Sterne genau das (und eben nicht Die Frank-Spilker-Gruppe) sind, kann man auf diesem Album so deutlich hören wie zuletzt auf »Räuber und Gedärm« – und das ist immerhin zwanzig Jahre her. Die beiden (gar nicht mehr so) neuen Mitglieder Jan Philipp Janzen und Phillip Tielsch (beide Von Spar) und die Keyboarderin Dyan Valdés haben sich über die letzten fünf Jahren merklich warmgespielt und offenbaren einmal mehr, dass sie die Sterne-Gleichung – Funk mal Pop plus Krautrock minus Berechenbarkeit plus das gewisse Etwas – im Schlaf beherrschen. Songs wie »Ich nehme das Amt nicht an« (dieser Groove!), »Ändern wir je den Akkord« (dieses Riff!) oder »Es war nur ein Traum« (diese Melodie!) haben auf jeden Fall jetzt schon einen festen Platz auf zukünftigen Sterne-Best-ofs. Und ja, Sie haben recht: Warum dann »nur« vier Schiffchen für Die Sterne? Ganz einfach: Weil die Messlatte in diesem Fall aufgrund vergangener Veröffentlichungen wie »In echt« (1994) und »Posen« (1996) in geradezu unerreichbarer Höhe liegt. Aber auch wirklich nur deshalb! Luca Glenzer

Mach doch mal ein Konzeptalbum, haben sie gesagt. Das ist deep, haben sie gesagt. Und dann kam »Sterben in Karl-Marx-Stadt« dabei raus. In der ersten Hälfte kommt das fünfte Album von Kraftklub wie eine Abhandlung über Tod, Vergänglichkeit und Sterben daher. Und es ist tatsächlich irgendwie deep. Gleich der erste Track heißt »Unsterblich sein« und zeigt Vergänglichkeit von ihrer größenwahnsinnigen und zarten Seite: Heute und in unserer Liebe sind wir unsterblich. »Wenn ich Tod bin« feiert das Afterlife als Paradies (»Wenn ich Tod bin, wird drei Tage geravet«), verhandelt dabei gleichzeitig Ideale im Hier und Jetzt und stellt die Tabuisierung des Todes in Frage. So klar das Konzept erst scheint, nach der Hälfte des Albums kommt mit »Schief in jedem Chor« der Plottwist. Da sind Kraftklub wieder ganz Kraftklub. »Solang noch einer ›Fickt euch alle‹ schreit, ist hier noch nichts verlorn«, ranzen die Chemnitzer und machen klar: Gemütlich im Jenseits auf der Wolke chillen und auf die Baustellen der Menschheit schauen ist nicht. Es gibt noch viel zu kämpfen. Noch klarer ist die Ansage im nächsten Track: »So rechts« rechnet mit Alltagsrassismus in all seinen hässlichen Facetten ab. Das selbstherrliche Ich-bin-ja- nicht-rechts-aber…-Gefühl wird gleich mit angezählt. Kraftklub, wie wir sie seit der ersten Platte kennen. Und genau so zeigen sie sich nicht nur textlich, sondern auch musikalisch: Den Beat immer auf die Zwölf, Rhymes und Flows auf den Punkt. Mit Nina Chuba, Faber, Dominanza und Deichkind gibt es spannende und logische Kooperationen. »Sterben in Karl-Marx-Stadt« ist weniger ein Konzeptalbum über Vergänglichkeit und Sterben als vielmehr eins über Kraftklub. Es bringt die Chemnitzer auf den Punkt. Nörgler würden sagen: Ist halt wieder Kraftklub, die feiern eh wieder alle ab, sind halt wieder Aussagen gegen rechts. Aber genau das ist auch richtig so. (...) Kerstin Petermann

Das Musikbusiness ist dreckig. Das musste Mexikodro, seines Zeichens Beatproduzent aus Atlanta, am eigenen Leib erfahren. Vor zehn Jahren zeichnete er mit seinem Kollektiv Beatpluggz verantwortlich für den »Plug«-Sound, der die Soundcloud-Ära prägte: reduzierte Beats mit ätherischen Synthesizern, dichten Basslines und eingängigen multi-instrumentalen Melodien. Mexikodro war der gefragte Mann und belieferte die Künstler der Stunde mit den heiß begehrten Beats mit dem ikonischen »Plug!«-Sample. Unter diesen war auch ein gewisser Playboi Carti, der durch den Kickstart auf Plug-Beats zu einem der erfolgreichsten Rapper der Gegenwart wurde. An der angemessenen Bezahlung ließ er es dann allerdings mangeln; Mexikodro wurde um Geld und angemessene Anerkennung geprellt. Nach Querelen mit Labels, Suchtproblemen und Haftstrafen war Mexikodros Stern am Sinken. Es wurde Zeit für einen Neustart und der Produzent wechselte vom Mischpult in die Booth. »Still goin« impliziert das Durchhaltevermögen eines geborenen Hustlers; auf der 14 Song starken EP geht es vor allem ums Wiederaufstehen, die Akzeptanz beschissener Zeiten und die stolze Zurschaustellung eines scheinbar langweiligen Lebens. Auf »Remy« rappt er in breitestem Südstaatenslang »Catch me with my Dogs by myself drinkin’ Wine / I be tired in my Bed, ’round nine«. In einer Hip-Hop-Kultur, die von der Glorifizierung verschreibungspflichtiger Medikamente und selbstzerstörerischen Verhaltens geprägt ist, durchaus erfrischend. Auf »Maid« wird die Indifferenz gegenüber anderer Leute Erwartungen – analog zum Cover – deutlich: »All these Folks staring, I got Crocs on my Feet«. Es ist sein Gespür für Beats, welches das Projekt herausragend macht. Musikalisch geht es immer weiter in Atlanta. Und man freut sich für einen, der Frieden mit sich gefunden hat. Jan Müller

Ein echtes Leipziger Herzstück ist diese jüngst eingespielte CD zur »Kunst der Fuge«. Wer zu Beginn das berühmte Fugenthema erwartet, wird überrascht. Denn es erklingt erst einmal der für Orgel arrangierte Choral »Was Gott tut, das ist wohlgetan«. Thomasorganist Johannes Lang ist gemeinsam mit der renommierten Barockviolinistin Nadja Zwiener Begründer dieses jungen Leipziger Ensembles. Dessen Markenzeichen sind hervorragende Barockmusikerinnen und -musiker, zu hören an historischen Instrumenten, die Johann Sebastian Bach tatsächlich persönlich gespielt hat. Die Streichinstrumente aus dem Besitz der Thomaskirche wurden damals beim renommierten sächsischen Instrumentenbauer Hoffmann in Auftrag gegeben und überzeugen mit warmer Klangkultur durch wunderbare Homogenität. Der Geist der Interpretation ist getragen von Grundruhe und unaufgeregter Selbstverständlichkeit sowie mancher intonatorischen Ausdrucksfärbung, die das wohltemperierte Ohr aufhorchen lassen. Die zwei das Werk umrahmenden Choräle wurden von Johannes Lang auf der Hildebrandt-Orgel in Störmthal eingespielt. Bach selbst hat dieses Instrument 1823 geprüft und auch eingeweiht. Bachs letztes großes Werk, die »Kunst der Fuge«, enthält in der Handschrift die Anmerkung seines Sohns Carl Philipp Emanuel: »ueber dieser Fuge, wo der Nahme BACH im Contrasubject angebracht worden, ist Der Verfaßer gestorben.« Anja Kleinmichel

Von ihrem Solodebüt im Jahr 2010 über die Arbeit mit Ben Walker im Folk-Duo bis hin zu den jüngsten Eigenveröffentlichungen kommt die schottische Musikerin Josienne Clarke auf rund zwanzig Releases. Aber ihre jüngste Veröffentlichung ist alles andere als auf Nummer sicher produziert. Clarke gibt sich hier einer Verletzlichkeit hin, zog sich zurück in eine Waldhütte auf der Isle of Bute und ließ die Dinge geschehen. »Far from Nowhere« ist eine Momentaufnahme, perfekt in ihrer Unperfektion. Die Dielen knarzen und quietschen, man hört das Streichen der Finger auf den Nylonsaiten. Bei den Aufnahmen kam Clarke eine Bronchitis dazwischen. All das ist Teil dieser Aufnahme, auch weil Clarke Wert auf Vintage-Equipment legte. Das Ergebnis ist ruhig, fast schmerzhaft intim. Meist ist ihre Falsettstimme allein mit der Gitarre zu hören, hier und da mit einem zurückgenommenen Schlagzeug oder einem Drum-Computer, den ihr Mitstreiter Murray Collier bedient. »Far from Nowhere« ist ein Album, das aus Trotz heraus entstanden ist. Josienne Clarke verzweifelt an der Gesamtsituation der Welt, der Lage der Musikindustrie im Besonderen. Der Rückzug, die Konzentration aufs Wesentliche, war der einzige Ausweg. Das Resultat dieser Katharsis ist berührend, wunderschön und schenkt Hoffnung in der dunkelsten Stunde der Nacht. Lars Tunçay

»I liked Portugal. The Man before they sold out«, druckte die Band aus Alaska schon 2017 auf ihre T-Shirts. Zu dem Zeitpunkt hatte sie gerade ihr Breakthrough-Album »Woodstock« und den Überhit »Feel it still« veröffentlicht, der ihr Platin-Status, Grammy-Auszeichnung und über eine Milliarde Streams auf Spotify bescherte. Die Band, die den größten Teil ihrer Karriere als experimentell-verspulte Indie-Nischen-Gruppe galt, rechnete damit, dass einige Fans ihr den Mainstream-Erfolg übel nehmen könnten. Was dann auch der Fall war. Der kommerzielle Erfolg war dabei natürlich nicht das Problem, sondern eher der Wechsel zu einem recht angepassten Pop-Sound. Entsprechend überrascht dürften nun wiederum viele der neugewonnenen Fans von der kürzlich veröffentlichten Platte »Shish« sein. Hier kehren Portugal. The Man zum experimentierfreudigen und freigeistigen Spirit ihrer Frühphase zurück und liefern das vielleicht waghalsigste Album seit ihrem 2007 erschienenen »Church Mouth«. Die Band glänzt auf »Shish« mit supersweeten, sonnigen Psych-Pop-Melodien und souveränen Grooves, die dann aber immer wieder von wütenden Hardcore-Punk-Einlagen oder chaotischen Prog-Rock-Passagen zersägt werden. Ein wenig vermisst man zwar den roten Faden, der diese wilde Gemengelage zusammenhält, sehr viel Spaß macht das Ganze aber auch so – oder wie es ein Subreddit-User formuliert: »This Album RIPS!« Yannic Köhler

Der Winter hat in den hiesigen Breitengraden meteorologisch Einzug gehalten – Paul Bernewitz legt mit seinem neuen Soloalbum »Between the Years« akustisch sogar eine Woche vor. Insgesamt zwölf Stücke versammelt der Leipziger Pianist darauf, die sich allesamt in zerbrechlichen Klangfarben präsentieren. Die künstlerische Reife des 1997 geborenen Leipzigers spiegelt sich nicht zuletzt in der Reduktion musikalischer Themen: Statt auf eine Fülle an Ideen zu setzen, vertraut Bernewitz der poetischen Kraft seines Spiels. Der Einstieg ist mit der Interpretation von »Over the Rainbow« durchaus gewagt, gehört das Stück doch mutmaßlich zu den am häufigsten gespielten Songs der Welt. Doch statt an der melodischen Oberfläche des Stückes zu kratzen, gelingt es Bernewitz, sich in dessen kompositorische Tiefen zu begeben und ihm mit zarten Anschlägen Leben und Charakteristik einzuhauchen – ganz so, als wären die bekannten Akkordfolgen Bernewitz selbst entsprungen. Gleiches gilt für seine rührende Interpretation von »On the Street where You live« aus dem Musical »My Fair Lady«, mit dem der Pianist das Album beschließt. Stücke wie diese fügen sich nahtlos zu Eigenkompositionen wie »The Angels of Weed Seeds« oder »Justification «. In seiner Gesamtheit wohnt »Between the Years« dabei ein durchaus radikales Moment inne: Stellt es doch mitsamt seinem konsequenten Minimalismus inmitten einer bis zum Anschlag lauten Welt eine akustische Antithese dar. Ob sie gehört werden wird, bleibt abzuwarten. Verdient hätte sie es allemal. Luca Glenzer

Als Genre hätte hier auch Kraut-Rock, Dark Ambient, Goth oder Experimental-Pop stehen können und trotzdem würden all diese Begriffe zusammen vermutlich noch immer nicht die Bandbreite dieses 72-Minuten-Brechers abbilden können. »Iconoclast«, das sechste Studioalbum der schwedischen Musikerin Anna von Hauswolff, sucht nach der eigenen Identität, der eigenen Weiblichkeit und Verletzungen aus der Vergangenheit. Womit es einen sehr weiten Bogen spannt. Gleich im ersten Song beschwört Otis Sandsjö – der neben von Hauswolff und Produzent Fillip Leyman auch maßgeblich am Album beteiligt war – mit wiedererkennbaren Saxofon-Licks »The Beast« herauf, das dann acht Songs später in »Struggle with the Beast« unkontrolliert freigelassen wird. Von Hauswolffs Stimmeneinsatz und das ekstatische Spiel von Sandsjö lassen einen nicht daran zweifeln, dass hier tiefsitzende Traumata behandelt werden. Dazwischen gibt es sehr ruhige Songs mit Disney-reifem Chorus, ein Duett mit Iggy Pop, den vermutlich besten Lana-Del-Rey-Song der letzten zehn Jahre (ohne Lana Del Rey, aber mit Ethel Cain) und immer wieder unendlich gelayerte Instrumentalstücke sowie einen 10-minütigen Titelsong, der klingt wie drei verschiedene. Man soll sich ja immer etwas zurückhalten mit Superlativen und Jahresbestenlisten, aber dieses sehr ambitionierte Projekt könnte … Jonas Fritzsche

Große Kunst dreht sich um … Menschen. Große Kunst berührt … Menschen. Deshalb ist »Große Kunst« große Kunst. Das zweite Album des Thüringers Manuel Bittorf alias Betterov ist das musikalische Gegenstück zu Romanen wie »Wild Wild Ost« oder »Die schönste Version«. Es erzählt vom Aufwachsen in der (Nach-)Wendezeit, ohne die Aggressivität dieser Baseballschlägerjahre, aber mit der dringlichen Emotionalität der gebrochenen Biografien, die diese Zeit begleitete. Dabei ist Manuel Bittorf dafür eigentlich zu spät geboren, nämlich 1994. Mit einer Generation Abstand beobachtet er und spürt nach. Wenn er in der Doppel-Single »17. Juli 1989« und »18. Juli 1989« von der Flucht seines Vaters und der Trauer seiner daheim gebliebenen Mutter erzählt, dann sind das verschwommene Erinnerungen. Wenn er in »Sag nicht deinen Namen« von Stasi und Akten singt, dann kennt er das allenfalls aus Erzählungen. Mehr fernes Gefühl als Wissen sind vermutlich auch die Fahrten in »Papa fuhr immer einen großen LKW«. Ein Gefühl zwischen Das-kann-doch-nicht-alles-gewesen-sein und Wenn-du-nicht-dreckig-bist-hast-du-nicht-gekämpft. Auf »Große Kunst« schafft Betterov es aber auch, in 45 Minuten und 17 Tracks diese Gefühle von der Vergangenheit ins Jetzt und Heute zu heben. Oder wie in »In meinem Zimmer spielen sich Dramen ab« auf die Größe eines Kinderzimmers zu komprimieren. Die Welt mit ihren Herausforderungen (und ihrer Schönheit) war 1989 sicher nicht dieselbe wie heute. Aber die Unsicherheit, die Wut und die Trauer sind nach wie vor da. Gebrochene Herzen und schüchterne Hoffnung werden nie alt. Und beides bringt Betterov in Strophen und Zeilen hervorragend auf den Punkt. Mit mal dringlichem, mal zerbrechlichem Gesang. Mit Gitarren, die mal zerstören und mal streicheln wollen — ganz wie das Gefühl es verlangt. Die Stärke des Albums ist nicht nur die Lyrik, sondern auch die Musik, die ganz im Dienst der Texte und ihrer Gefühle steht. Zusammen berühren sie. Und sind durchaus »Große Kunst« Kerstin Petermann